Cosmosquad - Cosmosquad [1997]

Eu não pretendia postar este disco, mas foi pedido por um estimado amigo que nunca conheci pessoalmente. Pois é gente, a internet tem dessas coisas. Estou falando do grande Edson o mentor intelectual do conhecido e muito bem freqüentado blog Gravetos & Berlotas. No vácuo do pedido se agregou outro chegado e freqüentador aqui do Boogie Woody. O Lelo, um camarada de bom gosto que sacou que o Cosmosquad é mesmo um grupo da hora e reforçou o pedido. Então ta! Para quem pediu e para quem vem na balada, aqui está o primeirão desse power trio de fusion pesado que atende pela alcunha de Cosmosquad. Na verdade, embora esse primeiro lançamento já apresentasse certo peso, ainda se mostrava ligado a uma vertente jazzística tradicional nitidamente notada na faixa “The Scene”, mas no geral é aquele puta som característico do Jeff Kollman, um guitarrista que consegue unir o virtuosismo ao bom gosto. Sou muito fã da banda, do Jeff e desse disco em especial. Espero que vocês apreciem tanto quanto eu. Aê “Mr. Ed Som”, faça bom proveito!!

Cosmosquad - Self title

With their self-titled debut release, this all-instrumental trio weaves jazz, fusion, Latin, blues, and rock influences into a unique musical hybrid. The band lineup features the remarkable Jeff Kollman on guitar, Barry Sparks on bass and Shane Gaalaas on drums. Stylistic inspiration coupled with polished musicianship, unique songwriting and a versatile rhythm section sets the multidimensional Cosmosquad apart from the crowd with a strong, definitive musical statement.
From -> Guitar NIne

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TERJE RYPDAL

Com um estilo muito singular, Terje Rypdal é um dos meus guitarristas favoritos entre aqueles que apareceram nos anos 70. O cara tem uma sonoridade única e mesmo sendo muito influenciado por Jimi Hendrix no início de carreira, seus trabalhos possuem um timbre incomparável que não lembram nada, nem ninguém que não seja ele mesmo. O mais impressionante é que esse músico não se prende a nenhum estilo ou tendência, tocando desde standartds de jazz, jazz de vanguarda, rock, new age, música orquestrada... de modo que fica difícil prever o conteúdo de um álbum dele sem ouvir. O certo mesmo é que quem o conhece, ao escutar uma música executada por Rypdal, rapidamente reconhece a sua assinatura.

Filho de um compositor e líder de orquestra, Rypdal nasceu em Oslo, na Noruega, no dia 23 de agosto de 1947 e se iniciou na música ainda criança estudando piano clássico e trompete. Adotou a guitarra na adolescência de forma autodidata e aos 15 anos, montou seu primeiro grupo, o Vanguards, inspirado em Hank Marvin líder da banda britânica The Shadows. Em 1967 ele fazia parte do Dream, tocando músicas de Jimi Hendrix, seu grande ídolo na época. Mas ele também foi influenciado pelos grandes por astros do british blues como Jeff Beck, John Mayall, Eric Clapton e Stevie Winwood. Aliás, reza a lenda, que após uma apresentação do Spencer Davis Group, foi o próprio Winwood quem o ensinou a utilizar um amplificador Marshall.

Apesar de seu interesse pelo rock, Rypdal nunca deixou o erudito de lado e em 1968 após assistir ao filme “2001, Uma Odisséia no Espaço”, entusiasmou-se com a trilha sonora e passou a consumir vorazmente todos os trabalhos contemporâneos que passavam por seus ouvidos, além de estudar com os compositores Finn Mortensen e Kryzstof Penderecki. Músico eclético, ele ainda matinha uma janela aberta para o jazz sendo grande fã de guitarristas como o lendário Charlie Christian, Kenny Burell e Wes Montgomery. Nessa época, Rypdal estudava na Universidade de Oslo aonde aprendeu o Conceito Cromático Lidiano de Organização Tonal do pianista, compositor e teórico George Russell, chegando a tocar com próprio Russell durante algum tempo. Ao final da década, mais precisamente em dezembro de 1969 ele participou, ao lado de Lester Bowie, do histórico Baden-Baden Free Jazz Meeting, numa performance de free jazz que poderia muito bem ser classificada como freak jazz, fato registrado em mais de um lançamento pela MPS Recordes entre os quais Gittin' To Know Y'All, de 1970. Mas o primeiro registro em bolacha de Terje Rypdal ocorreu antes disso, foi o disco Bleak House lançado pela gravadora Polydor em 1968. Um trabalho interessante que, no entanto, ainda não apresentava a sua marcante identidade sonora.

