JOHNNY WINTER

Neste virtual mundo da internet a gente acaba fazendo amigos que nunca vimos e provavelmente nunca veremos. Entre eles está o Mike que me convidou para fazer parte de um blog fechado (desses só para convidados) aonde encontrei a série Johnny Winter Live Bootleg [2007-08], postado por um cara que atende pelo nick de Jobe, mais um desses amigos virtuais. Caramba!! Ouvir o velho Johnny cantando todos aqueles clássicos, me deixou saudoso e me fez lembrar que ele já está nas últimas, porém ainda consegue fazer algumas apresentações, mas somente sentado e que não vão muito além de 30 minutos. Puxa vida, como eu gostaria de poder assistir a uma delas! Estive bem perto disso quando foram anunciados alguns shows dele no Brasil em 2004, mas acabaram cancelados devido à precária condição de saúde do guitarrista. Seria a primeira vez desse lendário bluesman em solo tupiniquim, infelizmente não aconteceu e tudo indica que não acontecerá. Enfim, esse revival me deu vontade de fazer um post em homenagem ao meu grande ídolo, e nada mais legal do que uma homenagem em vida. No ano passado eu postei aqui o Blues Over San Diego de 1974, até então o único disco do Johnny neste blog, então para fazer valer o tributo, além do fantástico Live Bootleg Series, revirei o baú e saquei algumas preciosidades que deixarão os velhos fãs em polvorosa e aqueles que ainda não tiveram o prazer de conhecê-lo, entenderão finalmente porque John Dawson Winter III, o “Tornado do Texas” é, e sempre será, um dos maiores guitarristas de blues em todos os tempos.

Johnny Winter nasceu em 23 de fevereiro, de 1944, em Beaumont, no Texas, para se tornar um dos maiores guitarristas e cantor branco da história do blues. Filho primogênito de John e Edwina Winter, que foi a principal responsável por Johnny e seu irmão Edgar (ambos albinos) se iniciarem ainda crianças no mundo da música. A carreira musical de Johnny começou a ascender em 1968 quando formou um trio com o baixista Tommy Shannon (futuro integrante do mítico Double Trouble, de Stevie Ray Vaughan) e com o baterista Uncle John Turner (que também tocou com Vaughan, só que antes da fama em um grupo chamado Krackerjack). No ano seguinte, Johnny já era atração nos principais festivais de blues e rock, inclusive o lendário Woodstock. Com a fama, veio o dinheiro, com o dinheiro vieram as drogas e com as drogas, alguns problemas. Em 1973, depois de se livrar do vício, ele retorna a cena musical tendo como parceiro de banda o guitarrista e compositor Rick Derringer que escreveu a música “Still Alive and Well” em homenagem a Winter por superar sua dependência, esta canção também seria o título do disco lançado naquele ano, que ainda trás uma incrível interpretação de “Silver Traim” dos Rolling Stones. Em 1977 ele produziu o álbum Hard Again de Muddy Waters, disco obrigatório aos amantes do blues. A parceria resultaria em várias indicações ao Grammy, e Johhny gravou o álbum Nothing But Blues com os integrantes da banda de Muddy. Seu nome entrou para o "Hall da Fama do Blues" em 1988.

Johnny Winter Live Bootleg Series vol. 1

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Johnny Winter has been flattening audiences since he blew out of Texas like a white tornado in 1968. At the tail end of the blues revival when British blues rockers were co-opting America's only indigenous art form, Johnny staked his claim to the title of reigning blues guitar hero with blinding chops as hot as a jalapeno and authentic blues feel as deep, wide and muddy as the Rio Grande. Johnny's studio releases are an unparalleled record of the evolution of a blues master who has never stopped growing and perfecting his unique artistic vision of the music as a living, breathing entity meant to be expressed with spontaneity and unbounded enthusiasm in concert. To the everlasting gratitude of his fans, he has recorded a tremendous number of his shows, amassing an archive of forty plus years of musical treasures. They are now being carefully and painstakingly mastered and will be released over the next several years as the Live Bootleg Series on Friday Music.

Volume One covers a collection of Johnny's vintage performances featuring bassist Jon Paris and drummer Bobby T, his power trio at the time playing with fiery abandon and thundering drive. From his signature hair-raising scream of A LITTLE ROCK AND ROLL! that introduces Johnny B. Goode to his stomping bonus track cover of Bobby Womack's R&B classic It's All Over Now, this musical journey is one of blues and rock, heart and soul. If there is any doubt that he is the premier interpreter of the Rolling Stones, one need only to listen to his cataclysmic version of Jumpin' Jack Flash, to dispel any rumors. It's no wonder Keith and Mick gladly handed him their Silver Train to cover. Any Texan worth his salt and tequila includes Freddie King's Hide Away in his repertoire, but Johnny knows it from the inside out and makes the well- worn classic his own. Ever conscious of his true roots in country blues, he delivers a Southern fried Rollin' and Tumblin' for the ages, stamping it as bonafide with his slashing slide guitar. Further demonstrating his versatility, his original, brooding Stranger makes a case for this overlooked aspect of his talent. As Johnny is quick to point out when anyone calls his recent resurgence as a comeback, But I never went anywhere! These priceless, previously unreleased live recordings only further serve to fill in the gaps in a legacy that continues to be added to with every passing contemporary show and recording.
Review by Dave Rubin - Guitar Player Magazine

01. Johnny B Goode
02. Messin With The Kid
03. Help Me
04. Hideaway
05. Come On In My Kitchen
06. Rollin' and Tumblin'
07. Stranger
08. Jumpin Jack Flash
09. Boney Maroine
10. It's All Over Now

Johnny Winter Live Bootleg Series Vol. 2

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I always knew I d make it, Johnny Winter, cigarette dangling from his lips, told me after a gig one night in 2007 as his tour bus rolled on through the darkness of rural Virginia. I never doubted it. I always knew that playing music was what I was meant to do, and I never even thought about doing anything else. Live Bootleg Series Volume II the second installment in Friday Music s artist-approved releases displays the same unshakable confidence that made Johnny Winter one of the 20th century s most important and influential guitarists. It also illuminates the native Texan s lifelong love affair with the blues, not to mention his absolute mastery of the guitar. Johnny s own searing Black Cat Bone, a tune he first recorded for 1969 s The Progressive Blues Experiment, kicks things off, and it s followed by a true blues story: a tale of persecution, the Mose Allison-penned Parchman Farm, which Johnny transforms into a heavy, groove-laden rocker.

Up next is Rock Me Baby, a hit for B.B. King. To this day, Johnny fondly recalls the night in 1962 in his native Beaumont when B.B., playing a local blues club called The Raven, hesitantly allowed a young Johnny Winter after first checking to see if he had a union card to sit in with his band. (Johnny did, in fact, take the stage that night, and he earned a standing ovation for his efforts.) This riff-heavy reading of B.B. s classic is vintage Johnny, sporting his deep-throated growl and soaring, overdriven blues-rock guitar lines. An undeniable highlight of this collection is the jaw-dropping, 15-minute reading of Willie Brown s Mississippi Blues. Alongside a wailing harmonica, Johnny expertly builds the tune from the bottom up, each turnaround giving way to yet another verse that seems to up the ante even more. By the time the tune concludes its sixth minute and the entire band kicks in, the guitar lines have become simply torrid and there s still a lot more ahead. It sets the table beautifully for what comes next, Johnny s incendiary take on Robert Johnson s Crossroads, which rocks firmly in the spirit of Cream. Closing this collection is a simply unforgettable Red House, in which Winter dedicates the tune to Al Hendrix in memory of his late son Jimi.
Review by Sean McDevitt