Envolvido com experimentações e harmonias atonais, no ínicio dos anos 70, ele encontrou no recém fundado selo alemão ECM o local ideal para desenvolver seus experimentos, pois a gravadora nasceu com uma proposta musical inovadora e progressista, gerando rótulos como new age, world music, etc. Sendo ainda hoje uma das melhores em termos de música instrumental de vanguarda, reunindo em torno de si artistas consagrados como Keith Jarrett, Chick Corea, Gary Burton, Pat Metheny, John Abercrombie, Dave Holland, Egberto Gismonti, Jack DeJohnette, John Surman e Nana Vasconcelos, só para citar alguns de uma lista bem grande.

Seu disco de estréia pela ECM, revelou a diversidade musical do guitarrista, e já acentuava uma particularidade de Rypdal, que é o timbre melodioso, com vibrato articulado, sustain quase infinito e um belo ataque realizado com pedal de volume. Embora tenha feito gravações por outros selos, no decorrer de sua carreira, foi pela ECM que Rypdal lançou e seus principais trabalhos, sejam em parcerias como as realizadas com o saxofonista Jan Garbarek, o pianista Bobo Stenson, o trompetista Palle Mikkelborg, o baixista Miroslav Vitous, o baterista Jack DeJohnette e o violoncelista David Darling, ou grupos que ele formou como o Odissey e o Chaser além de participar do trabalho de diversos outros artistas. Ainda hoje ele lança seus discos pela ECM de modo que sua imagem está muito ligada ao selo.

Para quem curte uma música descompromissada com modismos, rótulos e tendências, a audição de Terje Rypdal é praticamente obrigatória. Vejam por exemplo o que falam dele no All Music Guide, um dos mais respeitados guias musicais da internet, "As idéias de Rypdal são bem conhecidas no mundo europeu do jazz. Em vez de seguir um modelo, ele o cria." Pois é, o cara pode não ser reconhecido por um grande público, mas guitarristas do calibre de Jeff Beck, Bill Frisell, Andy Summers, David Torn e, provavelmente, até Jimi Hendrix (veja no anexo abaixo), já o apontaram como um de seus favoritos. Então meu amigo, se você faz parte dessa maioria que nunca ouviu a mágica sonoridade da guitarra de Terje Rypdal, a oportunidade está aqui e agora!
Fontes -> Clube de Jazz, Revista Guitar Player, Wikipedia, e Whiplash

GP - Você soube recentemente que Hendrix ouviu bastante um de seus discos.
TR - Sim, o gravei pela Dream um álbum chamado Get Dreamy, bastante influenciado por Hendrix. O disco trazia, inclusive, um tributo chamado Hey Jimi. Eu tinha uma namorada que conhecia uma das garotas de Hendrix e nós perguntamos se podíamos lhe dar uma cópia do disco para entregar a ele. Escrevi que aquele era um tributo a um colega músico e esperava que ele gostasse. Eu não sabia se ele havia recebido o disco até ano passado, quando meu agente recebeu um fax de um cara que tinha comprado parte da coleção de discos de Hendrix, em Londres. Por telefone, ele me disse que o álbum havia sido “bastante tocado”. Foi uma informação muito importante para mim.

Trecho retirado de uma entrevista para a revista Guitar Player edição # 126

Terje Rypdal

A Trans-Jazz Odyssey
By Barry Cleveland August, 2006
From Guitar Player Magazine


Norwegian guitarist Terje rypdal has been name checked by Jeff Beck, David Torn, Bill Frisell, Andy Summers, Nels Cline—and possibly even Jimi Hendrix—as one of their favorite players. He has released and appeared on dozens of recordings throughout his 36-year association with the prestigious ECM label, running the gamut from cutting-edge jazz to orchestral works to rock power trios. His sound is one of the most original and immediately recognizable on the planet. And he is celebrated throughout Europe as one of the finest musicians and composers of the past half-century. Yet despite these myriad musical accomplishments, Rypdal remains comparatively unrecognized within the United States.

The son of a composer and orchestra leader, Rypdal studied classical piano and trumpet as a child, and then taught himself to play guitar as he entered his teens. At age 15, he formed the Vanguards, a Hank Marvin and the Shadows-inspired band that had a string of hits during the early-to-mid-’60s. By 1967, he was performing Are You Experienced? in its entirety live, as part of his band Dream’s repertoire. Other early rock influences included Jeff Beck, Bluesbreakers-era Eric Clapton, and Stevie Winwood (who personally taught a teenaged Rypdal how to use a Marshall amp after a Spencer Davis Group concert). Rypdal’s interest in classical music was reignited in 1968 after seeing 2001: A Space Odyssey, and he began voraciously consuming all the contemporary classical works he could find, as well as studying with composers Finn Mortensen and Kryzstof Penderecki. Concurrently, Rypdal’s involvement in jazz—he was a fan of Charlie Christian, Kenny Burrell, and Wes Montgomery—intensified. In addition to performing and recording with Jan Garbarek, he accompanied Lester Bowie at the historic Baden-Baden Free Jazz Meeting in 1969, and studied and worked with pianist/composer/theorist George Russell.

Rypdal’s eponymous 1970 ECM debut successfully merged the guitarist’s diverse musical interests, though it wasn’t until a few years later that he finally realized his signature sound—a majestic, echoed, singing tone with precisely articulated vibrato and nearly endless sustain, and a string-like attack via volume-pedal swells.

On his latest recording, Vossabrygg [ECM], Rypdal heads up a commissioned live work that pays tribute to Bitches Brew-era Miles Davis. Upcoming releases include Melodic Warrior (featuring the Hilliard Ensemble), and Ancestor of the Sun (inspired by American and Norwegian indigenous cultures).

What guitars and amps are you currently using?

I have several Stratocasters, but the one I use the most these days is a Mexican-made model assembled from two guitars. It has a wide maple neck and an upgraded Fender vibrato system, and it sustains fantastically. I also have an 8-string Stratocaster, which is very nice, but it takes about 15 minutes to get in tune, so it mostly stays at home. Recently, I’ve been using Snake Oil Brand strings (.010-.046), which are softer and warmer sounding than other strings, and have great sustain. For amps, I have a couple of Marshalls that I use from time to time, but, these days, I mostly use a pair of Vox AC30s. I prefer the older ones to the reissues, and I usually run them in stereo.

How about effects?

I use a Boss SD-1 Super OverDrive for distortion, a Zoom 508 delay, and either a Marshall ED-1 or a T.C. Electronic Sustainer/ Equalizer for compression. Additionally, I have a Boss DD-1 delay that I sometimes hook up so I can switch between two delay sounds quickly without having to change programs. At one time, I used Roland RE-301 and Vox Echo Machine tape delays, but those are too bulky and delicate to use live. I also use a Yamaha volume pedal, which is small and easy to travel with, though I can get the same sound using any volume pedal.

Do you ever use the guitar’s volume control instead of a volume pedal?

Yes, and that’s one reason why I use compressors. If you have a good compressor, and you turn down the volume on the guitar, the volume stays almost the same, but the tone changes.

Guitarists often say that tone is in the fingers rather than the gear. Would you agree?

Another guitarist and I did an experiment once, where we plugged our own guitars into each other’s equipment, and we still sounded like ourselves. So, it is in the fingers, and how you hold the pick. But you also have to have equipment that you like. For example, I’ve tried overdrive pedals that enhance the bass, which was not for me, but guitar players who play heavier music might like them.

Vibrato is an essential part of your sound. How much of that is finger vibrato, and how much the vibrato arm on your guitar?

It is a combination of both—though I used to use the vibrato arm more in the past. I use a lot of finger vibrato—along with volume pedal swells—to get a singing sound. Sometimes, I’ll also bend the arm down and start playing a chord out of tune, and then release the arm so that it rises up to the correct pitches.