01. Black Cat Bone
02. Parchman Farm
03. Rock Me Baby
04. Mississippi Blues
05. Crossroads
06. Red House (Bonus Live Recording)

Johnny Winter Live Bootleg Series vol. 3

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Like any life-changing, chromosome-rearranging event, all guitar fans remember their first time seeing Johnny Winter perform live. For me, the year was 1973, at Madison Square Garden in New York City. Johnny was then embarking on his Still Alive and Well comeback tour. Appearing onstage all in white, his platinum-white hair flowing down to his elbows and playing a blinding white Gibson Firebird V, Johnny beamed with the unbridled energy of a force from some distant galaxy. His performance a combination of earth-shattering guitar playing, searing vocals and wildly energetic stage presence--was nothing short of brilliant. He rocked the Garden so hard that night, the entire building shook in rhythm with the music. During the barn-burning boogie track Rock & Roll, I literally believed that the Garden was going to blast apart at the seams. In the ensuing years, I have seen Johnny perform countless times in arenas, amphitheaters, 1200-seaters, sardine-canned packed clubs (such as NYC s legendary Lone Star Café), rehearsal studios, and even Johnny s own living room. Seeing and hearing Johnny Winter play live is an experience like no other, because, simply stated, no other guitar player has ever entwined raw power, pure emotion, conviction, and virtuosity more effectively than he has.

Live Bootleg Series: Vol. 3 opens with Mojo Boogie. Johnny leads off the tune with some unaccompanied virtuoso slide work, his guitar tuned to open D (one of his favorite tunings for slide), before the band kicks in for a blazing extended intro solo, with bassist Paris offering some double duty by coping Johnny s slide melodies note-for-note on harmonica. The second cut, Stranger Blues, is a killer Elmore James boogaloo that Johnny rips apart with more slide work in open D. This is the type of hard-rockin blues Johnny first introduced to the world back in 1969 with his seminal release, The Progressive Blues Experiment. On the third track, I Smell Trouble Johnny displays the kind of mind-blowing speed and virtuosity that he usually reserves for long workouts over slow blues, while Boot Hill is a hard-driving mid-tempo shuffle on which Johnny effortlessly combines slide guitar with some of the fastest single-note work he s ever recorded.

Next up is a very rare live take of Robert Johnson s Stones in My Pass Way, played in front of a small but appreciative audience. Johnny performs the song unaccompanied with a slide on a National steel guitar tuned to open G. I learned about open tunings from listening to Robert Johnson's King of the Delta Blues, Johnny told me back in 1989. I picked up the concept of using open tunings just by using my own ears, and when I discovered how the open tunings worked with the slide, it was quite a revelation. I m Gonna Murder My Baby, was written by one of Johnny s big guitar influences, Pat Hare. Says Johnny, I m Gonna Murder My Baby is the heaviest blues song ever written! This collection rounds out with a smoldering version of Johnny s most well known track, his slide guitar tour-de-force arrangement of Bob Dylan s Highway 61 Revisited. Johnny Winter is regarded as one of the greatest, most original and most influential slide guitarists ever, and this track offers ample testament to that fact. Today, Johnny Winter is still touring steadily all over the globe, playing and singing as only he can and bringing audiences to their feet wherever he goes. Until the next time you get to see him perform live, Live Bootleg Vol. 3 will keep you covered.
Review by Andy Aledort


1.Mojo Boogie
2.Stranger Blues
3.I Smell Trouble
4.Boot Hill
5.Stones In My Pass Way
6.I'm Gonna Murder My Baby
7.Highway 61 Revisited

Johnny Winter - No Time To Live [2001]

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Live At The Texas Opry House [1997]

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Live In Houston [1993]

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White Lightning [1996]

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Led Zeppelin – Shenandoah [1992]

Sobre a banda não há nada mais a dizer, mas o disco é o seguinte: trata-se de um bootleg apresentando uma seleção de shows e uma studio session, supostamente realizadas entre 1968 e 1975. Digo supostamente porque esse disco tem outras edições com outras capas, as mesmas músicas, mas as datas não conferem. A edição mais popular alega que as duas primeiras faixas (“I Can't Quit You Babe” e “I Gotta Move”), seriam de 20 de setembro, de 1968, gravadas no Tivoli Gardens em Estocolmo, na Suécia. Isso é muito duvidoso, porque apesar deles terem passado pela Escandinávia naquele ano, o grupo se apresentou como New Yardbirds e a turnê teria durado de 7 a 17 de setembro. Já uma segunda fonte, aponta que essas duas músicas são do show realizado em 16 de março, de 1969, em Copenhague, na Dinamarca, o que é mais provável. Existem outras discrepâncias de datas entre as duas fontes, como vocês podem conferir no texto abaixo. Mas isso não é o mais importante, o que vale aqui, é que o áudio é de boa qualidade permitindo ao ouvinte sentir toda a energia e vibração de uma das maiores bandas rock pesado de todos os tempos em gravações ao vivo e trabalhando no estúdio.





Relação das músicas, com as datas e locais, segundo a capa do disco:

01. I Can't Quit You Babe (Tivoli Gardens, Stockholm - 09/20/68)
02. I Gotta Move (Tivoli Gardens, Stockholm - 09/20/68)
03. As Long As I Have You (Fillmore West, San Francisco, CA - 01/09/69)
04. Dazed And Confused (British Supershow, Staines, Middlesex - 03/25/69)
05. Sittin' And Thinkin' (Fillmore West, San Francisco, CA - 04/27/69)
06. The Girl I Love (BBC, London, England - 06/23/69)
07. Something Else (BBC, London, England - 06/23/69)
08. You Shook Me (Playhouse Theater, London, England - 06/27/69)
09. Stairway To Heaven (Headley Grange Studio, Hampshire - 01/71)
10. Untitled Instrumental (Headley Grange Studio, Hampshire - 01/71)
11. No Quarter (Headley Grange Studio, Hampshire - 01/71)
12. Woodstock (Dazed And Confused) (Earl's Court, London, England - 05/24/75)

Datas corrigidas por uma segunda edição denominada Shenandoah, Missing In Action.

1-2 ---- 1969-03-16 Copenhagen
3 ------ 1969-04-24 Fillmore West
4 ------ 1969-03-25 Staines Supershow
5 ------ 1969-04-27 Fillmore West
6-7 --- 1969-06-16 London
8 ------ 1969-06-27 London
9-11 --- 01-71 Headley Grange outtakes
12 ----- 05-24-75 Earl's Court

Led Zeppelin - Shenandoah

Various Dates
Aulica (SAIE) Label
Soundboard Recording

A very nice compilation of various sources. Even though it states it has recordings from 09/20/1968, I doubt it to be true.