What other techniques or devices do you use?

I use a bottleneck sometimes—mostly for melodic parts, but also for effects and some Hawaiian sounds. And I have a guitar with microtonal frets, which I like, but I don’t play very much. I had a fretless guitar at one time, but I gave it away.

How large a role does improvisation play in your music?

For the orchestral works, I generally write out all of the parts for the other instruments. Otherwise, usually only the themes are written, and everything else is improvised, though some tunes are looser than others.

You are usually described as a “jazz” guitarist, though you don’t play standards or take much from the typical jazz guitar vocabulary. Do you think of yourself as a jazz guitarist?

Not really—or at least not as a be-bop-style player. I’ve tried playing some more traditional jazz at home and with friends, but that’s about it. I have too much respect for it to make a fool of myself [laughs]. But I do have roots in the era of [Miles Davis’] Bitches Brew, Weather Report, and the Mahavishnu Orchestra, and also albums such as Coltrane’s Meditations. So there are jazz elements in the way that I improvise, combined with European classical elements and rock.

Speaking of Hendrix, I understand you recently got news of a connection you made with him back in 1967.

Yes. Dream recorded an album called Get Dreamy that was strongly influenced by Hendrix, and even included a tribute to him called “Hey Jimi.” I had a girlfriend who knew one of Hendrix’s girlfriends, and we asked her to give him a copy of the record. On the cover I’d written that it was a tribute to a fellow musician, and that I hoped he liked it. I never knew whether he had gotten it until last year, when my agent got a fax from a guy who had bought part of Hendrix’s record collection in London. I called him, and he said that I would be pleased to know that the record had been “well played.” That was very important to me.

Terje Rypdal, Victor Bailey & Billy Cobham - Live at Jazz Fest 1994

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Terje Rypdal, Miroslav Vitous & Jack DeJohnette [1978]

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Terje Rypdal & The Chaser [1985]


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Terje Rypdal - Odyssey [1975]

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Terje Rypdal - Lux Aeterna [2002]

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Terje Rypdal - Double Concerto-Fifth Symphony [1998]

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Terje Rypdal - Blue [1986]

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Terje Rypdal - Bleak House (1968)

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John Surman, Karin Krog, Terje Rypdal, Vigleik Storaas - Nordic Quartet (1995)

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Baden-Baden Free Jazz Orchestra - Gittin to Know Y'All (1969)

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A HORA É AGORA!

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UMA BREVE HISTÓRIA SOBRE O BLUES

O blues nasceu no sul dos Estados Unidos quando os escravos transformaram a sua dor em música e verso. É puramente americano e apesar de receber alguma influência da cultura européia e africana, não existem vínculos diretos, sendo fruto da mistura de ambas as culturas. Algo especial e completamente diferente de qualquer tradição que possa ser encontrada nesses continentes, embora o pesquisador americano Alan Lomax (1915 – 2002) tenha encontrado alguns exemplos de canções bem parecidas no Noroeste de África, particularmente entre o Wolof e Watusi. A palavra “blue” foi associada à idéia de melancolia ou depressão desde a era da rainha Elizabeth. O termo "blues", como está agora definido, foi creditado ao escritor americano, Washington Irving, em 1807.

A história da tradição musical do blues é narrada oralmente e quase que unicamente por negros, desde os 1860s. A música africana e européia se fundiram para criar o que eventualmente se tornou o primeiro blues, quando os escravos começaram cantar canções cujas palavras contavam o extremo sofrimento e privação em que viviam. Era o "field holler" (grito do campo), uma forma de resposta para aquele ambiente opressivo. O "field holler" deu origem ao espiritual e ao blues. Alan Lomax define assim este momento: "celebridade entre todas as obras de arte humanas para o desespero profundo... Eles deram voz ao sentimento de alienação, sem regras e normas, que prevalecia nos acampamentos de construção do Sul". Isto se deu no *Delta de Mississipi, onde freqüentemente os negros eram recrutados à força para trabalharem no campo sob maus tratos até serem descartados por invalidez ou morte.

Lomax declara que o blues, tradicionalmente, era considerado uma disciplina masculina. Apesar de alguns dos primeiros blues ouvidos por brancos serem cantados por "ladies blues singers" (cantoras) como o Mamie Smith e Bessie Smith, não se encontravam muitas mulheres negras cantando blues nos juke-joints (também conhecidas como barrelhouses, que eram casas noturnas onde se vendiam bebidas clandestinas e tinham um palco tosco para apresentação dos músicos locais.). As prisões Sulistas também contribuíram consideravelmente para a tradição do blues com canções que falavam do trabalho, da fila da morte, assassinato, prostitutas, o diretor, o sol quente, e centenas de outras privações. Entre os presidiários que trabalhavam nas estradas e os grupos de trabalhadores rurais encontraram-se muitos bluesmen, com suas canções, onde muitos outros negros simplesmente ficaram familiarizados com as mesmas canções.

Seguindo a guerra civil como uma pedra rolante, o blues surgia como um destilado da música africana trazida por escravos. Field hollers, baladas, música de igreja e melodias de dança rítmicas chamadas de jump-ups evoluíram em uma música repentista de um cantor e seu violão. Ele cantava uma linha, e o violão respondia em seguida. Convém lembrar que o violão não desfrutou popularidade difundida com músicos de blues até a virada para o século XX. Até então, o banjo era o instrumento do blues primário. Antes dos 1890s o blues fora cantado em muitas das áreas rurais do Sul. E por volta de 1910, a palavra “blues” como é aplicado à tradição musical, estava em uso e já era bastante comum.

Alguns “blueslogistas” reivindicam (duvidosamente), que o primeiro blues publicado foi “Dallas Blues”, em 1912, escrito por Hart Wand, um violinista branco da cidade de Oklahoma. Mas o formato do blues foi primeiramente popularizado por volta de 1911 - 14 pelo compositor negro W. C. Handy (William Christopher Handy 1873-1958). Porém, a forma poética e musical do blues se cristalizou inicialmente ao redor 1910 e ganhou popularidade pela publicação de “Memphis Blues” (1912) e “St. Louis Blues” (1914), ambas de autoria de Handy. Blues instrumentais tinham sido registrados já em 1913. Mamie Smith gravou a primeira canção de blues vocal, “Crazy Blues” em 1920.

Durante a Primeira Guerra Mundial (1914 – 1918) esse tipo de música foi segregado dentro das tropas americanas através de soldados sulistas que tinham sido expostos a ela. E já nos anos vinte, o blues se tornou uma moda nacional. Foi quando surgiram as primeiras gravações que imortalizaram artistas como Robert Jonhson, Charley Patton e Blind Lemmon Jéferson, Mas por uma ironia do destino, dentro de um meio predominantemente masculino, quem fez sucesso mesmo foram as "ladies blues singers". Os discos gravados por divas como Bessie Smith e, pouco depois, Billie Holiday venderam aos milhões. Ainda neste período, o blues ganhou uma popularidade maior também entre os músicos de jazz.

Na passagem das décadas de 30 e 40 ele se esparramou em direção ao norte com a migração de negros sulistas e acabou sendo introduzido no repertório das big bands. Foi por aí que começou também a eletrificação do blues com a introdução da guitarra elétrica. Em algumas cidades do norte como em Chicago e Detroit, ao final dos anos 40 e início dos 50, guitarristas como Muddy Waters, Willie Dixon (este era baixista), John Lee Hooker, Howlin' Wolf, Elmore James e outros tantos cantavam o que ficou conhecido como Mississippi Delta Blues, acompanhados por baixo, bateria, piano e, ocasionalmente gaita, começando a emplacar hits nacionais com canções de blues. Ao mesmo tempo T-Bone Walker, em Houston, e B.B. King, em Memphis, eram os pioneiros de um estilo de tocar guitarra que combinava as técnicas do jazz com as tonalidades do blues em seus repertórios.