Track Listing:
01. I Can't Quit You Babe (Tivoli Gardens, Stockholm - 09/20/68)
02. I Gotta Move (Tivoli Gardens, Stockholm - 09/20/68)
03. As Long As I Have You (Fillmore West, San Francisco, CA - 01/09/69)
04. Dazed And Confused (British Supershow, Staines, Middlesex - 03/25/69)
05. Sittin' And Thinkin' (Fillmore West, San Francisco, CA - 04/27/69)
06. The Girl I Love (BBC, London, England - 06/23/69)
07. Something Else (BBC, London, England - 06/23/69)
08. You Shook Me (Playhouse Theater, London, England - 06/27/69)
09. Stairway To Heaven (Headley Grange Studio, Hampshire - 01/71)
10. Untitled Instrumental (Headley Grange Studio, Hampshire - 01/71)
11. No Quarter (Headley Grange Studio, Hampshire - 01/71)
12. Woodstock (Dazed And Confused) (Earl's Court, London, England - 05/24/75)

Shenandoah (Missing In Action) Track List
(from Bootleg database)
T1-2 ---- 1969-03-16 Copenhagen
T3 ------ 1969-04-24 Fillmore West
T4 ------ 1969-03-25 Staines Supershow
T5 ------ 1969-04-27 Fillmore West
T6-7 ---- 1969-06-16 London
T8 ------ 1969-06-27 London
T9-11 --- 01-71 Headley Grange outtakes
T12 ----- 05-24-75 Earl's Court

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Guthrie Govan - Erotic Cakes [2006]

Saca só o naipe desse sujeito. Parece que voltou de Woodstock a pé e parou no caminho para tocar guitarra e relaxar. Só que esse elemento aí com cara de hippie 60’s, toca muito, mas muito, pra caralho mesmo! Além de ser influenciado por todos aqueles caras dos anos 60 e 70, Guthrie Govan se deixou levar pelos virtuosos do final do século, caras como Eddie Van Halen, Joe Satriani, Steve Vai, Yngwie Malmsteen... Esse segundo detalhe, normalmente não me cai bem, porque não sou muito chegado a esse estilo de guitarra “malabares”, cheio de escalas bachianas, mais tapping e o escambau. Artistas como Richie Kotzen, Paul Gilbert, Blues Saraceno e companhia me cansam os ouvidos depois da segunda música. Mas Govan tem um diferencial, porque ele mescla bem a técnica moderna com a velha escola a la Hendrix, Zappa, Beck... E ainda por cima coloca um tempero jazzístico originário da influência de Joe Pass, do qual ele é fã declarado. Toda essa mescla de estilos e técnicas está muito bem balanceada em Erotic Cakes, primeiro trabalho solo desse guitarrista inglês, lançado pelo selo Cornford Records, que ainda conta com a participação de Richie Kotzen e Bumblefoot.

Guthrie Govan é natural de Chelmsford, Essex, Inglaterra, nasceu em 27 de Dezembro de 1971 e começou a tocar guitarra com apenas três anos de idade, tendo seu pai como grande incentivador, mas aprendendo inicialmente de ouvido, sem ajuda de professores. Sua primeira apresentação ocorreu aos nove anos, quando ele e seu irmão tocaram num programa de TV chamado 'Ace Reports'. Além da música, ele tinha um apreço pela gramática e chegou a cursar língua Inglesa na universidade de Oxford, porém, abandonou depois de um ano a fim de se dedicar exclusivamente a uma carreira musical. Como viver de música não é uma coisa fácil nem na Inglaterra, para segurar as pontas, ele arrumou um emprego em uma rede de fast food. Em 1991, depois de ouvir algumas demos e se impressionar com a técnica de Govan, Mike Varney, da Shrapnel Records, ofereceu-lhe um contrato de gravação, mas ele acabou recusando por achar que ainda não era o momento apropriado. Dois anos depois, ele inscreveu a música “Wonderful Slippery Thing” (presente no Erotic Cakes), em um concurso da Guitarist Magazine's arrematando o prêmio de "Guitarrista do Ano". Com isso, algumas portas se abriram e ofereceram a ele um trabalho para transcrever uma peça de Shawn Lane na revista Guitar Techniques, Govan se tornou um colaborador fixo da publicação pondo um fim naquele maldito trabalho na fast food. Desde o final dos anos 90 que ele vem trabalhando ativamente como professor de guitarra, lecionou no Guitar Institute de Acton, na Thames Valley University, e na Academy of Contemporary Music; atualmente ele ensina no Brighton Institute of Modern Music. Como professor, ele ficou conhecido por sua capacidade de ensinar um amplo leque de estilos. O que você pode conferir nesse interessante link do You Tube: Who is the Best? Ainda no campo docente, Govan publicou dois livros chamados Creative Guitar: o primeiro “Cutting Edge Techniques” e o segundo “Advanced Techniques”. Como se pode notar pelos nomes dos livros, eles tratam de inovadoras técnicas para o ensino da guitarra.


Em 2001 ele se juntou ao grupo de rock progressivo Asia, uma banda que reuniu verdadeiros ícones do estilo, mas nunca me desceu bem. Permaneceu com eles até 2006, quando formou com os ex companheiros do Asia John Payne (baixo e vocal) e o Jay Schellen (bateria) o GPS, lançando naquele mesmo ano o disco Window To The Soul (bem chatinho por sinal). Govan também aparece em Your Music Is Killing Me (2007), disco de estréia do The Young Punx um grupo inglês de música eletrônica de pista, ou seja, melhor nem ouvir a não ser que você goste do estilo clubber. Como tocar nunca é demais para um musicista dedicado, ele se apresenta regularmente no Bassment Club de Chelmsford, em Essex na velha Inglaterra. Se por acaso você estiver de bobeira por lá, numa noite dessas, vale a pena conferir Guthrie Govan de perto com sua banda de jazz fusion The Fellowship.

Bem amigos, aí está Guthrie Govan um cara que demorou para lançar seu primeiro disco, mas que toca guitarra com muita maestria, vai da palhetada alternada e chicken pickin’ à la Steve Morse, até tapping de oito dedos e solos de guitarra limpa. Eu não diria que ele é o mais “fodão” do momento porque, como já disse aqui, o estilo virtuoso exagerado me cansa um pouco, não gosto do Asia e também não curti o GPS. Mas sem dúvida nenhuma é um músico interessante que vale a pena conferir, principalmente neste Erotic Cakes.

Pois é né pessoal! Eu falei bem do cara, rasguei a seda nele, mas desci a lenha nos lançamentos, fazendo parecer que a única coisa boa dele até momento seria Erotic Cakes, mas não é bem assim e para deixar uma impressão melhor, posto como bonus uma apresentação com The Fellowship no Bassment Club, jazz fusion de primeiríssima linha!
Fonte: Wikipedia

A propósito: as duas gravações postadas aqui eu encontrei no blog Jazz-Rock-Fusion-Guitar

Guthrie Govan - Erotic Cakes


Guthrie Govan is recognised by his peers as possibly the scariest guitarist alive. Combining an unparalleled technical ability with a mastery of almost all styles, Guthrie is equally at home comping in a trad jazz combo as he is performing death-defying ‘shred’ guitar. Coupled with some seriously funky grooves and an encyclopaedic knowledge of popular music styles, a wonderfully developed slide style and improvisational abilities to match anyone, he may just be the most complete guitarist out there. Govan (born December 27, 1971 in Chelmsford, Essex, England) is a guitarist known for his work with the bands Asia (2001-2006), GPS, The Young Punx and The Fellowship as well as Erotic Cakes (a vehicle for his own music). He is a noted guitar teacher through his work with the U.K. magazine Guitar Techniques, Guildford’s Academy of Contemporary Music and currently the Brighton Institute of Modern Music. He is also a former winner of Guitarist Magazine's "Guitarist of the Year" competition.

Govan began playing guitar aged three, encouraged by his father but initially learning mainly by ear. At the age of nine he and his brother Seth played guitar on a Thames Television programme called 'Ace Reports'. He then attended King Edward VI Grammar School (Chelmsford) where he was exposed, via older classmates, to ‘shred’ guitarists of the time. After leaving school, Govan read English at the University of Oxford, though he left after a year to pursue a career in music. Around this time (by Govan’s own estimation, 1991) he sent demos of his work to Mike Varney of Shrapnel Records. Varney was impressed and offered him a record deal; ultimately however, Govan declined. Regarding his reasons he has explained: ‘it was as though all I really wanted to know was that I was good enough… I found I was getting a bit wary of the shred movement’.