No início da década de 60 o bluesmen urbano foi “descoberto” por jovens músicos brancos americanos e europeus. Muitas dessas bandas baseadas em blues como Paul Butterfield Blues Band, The Rolling Stones, The Yardbirds, John Mayall's Bluesbreakers, Cream, Canned Heat, and Fleetwood Mac levaram esse som para uma audiência de jovens brancos, coisa que os artistas negros de blues não puderam fazer na América, a não ser através de covers dos ritmos negros furtados pelos brancos. Desde aquela época até hoje, o rock tem assistido a vários revivals. Alguns dos grandes guitarristas de rock como Eric Clapton, Jimmy Page, Jimi Hendrix, e Eddie Van Halen usaram o blues como base no aperfeiçoamento de seus estilos.
Tradução do texto original de Robert M. Baker encontrado no site The Blue Highway

Agora eu gostaria de acrescentar aqui algo que Robert Baker tentou dizer, mas não conseguiu com muita propriedade: é que essa apropriação branca da música negra acabou sendo de certa forma benéfica aos negros que depois acabaram ganhando o crédito devido. Não sou nenhum Dr. ou Prof., mas acompanhei bem os anos sessenta, sou bom observador e na minha impressão, o preconceito americano foi uma forte barreira para que a música negra chegasse aos brancos, em especial ao público jovem. No entanto, na Europa, embora também houvesse o preconceito racial, isso não foi empecilho para que Chuck Berry, Robert Johnson, Leadbelly, Sonny Boy Williamson e tantos outros fossem reconhecidos como grandes talentos e influenciassem músicos como Eric Burdon, Rory Gallagher, Brian Jones, Ian Anderson, Alvin Lee, Ritchie Blamoore e outros nomes aqui citados. A bem da verdade, o blues precisou cruzar o Atlântico para revolucionar a música, tornando-se popular entre o público branco e só então, retornou consagrado aos Estados Unidos, para desta vez, ter reconhecido seus verdadeiros heróis!

*Muitos sabem que o Blues teve como berço o Delta do Mississipi, no entanto, a grande maioria pensa que foi nas vizinhanças de Nova Orleans. Errado: este foi o berço do jazz. O Delta que os bluesmen se referem, como uma espécie de país místico, é o delta lamacento do rio Yazoo, que junta sua águas às do rio Mississipi nas proximidades de Vicksburg, região de inundações aonde camadas de lama vão se depositando a cada primavera. Esta região possuía terras ricas para o plantio de algodão, e por isso, ali vivia uma densa população afro-americana, que servia como mão-de-obra escrava das lavouras. (Fred Cardoso e Lucas Scarascia - “A História do Blues”)

A BRIEF HISTORY OF THE BLUESby Robert M. Baker

Joseph Machlis says that the blues is a native American musical and verse form, with no direct European and African antecedents of which we know. (p. 578) In other words, it is a blending of both traditions. Something special and entirely different from either of its parent traditions. (Although Alan Lomax cites some examples of very similar songs having been found in Northwest Africa, particularly among the Wolof and Watusi. p. 233)

The word 'blue' has been associated with the idea of melancholia or depression since the Elizabethan era. The American writer, Washington Irving is credited with coining the term 'the blues,' as it is now defined, in 1807. (Tanner 40) The earlier (almost entirely Negro) history of the blues musical tradition is traced through oral tradition as far back as the 1860s. (Kennedy 79)

When African and European music first began to merge to create what eventually became the blues, the slaves sang songs filled with words telling of their extreme suffering and privation. (Tanner 36) One of the many responses to their oppressive environment resulted in the field holler. The field holler gave rise to the spiritual, and the blues, "notable among all human works of art for their profound despair . . . They gave voice to the mood of alienation and anomie that prevailed in the construction camps of the South," for it was in the Mississippi Delta that blacks were often forcibly conscripted to work on the levee and land-clearing crews, where they were often abused and then tossed aside or worked to death. (Lomax 233)

Alan Lomax states that the blues tradition was considered to be a masculine discipline (although some of the first blues songs heard by whites were sung by 'lady' blues singers like Mamie Smith and Bessie Smith) and not many black women were to be found singing the blues in the juke-joints. The Southern prisons also contributed considerably to the blues tradition through work songs and the songs of death row and murder, prostitutes, the warden, the hot sun, and a hundred other privations. (Lomax) The prison road crews and work gangs where were many bluesmen found their songs, and where many other blacks simply became familiar with the same songs.

Following the Civil War (according to Rolling Stone), the blues arose as "a distillate of the African music brought over by slaves. Field hollers, ballads, church music and rhythmic dance tunes called jump-ups evolved into a music for a singer who would engage in call-and-response with his guitar. He would sing a line, and the guitar would answer it." (RSR&RE 53) (author's note: I've seen somewhere, that the guitar did not enjoy widespread popularity with blues musicians until about the turn of the century. Until then, the banjo was the primary blues instrument.) By the 1890s the blues were sung in many of the rural areas of the South. (Kamien 518) And by 1910, the word 'blues' as applied to the musical tradition was in fairly common use. (Tanner 40)

Some 'bluesologists' claim (rather dubiously), that the first blues song that was ever written down was 'Dallas Blues,' published in 1912 by Hart Wand, a white violinist from Oklahoma City. (Tanner 40) The blues form was first popularized about 1911-14 by the black composer W.C. Handy (1873-1958). However, the poetic and musical form of the blues first crystallized around 1910 and gained popularity through the publication of Handy's "Memphis Blues" (1912) and "St. Louis Blues" (1914). (Kamien 518) Instrumental blues had been recorded as early as 1913. Mamie Smith recorded the first vocal blues song, 'Crazy Blues' in 1920. (Priestly 9) Priestly claims that while the widespread popularity of the blues had a vital influence on subsequent jazz, it was the "initial popularity of jazz which had made possible the recording of blues in the first place, and thus made possible the absorption of blues into both jazz as well as the mainstream of pop music." (Priestly 10)

American troops brought the blues home with them following the First World War. They did not, of course, learn them from Europeans, but from Southern whites who had been exposed to the blues. At this time, the U.S. Army was still segregated. During the twenties, the blues became a national craze. Records by leading blues singers like Bessie Smith and later, in the thirties, Billie Holiday, sold in the millions. The twenties also saw the blues become a musical form more widely used by jazz instrumentalists as well as blues singers. (Kamien 518)

During the decades of the thirties and forties, the blues spread northward with the migration of many blacks from the South and entered into the repertoire of big-band jazz. The blues also became electrified with the introduction of the amplified guitar. In some Northern cities like Chicago and Detroit, during the later forties and early fifties, Muddy Waters, Willie Dixon, John Lee Hooker, Howlin' Wolf, and Elmore James among others, played what was basically Mississippi Delta blues, backed by bass, drums, piano and occasionally harmonica, and began scoring national hits with blues songs. At about the same time, T-Bone Walker in Houston and B.B. King in Memphis were pioneering a style of guitar playing that combined jazz technique with the blues tonality and repertoire. (RSR&RE 53)

In the early nineteen-sixties, the urban bluesmen were "discovered" by young white American and European musicians. Many of these blues-based bands like the Paul Butterfield Blues Band, the Rolling Stones, the Yardbirds, John Mayall's Bluesbreakers, Cream, Canned Heat, and Fleetwood Mac, brought the blues to young white audiences, something the black blues artists had been unable to do in America except through the purloined white cross-over covers of black rhythm and blues songs. Since the sixties, rock has undergone several blues revivals. Some rock guitarists, such as Eric Clapton, Jimmy Page, Jimi Hendrix, and Eddie Van Halen have used the blues as a foundation for offshoot styles. While the originators like John Lee Hooker, Albert Collins and B.B. King--and their heirs Buddy Guy, Otis Rush, and later Eric Clapton and the late Roy Buchanan, among many others, continued to make fantastic music in the blues tradition. (RSR&RE 53) The latest generation of blues players like Robert Cray and the late Stevie Ray Vaughan, among others, as well as gracing the blues tradition with their incredible technicality, have drawn a new generation listeners to the blues.