In 1993 he won Guitarist magazine’s ‘Guitarist of the Year’ competition with his instrumental piece ‘Wonderful Slippery Thing’ (a version of which would eventually appear on his debut solo album); the demo of the track earned him a place amongst several other entrants in the live final, which he then won. Subsequently, he submitted a sample transcription (of a Shawn Lane piece) to Guitar Techniques magazine; this earned him a job as a contributor to the magazine, ending a spell working in fast food. Govan has since worked with ‘Guitar Techniques’, both on transcriptions of songs and on articles providing tuition to readers in particular techniques or styles. His work with the magazine enabled his belated solo album Erotic Cakes to reach a wider audience, not least because the magazine transcribed 'Wonderful Slippery Thing'.

Since the late 1990s, Govan has taught at the Guitar Institute in Acton, Thames Valley University, and the Academy of Contemporary Music; he currently teaches at Brighton Institute of Modern Music. In this context, he is known for his ability to teach a wide range of styles. Govan has published two books on books on guitar playing: Creative Guitar Volume 1: Cutting Edge Techniques and Creative Guitar Volume 2: Advanced Techniques. As the names imply these books aim to teach innovative guitar techniques.

Govan’s debut solo album, Erotic Cakes, was released through Cornford Records in August 2006. In the album's sleeve notes, Govan states the album is named after an episode of The Simpsons; he also explains that when playing live, the band is billed as ‘Erotic Cakes’ rather than simply Guthrie Govan. In addition to bass by Govan’s brother Seth and drumming by Pete Riley, the album features guitar solos by Richie Kotzen and Bumblefoot on ‘Ner Ner’ and ‘Rhode Island Shred’ respectively. Seth Govan and Pete Riley also complete the Erotic Cakes live band. Several of the tracks on the album existed in various incarnations previously. Notably, versions of ‘Waves’ and ‘Rhode Island Shred’ appeared on the compilation Guitar on the Edge, Vol 1. no.4 (Legato Records, 1993); his inclusion on the compilation was organised by Mike Varney's brother, Mark. Furthermore a version of his ‘Guitarist of the Year’ winning piece, ‘Wonderful Slippery Thing’ appears on the album. While this is his first album, Govan had been collaborating with drummer Pete Riley on the music since the mid-1990s

The Erotic Cakes band line up, with the addition of saxophonist Zak Barrett, also forms jazz-fusion band The Fellowship. The band plays at the Bassment club in Chelmsford, Essex every Thursday night and has done so for several years. Govan’s earliest influences were Jimi Hendrix and Cream-era Eric Clapton; as such he describes himself as coming from a ‘blues rock background’. While he is ‘wary’ of 1980s technique driven guitar music (‘shred’) he cites the imagination of Steve Vai (as well as Frank Zappa, whom Vai played with) and the passion of Yngwie Malmsteen as influences. Jazz and fusion elements are an important part of his style: he cites Joe Pass as a pivotal influence in this respect.

Govan is known for his virtuoso command of the electric guitar, due to both his technical ability and proficiency in various styles. Govan’s ‘Myspace’ profile lists quotes from various guitarists to this effect; elsewhere, fellow virtuoso Joe Satriani has called Govan an ‘amazing’ guitarist.
From: Wikipedia

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Joe Satriani:
Totally freakin awesome!!! this CD put a grin on my face a mile wide.

Richie Kotzen:
Guthrie Govan can do anything he wants as a guitarist. He has total command over the instrument; I love to watch Guthrie live as he always plays something new that the rest of us would never have thought of. He is truly a gifted musician and I am honored to be a part of Guthrie's 1st album.
(Guest solo from Richie on "Ner Ner")

Greg Howe:
Guthrie is a brilliant guitarist whose super high level of proficiency does not seem to be limited to any one particular genre or style.

Dweezil Zappa:
Every time I hear Guthrie play I feel like I have to fasten my seatbelt. He is an alien. His technique and execution is staggering. Ultimately what is most impressive about him is his musicality. He has total freedom on guitar... BASTARD!

Bumblefoot, a.k.a. Ron Thal:
I've known Guthrie since the days before email, when we'd write each other trading riffs. In the past years, we'd have long jams at NAMM conventions in California, and gigged together in the UK. And for all these years, I, and the rest of the world-wide guitar community have harassed him incessantly to please please release a full-length CD. Well, he's done it, and it's inspiring and mind-blowing and beautiful, as expected. Guthrie is the most-talented guitarist I've ever known,a great friend, and I'm honored to havecontributed to his album. Thank you Guthrie, for the wonderful music and all you are.
(Guest solo from Ron on "Rhode Island Shred")

Guitar Techniques Magazine:
"Totally freakin’ awesome.” says Joe Satriani. “This album put a smile on my face a mile wide!” GG’s debut has been around ten years in the making and is one of the most eagerly awaited debut releases. So was it worth the wait? Here’s what Whitesnake’s Doug Aldrich says: “I’m floored! Amazing songs and sick playing from the whole band! Waves is on my daily playlist!” And it’s true, from the moment that first track nudges the speakers into action you know the boy has exceeded even our greatest expectations. Weep at Eric, his tribute to Eric Roche, grin at his million-miles-an-hour country fest Rhode Island Shred and simply marvel at the magic of Fives and Ner Ner. Guthrie has produced a textbook CD for everyone interested in weapons grade rock guitar playing. As guest soloist Ritchie Kotzen puts it, “Guthrie is a truly gifted musician and I am honoured to be a part of his first album.” We have just one thing to say - go and buy it!

Bonus Post

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Cosmosquad - Cosmosquad [1997]

Eu não pretendia postar este disco, mas foi pedido por um estimado amigo que nunca conheci pessoalmente. Pois é gente, a internet tem dessas coisas. Estou falando do grande Edson o mentor intelectual do conhecido e muito bem freqüentado blog Gravetos & Berlotas. No vácuo do pedido se agregou outro chegado e freqüentador aqui do Boogie Woody. O Lelo, um camarada de bom gosto que sacou que o Cosmosquad é mesmo um grupo da hora e reforçou o pedido. Então ta! Para quem pediu e para quem vem na balada, aqui está o primeirão desse power trio de fusion pesado que atende pela alcunha de Cosmosquad. Na verdade, embora esse primeiro lançamento já apresentasse certo peso, ainda se mostrava ligado a uma vertente jazzística tradicional nitidamente notada na faixa “The Scene”, mas no geral é aquele puta som característico do Jeff Kollman, um guitarrista que consegue unir o virtuosismo ao bom gosto. Sou muito fã da banda, do Jeff e desse disco em especial. Espero que vocês apreciem tanto quanto eu. Aê “Mr. Ed Som”, faça bom proveito!!

Cosmosquad - Self title

With their self-titled debut release, this all-instrumental trio weaves jazz, fusion, Latin, blues, and rock influences into a unique musical hybrid. The band lineup features the remarkable Jeff Kollman on guitar, Barry Sparks on bass and Shane Gaalaas on drums. Stylistic inspiration coupled with polished musicianship, unique songwriting and a versatile rhythm section sets the multidimensional Cosmosquad apart from the crowd with a strong, definitive musical statement.
From -> Guitar NIne

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TERJE RYPDAL

Com um estilo muito singular, Terje Rypdal é um dos meus guitarristas favoritos entre aqueles que apareceram nos anos 70. O cara tem uma sonoridade única e mesmo sendo muito influenciado por Jimi Hendrix no início de carreira, seus trabalhos possuem um timbre incomparável que não lembram nada, nem ninguém que não seja ele mesmo. O mais impressionante é que esse músico não se prende a nenhum estilo ou tendência, tocando desde standartds de jazz, jazz de vanguarda, rock, new age, música orquestrada... de modo que fica difícil prever o conteúdo de um álbum dele sem ouvir. O certo mesmo é que quem o conhece, ao escutar uma música executada por Rypdal, rapidamente reconhece a sua assinatura.

Filho de um compositor e líder de orquestra, Rypdal nasceu em Oslo, na Noruega, no dia 23 de agosto de 1947 e se iniciou na música ainda criança estudando piano clássico e trompete. Adotou a guitarra na adolescência de forma autodidata e aos 15 anos, montou seu primeiro grupo, o Vanguards, inspirado em Hank Marvin líder da banda britânica The Shadows. Em 1967 ele fazia parte do Dream, tocando músicas de Jimi Hendrix, seu grande ídolo na época. Mas ele também foi influenciado pelos grandes por astros do british blues como Jeff Beck, John Mayall, Eric Clapton e Stevie Winwood. Aliás, reza a lenda, que após uma apresentação do Spencer Davis Group, foi o próprio Winwood quem o ensinou a utilizar um amplificador Marshall.

Apesar de seu interesse pelo rock, Rypdal nunca deixou o erudito de lado e em 1968 após assistir ao filme “2001, Uma Odisséia no Espaço”, entusiasmou-se com a trilha sonora e passou a consumir vorazmente todos os trabalhos contemporâneos que passavam por seus ouvidos, além de estudar com os compositores Finn Mortensen e Kryzstof Penderecki. Músico eclético, ele ainda matinha uma janela aberta para o jazz sendo grande fã de guitarristas como o lendário Charlie Christian, Kenny Burell e Wes Montgomery. Nessa época, Rypdal estudava na Universidade de Oslo aonde aprendeu o Conceito Cromático Lidiano de Organização Tonal do pianista, compositor e teórico George Russell, chegando a tocar com próprio Russell durante algum tempo. Ao final da década, mais precisamente em dezembro de 1969 ele participou, ao lado de Lester Bowie, do histórico Baden-Baden Free Jazz Meeting, numa performance de free jazz que poderia muito bem ser classificada como freak jazz, fato registrado em mais de um lançamento pela MPS Recordes entre os quais Gittin' To Know Y'All, de 1970. Mas o primeiro registro em bolacha de Terje Rypdal ocorreu antes disso, foi o disco Bleak House lançado pela gravadora Polydor em 1968. Um trabalho interessante que, no entanto, ainda não apresentava a sua marcante identidade sonora.

Envolvido com experimentações e harmonias atonais, no ínicio dos anos 70, ele encontrou no recém fundado selo alemão ECM o local ideal para desenvolver seus experimentos, pois a gravadora nasceu com uma proposta musical inovadora e progressista, gerando rótulos como new age, world music, etc. Sendo ainda hoje uma das melhores em termos de música instrumental de vanguarda, reunindo em torno de si artistas consagrados como Keith Jarrett, Chick Corea, Gary Burton, Pat Metheny, John Abercrombie, Dave Holland, Egberto Gismonti, Jack DeJohnette, John Surman e Nana Vasconcelos, só para citar alguns de uma lista bem grande.

Seu disco de estréia pela ECM, revelou a diversidade musical do guitarrista, e já acentuava uma particularidade de Rypdal, que é o timbre melodioso, com vibrato articulado, sustain quase infinito e um belo ataque realizado com pedal de volume. Embora tenha feito gravações por outros selos, no decorrer de sua carreira, foi pela ECM que Rypdal lançou e seus principais trabalhos, sejam em parcerias como as realizadas com o saxofonista Jan Garbarek, o pianista Bobo Stenson, o trompetista Palle Mikkelborg, o baixista Miroslav Vitous, o baterista Jack DeJohnette e o violoncelista David Darling, ou grupos que ele formou como o Odissey e o Chaser além de participar do trabalho de diversos outros artistas. Ainda hoje ele lança seus discos pela ECM de modo que sua imagem está muito ligada ao selo.

Para quem curte uma música descompromissada com modismos, rótulos e tendências, a audição de Terje Rypdal é praticamente obrigatória. Vejam por exemplo o que falam dele no All Music Guide, um dos mais respeitados guias musicais da internet, "As idéias de Rypdal são bem conhecidas no mundo europeu do jazz. Em vez de seguir um modelo, ele o cria." Pois é, o cara pode não ser reconhecido por um grande público, mas guitarristas do calibre de Jeff Beck, Bill Frisell, Andy Summers, David Torn e, provavelmente, até Jimi Hendrix (veja no anexo abaixo), já o apontaram como um de seus favoritos. Então meu amigo, se você faz parte dessa maioria que nunca ouviu a mágica sonoridade da guitarra de Terje Rypdal, a oportunidade está aqui e agora!
Fontes -> Clube de Jazz, Revista Guitar Player, Wikipedia, e Whiplash

GP - Você soube recentemente que Hendrix ouviu bastante um de seus discos.
TR - Sim, o gravei pela Dream um álbum chamado Get Dreamy, bastante influenciado por Hendrix. O disco trazia, inclusive, um tributo chamado Hey Jimi. Eu tinha uma namorada que conhecia uma das garotas de Hendrix e nós perguntamos se podíamos lhe dar uma cópia do disco para entregar a ele. Escrevi que aquele era um tributo a um colega músico e esperava que ele gostasse. Eu não sabia se ele havia recebido o disco até ano passado, quando meu agente recebeu um fax de um cara que tinha comprado parte da coleção de discos de Hendrix, em Londres. Por telefone, ele me disse que o álbum havia sido “bastante tocado”. Foi uma informação muito importante para mim.

Trecho retirado de uma entrevista para a revista Guitar Player edição # 126

Terje Rypdal

A Trans-Jazz Odyssey
By Barry Cleveland August, 2006
From Guitar Player Magazine


Norwegian guitarist Terje rypdal has been name checked by Jeff Beck, David Torn, Bill Frisell, Andy Summers, Nels Cline—and possibly even Jimi Hendrix—as one of their favorite players. He has released and appeared on dozens of recordings throughout his 36-year association with the prestigious ECM label, running the gamut from cutting-edge jazz to orchestral works to rock power trios. His sound is one of the most original and immediately recognizable on the planet. And he is celebrated throughout Europe as one of the finest musicians and composers of the past half-century. Yet despite these myriad musical accomplishments, Rypdal remains comparatively unrecognized within the United States.

The son of a composer and orchestra leader, Rypdal studied classical piano and trumpet as a child, and then taught himself to play guitar as he entered his teens. At age 15, he formed the Vanguards, a Hank Marvin and the Shadows-inspired band that had a string of hits during the early-to-mid-’60s. By 1967, he was performing Are You Experienced? in its entirety live, as part of his band Dream’s repertoire. Other early rock influences included Jeff Beck, Bluesbreakers-era Eric Clapton, and Stevie Winwood (who personally taught a teenaged Rypdal how to use a Marshall amp after a Spencer Davis Group concert). Rypdal’s interest in classical music was reignited in 1968 after seeing 2001: A Space Odyssey, and he began voraciously consuming all the contemporary classical works he could find, as well as studying with composers Finn Mortensen and Kryzstof Penderecki. Concurrently, Rypdal’s involvement in jazz—he was a fan of Charlie Christian, Kenny Burrell, and Wes Montgomery—intensified. In addition to performing and recording with Jan Garbarek, he accompanied Lester Bowie at the historic Baden-Baden Free Jazz Meeting in 1969, and studied and worked with pianist/composer/theorist George Russell.

Rypdal’s eponymous 1970 ECM debut successfully merged the guitarist’s diverse musical interests, though it wasn’t until a few years later that he finally realized his signature sound—a majestic, echoed, singing tone with precisely articulated vibrato and nearly endless sustain, and a string-like attack via volume-pedal swells.

On his latest recording, Vossabrygg [ECM], Rypdal heads up a commissioned live work that pays tribute to Bitches Brew-era Miles Davis. Upcoming releases include Melodic Warrior (featuring the Hilliard Ensemble), and Ancestor of the Sun (inspired by American and Norwegian indigenous cultures).

What guitars and amps are you currently using?

I have several Stratocasters, but the one I use the most these days is a Mexican-made model assembled from two guitars. It has a wide maple neck and an upgraded Fender vibrato system, and it sustains fantastically. I also have an 8-string Stratocaster, which is very nice, but it takes about 15 minutes to get in tune, so it mostly stays at home. Recently, I’ve been using Snake Oil Brand strings (.010-.046), which are softer and warmer sounding than other strings, and have great sustain. For amps, I have a couple of Marshalls that I use from time to time, but, these days, I mostly use a pair of Vox AC30s. I prefer the older ones to the reissues, and I usually run them in stereo.

How about effects?

I use a Boss SD-1 Super OverDrive for distortion, a Zoom 508 delay, and either a Marshall ED-1 or a T.C. Electronic Sustainer/ Equalizer for compression. Additionally, I have a Boss DD-1 delay that I sometimes hook up so I can switch between two delay sounds quickly without having to change programs. At one time, I used Roland RE-301 and Vox Echo Machine tape delays, but those are too bulky and delicate to use live. I also use a Yamaha volume pedal, which is small and easy to travel with, though I can get the same sound using any volume pedal.

Do you ever use the guitar’s volume control instead of a volume pedal?

Yes, and that’s one reason why I use compressors. If you have a good compressor, and you turn down the volume on the guitar, the volume stays almost the same, but the tone changes.

Guitarists often say that tone is in the fingers rather than the gear. Would you agree?

Another guitarist and I did an experiment once, where we plugged our own guitars into each other’s equipment, and we still sounded like ourselves. So, it is in the fingers, and how you hold the pick. But you also have to have equipment that you like. For example, I’ve tried overdrive pedals that enhance the bass, which was not for me, but guitar players who play heavier music might like them.

Vibrato is an essential part of your sound. How much of that is finger vibrato, and how much the vibrato arm on your guitar?

It is a combination of both—though I used to use the vibrato arm more in the past. I use a lot of finger vibrato—along with volume pedal swells—to get a singing sound. Sometimes, I’ll also bend the arm down and start playing a chord out of tune, and then release the arm so that it rises up to the correct pitches.

What other techniques or devices do you use?

I use a bottleneck sometimes—mostly for melodic parts, but also for effects and some Hawaiian sounds. And I have a guitar with microtonal frets, which I like, but I don’t play very much. I had a fretless guitar at one time, but I gave it away.

How large a role does improvisation play in your music?

For the orchestral works, I generally write out all of the parts for the other instruments. Otherwise, usually only the themes are written, and everything else is improvised, though some tunes are looser than others.

You are usually described as a “jazz” guitarist, though you don’t play standards or take much from the typical jazz guitar vocabulary. Do you think of yourself as a jazz guitarist?

Not really—or at least not as a be-bop-style player. I’ve tried playing some more traditional jazz at home and with friends, but that’s about it. I have too much respect for it to make a fool of myself [laughs]. But I do have roots in the era of [Miles Davis’] Bitches Brew, Weather Report, and the Mahavishnu Orchestra, and also albums such as Coltrane’s Meditations. So there are jazz elements in the way that I improvise, combined with European classical elements and rock.

Speaking of Hendrix, I understand you recently got news of a connection you made with him back in 1967.

Yes. Dream recorded an album called Get Dreamy that was strongly influenced by Hendrix, and even included a tribute to him called “Hey Jimi.” I had a girlfriend who knew one of Hendrix’s girlfriends, and we asked her to give him a copy of the record. On the cover I’d written that it was a tribute to a fellow musician, and that I hoped he liked it. I never knew whether he had gotten it until last year, when my agent got a fax from a guy who had bought part of Hendrix’s record collection in London. I called him, and he said that I would be pleased to know that the record had been “well played.” That was very important to me.

Terje Rypdal, Victor Bailey & Billy Cobham - Live at Jazz Fest 1994

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Terje Rypdal, Miroslav Vitous & Jack DeJohnette [1978]

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Terje Rypdal & The Chaser [1985]


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Terje Rypdal - Odyssey [1975]

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Terje Rypdal - Lux Aeterna [2002]

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Terje Rypdal - Double Concerto-Fifth Symphony [1998]

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Terje Rypdal - Blue [1986]

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Terje Rypdal - Bleak House (1968)

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John Surman, Karin Krog, Terje Rypdal, Vigleik Storaas - Nordic Quartet (1995)

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Baden-Baden Free Jazz Orchestra - Gittin to Know Y'All (1969)

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A HORA É AGORA!

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UMA BREVE HISTÓRIA SOBRE O BLUES

O blues nasceu no sul dos Estados Unidos quando os escravos transformaram a sua dor em música e verso. É puramente americano e apesar de receber alguma influência da cultura européia e africana, não existem vínculos diretos, sendo fruto da mistura de ambas as culturas. Algo especial e completamente diferente de qualquer tradição que possa ser encontrada nesses continentes, embora o pesquisador americano Alan Lomax (1915 – 2002) tenha encontrado alguns exemplos de canções bem parecidas no Noroeste de África, particularmente entre o Wolof e Watusi. A palavra “blue” foi associada à idéia de melancolia ou depressão desde a era da rainha Elizabeth. O termo "blues", como está agora definido, foi creditado ao escritor americano, Washington Irving, em 1807.

A história da tradição musical do blues é narrada oralmente e quase que unicamente por negros, desde os 1860s. A música africana e européia se fundiram para criar o que eventualmente se tornou o primeiro blues, quando os escravos começaram cantar canções cujas palavras contavam o extremo sofrimento e privação em que viviam. Era o "field holler" (grito do campo), uma forma de resposta para aquele ambiente opressivo. O "field holler" deu origem ao espiritual e ao blues. Alan Lomax define assim este momento: "celebridade entre todas as obras de arte humanas para o desespero profundo... Eles deram voz ao sentimento de alienação, sem regras e normas, que prevalecia nos acampamentos de construção do Sul". Isto se deu no *Delta de Mississipi, onde freqüentemente os negros eram recrutados à força para trabalharem no campo sob maus tratos até serem descartados por invalidez ou morte.

Lomax declara que o blues, tradicionalmente, era considerado uma disciplina masculina. Apesar de alguns dos primeiros blues ouvidos por brancos serem cantados por "ladies blues singers" (cantoras) como o Mamie Smith e Bessie Smith, não se encontravam muitas mulheres negras cantando blues nos juke-joints (também conhecidas como barrelhouses, que eram casas noturnas onde se vendiam bebidas clandestinas e tinham um palco tosco para apresentação dos músicos locais.). As prisões Sulistas também contribuíram consideravelmente para a tradição do blues com canções que falavam do trabalho, da fila da morte, assassinato, prostitutas, o diretor, o sol quente, e centenas de outras privações. Entre os presidiários que trabalhavam nas estradas e os grupos de trabalhadores rurais encontraram-se muitos bluesmen, com suas canções, onde muitos outros negros simplesmente ficaram familiarizados com as mesmas canções.

Seguindo a guerra civil como uma pedra rolante, o blues surgia como um destilado da música africana trazida por escravos. Field hollers, baladas, música de igreja e melodias de dança rítmicas chamadas de jump-ups evoluíram em uma música repentista de um cantor e seu violão. Ele cantava uma linha, e o violão respondia em seguida. Convém lembrar que o violão não desfrutou popularidade difundida com músicos de blues até a virada para o século XX. Até então, o banjo era o instrumento do blues primário. Antes dos 1890s o blues fora cantado em muitas das áreas rurais do Sul. E por volta de 1910, a palavra “blues” como é aplicado à tradição musical, estava em uso e já era bastante comum.

Alguns “blueslogistas” reivindicam (duvidosamente), que o primeiro blues publicado foi “Dallas Blues”, em 1912, escrito por Hart Wand, um violinista branco da cidade de Oklahoma. Mas o formato do blues foi primeiramente popularizado por volta de 1911 - 14 pelo compositor negro W. C. Handy (William Christopher Handy 1873-1958). Porém, a forma poética e musical do blues se cristalizou inicialmente ao redor 1910 e ganhou popularidade pela publicação de “Memphis Blues” (1912) e “St. Louis Blues” (1914), ambas de autoria de Handy. Blues instrumentais tinham sido registrados já em 1913. Mamie Smith gravou a primeira canção de blues vocal, “Crazy Blues” em 1920.

Durante a Primeira Guerra Mundial (1914 – 1918) esse tipo de música foi segregado dentro das tropas americanas através de soldados sulistas que tinham sido expostos a ela. E já nos anos vinte, o blues se tornou uma moda nacional. Foi quando surgiram as primeiras gravações que imortalizaram artistas como Robert Jonhson, Charley Patton e Blind Lemmon Jéferson, Mas por uma ironia do destino, dentro de um meio predominantemente masculino, quem fez sucesso mesmo foram as "ladies blues singers". Os discos gravados por divas como Bessie Smith e, pouco depois, Billie Holiday venderam aos milhões. Ainda neste período, o blues ganhou uma popularidade maior também entre os músicos de jazz.

Na passagem das décadas de 30 e 40 ele se esparramou em direção ao norte com a migração de negros sulistas e acabou sendo introduzido no repertório das big bands. Foi por aí que começou também a eletrificação do blues com a introdução da guitarra elétrica. Em algumas cidades do norte como em Chicago e Detroit, ao final dos anos 40 e início dos 50, guitarristas como Muddy Waters, Willie Dixon (este era baixista), John Lee Hooker, Howlin' Wolf, Elmore James e outros tantos cantavam o que ficou conhecido como Mississippi Delta Blues, acompanhados por baixo, bateria, piano e, ocasionalmente gaita, começando a emplacar hits nacionais com canções de blues. Ao mesmo tempo T-Bone Walker, em Houston, e B.B. King, em Memphis, eram os pioneiros de um estilo de tocar guitarra que combinava as técnicas do jazz com as tonalidades do blues em seus repertórios.

No início da década de 60 o bluesmen urbano foi “descoberto” por jovens músicos brancos americanos e europeus. Muitas dessas bandas baseadas em blues como Paul Butterfield Blues Band, The Rolling Stones, The Yardbirds, John Mayall's Bluesbreakers, Cream, Canned Heat, and Fleetwood Mac levaram esse som para uma audiência de jovens brancos, coisa que os artistas negros de blues não puderam fazer na América, a não ser através de covers dos ritmos negros furtados pelos brancos. Desde aquela época até hoje, o rock tem assistido a vários revivals. Alguns dos grandes guitarristas de rock como Eric Clapton, Jimmy Page, Jimi Hendrix, e Eddie Van Halen usaram o blues como base no aperfeiçoamento de seus estilos.
Tradução do texto original de Robert M. Baker encontrado no site The Blue Highway

Agora eu gostaria de acrescentar aqui algo que Robert Baker tentou dizer, mas não conseguiu com muita propriedade: é que essa apropriação branca da música negra acabou sendo de certa forma benéfica aos negros que depois acabaram ganhando o crédito devido. Não sou nenhum Dr. ou Prof., mas acompanhei bem os anos sessenta, sou bom observador e na minha impressão, o preconceito americano foi uma forte barreira para que a música negra chegasse aos brancos, em especial ao público jovem. No entanto, na Europa, embora também houvesse o preconceito racial, isso não foi empecilho para que Chuck Berry, Robert Johnson, Leadbelly, Sonny Boy Williamson e tantos outros fossem reconhecidos como grandes talentos e influenciassem músicos como Eric Burdon, Rory Gallagher, Brian Jones, Ian Anderson, Alvin Lee, Ritchie Blamoore e outros nomes aqui citados. A bem da verdade, o blues precisou cruzar o Atlântico para revolucionar a música, tornando-se popular entre o público branco e só então, retornou consagrado aos Estados Unidos, para desta vez, ter reconhecido seus verdadeiros heróis!

*Muitos sabem que o Blues teve como berço o Delta do Mississipi, no entanto, a grande maioria pensa que foi nas vizinhanças de Nova Orleans. Errado: este foi o berço do jazz. O Delta que os bluesmen se referem, como uma espécie de país místico, é o delta lamacento do rio Yazoo, que junta sua águas às do rio Mississipi nas proximidades de Vicksburg, região de inundações aonde camadas de lama vão se depositando a cada primavera. Esta região possuía terras ricas para o plantio de algodão, e por isso, ali vivia uma densa população afro-americana, que servia como mão-de-obra escrava das lavouras. (Fred Cardoso e Lucas Scarascia - “A História do Blues”)

A BRIEF HISTORY OF THE BLUESby Robert M. Baker

Joseph Machlis says that the blues is a native American musical and verse form, with no direct European and African antecedents of which we know. (p. 578) In other words, it is a blending of both traditions. Something special and entirely different from either of its parent traditions. (Although Alan Lomax cites some examples of very similar songs having been found in Northwest Africa, particularly among the Wolof and Watusi. p. 233)

The word 'blue' has been associated with the idea of melancholia or depression since the Elizabethan era. The American writer, Washington Irving is credited with coining the term 'the blues,' as it is now defined, in 1807. (Tanner 40) The earlier (almost entirely Negro) history of the blues musical tradition is traced through oral tradition as far back as the 1860s. (Kennedy 79)

When African and European music first began to merge to create what eventually became the blues, the slaves sang songs filled with words telling of their extreme suffering and privation. (Tanner 36) One of the many responses to their oppressive environment resulted in the field holler. The field holler gave rise to the spiritual, and the blues, "notable among all human works of art for their profound despair . . . They gave voice to the mood of alienation and anomie that prevailed in the construction camps of the South," for it was in the Mississippi Delta that blacks were often forcibly conscripted to work on the levee and land-clearing crews, where they were often abused and then tossed aside or worked to death. (Lomax 233)

Alan Lomax states that the blues tradition was considered to be a masculine discipline (although some of the first blues songs heard by whites were sung by 'lady' blues singers like Mamie Smith and Bessie Smith) and not many black women were to be found singing the blues in the juke-joints. The Southern prisons also contributed considerably to the blues tradition through work songs and the songs of death row and murder, prostitutes, the warden, the hot sun, and a hundred other privations. (Lomax) The prison road crews and work gangs where were many bluesmen found their songs, and where many other blacks simply became familiar with the same songs.

Following the Civil War (according to Rolling Stone), the blues arose as "a distillate of the African music brought over by slaves. Field hollers, ballads, church music and rhythmic dance tunes called jump-ups evolved into a music for a singer who would engage in call-and-response with his guitar. He would sing a line, and the guitar would answer it." (RSR&RE 53) (author's note: I've seen somewhere, that the guitar did not enjoy widespread popularity with blues musicians until about the turn of the century. Until then, the banjo was the primary blues instrument.) By the 1890s the blues were sung in many of the rural areas of the South. (Kamien 518) And by 1910, the word 'blues' as applied to the musical tradition was in fairly common use. (Tanner 40)

Some 'bluesologists' claim (rather dubiously), that the first blues song that was ever written down was 'Dallas Blues,' published in 1912 by Hart Wand, a white violinist from Oklahoma City. (Tanner 40) The blues form was first popularized about 1911-14 by the black composer W.C. Handy (1873-1958). However, the poetic and musical form of the blues first crystallized around 1910 and gained popularity through the publication of Handy's "Memphis Blues" (1912) and "St. Louis Blues" (1914). (Kamien 518) Instrumental blues had been recorded as early as 1913. Mamie Smith recorded the first vocal blues song, 'Crazy Blues' in 1920. (Priestly 9) Priestly claims that while the widespread popularity of the blues had a vital influence on subsequent jazz, it was the "initial popularity of jazz which had made possible the recording of blues in the first place, and thus made possible the absorption of blues into both jazz as well as the mainstream of pop music." (Priestly 10)

American troops brought the blues home with them following the First World War. They did not, of course, learn them from Europeans, but from Southern whites who had been exposed to the blues. At this time, the U.S. Army was still segregated. During the twenties, the blues became a national craze. Records by leading blues singers like Bessie Smith and later, in the thirties, Billie Holiday, sold in the millions. The twenties also saw the blues become a musical form more widely used by jazz instrumentalists as well as blues singers. (Kamien 518)

During the decades of the thirties and forties, the blues spread northward with the migration of many blacks from the South and entered into the repertoire of big-band jazz. The blues also became electrified with the introduction of the amplified guitar. In some Northern cities like Chicago and Detroit, during the later forties and early fifties, Muddy Waters, Willie Dixon, John Lee Hooker, Howlin' Wolf, and Elmore James among others, played what was basically Mississippi Delta blues, backed by bass, drums, piano and occasionally harmonica, and began scoring national hits with blues songs. At about the same time, T-Bone Walker in Houston and B.B. King in Memphis were pioneering a style of guitar playing that combined jazz technique with the blues tonality and repertoire. (RSR&RE 53)

In the early nineteen-sixties, the urban bluesmen were "discovered" by young white American and European musicians. Many of these blues-based bands like the Paul Butterfield Blues Band, the Rolling Stones, the Yardbirds, John Mayall's Bluesbreakers, Cream, Canned Heat, and Fleetwood Mac, brought the blues to young white audiences, something the black blues artists had been unable to do in America except through the purloined white cross-over covers of black rhythm and blues songs. Since the sixties, rock has undergone several blues revivals. Some rock guitarists, such as Eric Clapton, Jimmy Page, Jimi Hendrix, and Eddie Van Halen have used the blues as a foundation for offshoot styles. While the originators like John Lee Hooker, Albert Collins and B.B. King--and their heirs Buddy Guy, Otis Rush, and later Eric Clapton and the late Roy Buchanan, among many others, continued to make fantastic music in the blues tradition. (RSR&RE 53) The latest generation of blues players like Robert Cray and the late Stevie Ray Vaughan, among others, as well as gracing the blues tradition with their incredible technicality, have drawn a new generation listeners to the blues.

Works Cited:
Kamien, Michael. _Music: An Appreciation_. 3d Ed. N.Y.: McGraw Hill, 1984.; Kennedy, Michael. _The Concise Oxford Dictionary of Music_. N.Y.: 1980.; Lomax, Alan. _The Land Where the Blues Began_. N.Y.: Pantheon Books, 1993.; Pareles, Jon and Patricia Romanowski, eds. _The Rolling Stone Encyclopedia of Rock and Roll_.N.Y.: Rolling Stone Press, 1983.; Priestly, Brian. _Jazz On Record: A History_. N.Y.: Billboard Books, 1991.; Salzman, Eric and Michael Sahl. _Making Changes_. N.Y.: G. Schirmer, 1977.; Shapiro, Harry. _Eric Clapton: Lost in the Blues_. N.Y.: Da Capo Press, 1992.; Tanner, Paul and Maurice Gerow. _A Study of Jazz_. Dubuque, IA: William C. Brown Publishers, 1984.

Alan Lomax - Prison Songs [1997]
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Interessante trabalho do historiador Alan Lomax sobre as canções dos prisioneiros negros nas fazendas de trabalhos forçados, aonde nasceram os primeiros blues.

Martin Scorsese Presents The Blues [2003]
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Eis aqui um abrangente trabalho de documentação do blues através dos tempos, realizado pelo cineasta Martin Scorsese, essa maravilhosa seleção foi trilha de um documentário que eu ainda não tive o prazer de assistir, mas gostaria muito.

The Encyclopedia of Early Blues Classics [2001]

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Coletânea que reúne os principais intérpretes do blues nos seus primeiros anos através de uma ótima seleção de músicas.

R. Crumb's Heroes Of Blues, Jazz & Count [1980]

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Já essa seleção é um trabalho feito pelo famoso cartunista Robert Crumb e foi uma espécie de brinde para quem comprou um calendário com arte de blues que ele lançou este ano. A proposta é similar ao disco a cima, mas trazendo nomes não tão manjados entre os mestres do estilo.

Cosmosquad - Live at The Baked Potato [1997]

Esta foi uma das muitas bandas que conheci aqui na internet. O trio é natural de Phoenix, Arizona-USA, no entanto, atualmente vive na Califórnia. O som deles é um fusion pesado, que tende muito mais ao rock do que pro jazz, recebendo a minha mais alta recomendação para quem curte esse tipo de música. O Cosmosquad está na ativa desde 1997, mas lançou poucos discos, uns quatro ou três, creio eu, e se não me falha a memória, Live At The Baked Potato é o segundo disco deles, gravado em Los Angelis, no dia 28 de fevereiro de 2001. O grupo formado por Jeff Kollman (guitarra), Barry Sparks (baixo), Shane Gaalaas (bateria), teve uma atuação memorável apresentando um repertório que traz composições do auto-intitulado álbum de estréia (1997), do futuro disco Squadrophenia (2002), e do CD solo de Kollman, Shedding Skin (1999). Neste primeiro (e único, até o momento) registro oficial ao vivo, a banda demonstra que funciona tão bem no palco, quanto nos trabalhos em estúdio, detonando em músicas como “Fat, Mean & Nasty”, “My Guitar Gently Screams”, “Funk N’ Eh” e também na homenagem a Jason Becker, “Jam For Jason”. O disco só não é perfeito porque peca na masterizasão e finalização da edição. Seria um excelente bootleg, mas para um lançamento oficial deixa um pouco a desejar. Parece que eles simplesmente gravaram, deram um tapinha no estúdio (se é que fizeram isso) e pronto. Faltou um acabamento melhor, uma edição mais esmerada e uma filtragem dos ruídos externos, mas a performance é do caralho!

Fonte -> texto de Thiago Sarkis publicado em 04/11/04 no site Whiplash!

Cosmosquad - Live at The Baked Potato


Live At The Baked Potato features the Cosmosquad trio in a club setting on one February evening in 2001, delivering dynamic material from their CDs "Cosmosquad", "Squadrophenia" and guitarist Jeff Kollman's solo CD "Shedding Skin". An all-instrumental set awaits fans of the galactic band, with funky outbursts giving way to dark, hypnotic grooves, spastic madness meeting ethereal beauty, and African tribal flavors intersecting with melodic flurries. If you are unfamiliar with the guitar work of Jeff Kollman, this live set is a great introduction - over 78 minutes of superb musicianship - and you'll definitely be juiced enough to get the other 9 or 10 titles in Kollman's ever expanding discography. Instrumental Guitar (Electric (Heavy)/Fusion), total running time, 59:42
Review -> by Guitar Nine

Cosmosquad - Live at The Baked Potato