Works Cited:
Kamien, Michael. _Music: An Appreciation_. 3d Ed. N.Y.: McGraw Hill, 1984.; Kennedy, Michael. _The Concise Oxford Dictionary of Music_. N.Y.: 1980.; Lomax, Alan. _The Land Where the Blues Began_. N.Y.: Pantheon Books, 1993.; Pareles, Jon and Patricia Romanowski, eds. _The Rolling Stone Encyclopedia of Rock and Roll_.N.Y.: Rolling Stone Press, 1983.; Priestly, Brian. _Jazz On Record: A History_. N.Y.: Billboard Books, 1991.; Salzman, Eric and Michael Sahl. _Making Changes_. N.Y.: G. Schirmer, 1977.; Shapiro, Harry. _Eric Clapton: Lost in the Blues_. N.Y.: Da Capo Press, 1992.; Tanner, Paul and Maurice Gerow. _A Study of Jazz_. Dubuque, IA: William C. Brown Publishers, 1984.

Alan Lomax - Prison Songs [1997]
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Interessante trabalho do historiador Alan Lomax sobre as canções dos prisioneiros negros nas fazendas de trabalhos forçados, aonde nasceram os primeiros blues.

Martin Scorsese Presents The Blues [2003]
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Eis aqui um abrangente trabalho de documentação do blues através dos tempos, realizado pelo cineasta Martin Scorsese, essa maravilhosa seleção foi trilha de um documentário que eu ainda não tive o prazer de assistir, mas gostaria muito.

The Encyclopedia of Early Blues Classics [2001]

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Coletânea que reúne os principais intérpretes do blues nos seus primeiros anos através de uma ótima seleção de músicas.

R. Crumb's Heroes Of Blues, Jazz & Count [1980]

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Já essa seleção é um trabalho feito pelo famoso cartunista Robert Crumb e foi uma espécie de brinde para quem comprou um calendário com arte de blues que ele lançou este ano. A proposta é similar ao disco a cima, mas trazendo nomes não tão manjados entre os mestres do estilo.

Cosmosquad - Live at The Baked Potato [1997]

Esta foi uma das muitas bandas que conheci aqui na internet. O trio é natural de Phoenix, Arizona-USA, no entanto, atualmente vive na Califórnia. O som deles é um fusion pesado, que tende muito mais ao rock do que pro jazz, recebendo a minha mais alta recomendação para quem curte esse tipo de música. O Cosmosquad está na ativa desde 1997, mas lançou poucos discos, uns quatro ou três, creio eu, e se não me falha a memória, Live At The Baked Potato é o segundo disco deles, gravado em Los Angelis, no dia 28 de fevereiro de 2001. O grupo formado por Jeff Kollman (guitarra), Barry Sparks (baixo), Shane Gaalaas (bateria), teve uma atuação memorável apresentando um repertório que traz composições do auto-intitulado álbum de estréia (1997), do futuro disco Squadrophenia (2002), e do CD solo de Kollman, Shedding Skin (1999). Neste primeiro (e único, até o momento) registro oficial ao vivo, a banda demonstra que funciona tão bem no palco, quanto nos trabalhos em estúdio, detonando em músicas como “Fat, Mean & Nasty”, “My Guitar Gently Screams”, “Funk N’ Eh” e também na homenagem a Jason Becker, “Jam For Jason”. O disco só não é perfeito porque peca na masterizasão e finalização da edição. Seria um excelente bootleg, mas para um lançamento oficial deixa um pouco a desejar. Parece que eles simplesmente gravaram, deram um tapinha no estúdio (se é que fizeram isso) e pronto. Faltou um acabamento melhor, uma edição mais esmerada e uma filtragem dos ruídos externos, mas a performance é do caralho!

Fonte -> texto de Thiago Sarkis publicado em 04/11/04 no site Whiplash!

Cosmosquad - Live at The Baked Potato


Live At The Baked Potato features the Cosmosquad trio in a club setting on one February evening in 2001, delivering dynamic material from their CDs "Cosmosquad", "Squadrophenia" and guitarist Jeff Kollman's solo CD "Shedding Skin". An all-instrumental set awaits fans of the galactic band, with funky outbursts giving way to dark, hypnotic grooves, spastic madness meeting ethereal beauty, and African tribal flavors intersecting with melodic flurries. If you are unfamiliar with the guitar work of Jeff Kollman, this live set is a great introduction - over 78 minutes of superb musicianship - and you'll definitely be juiced enough to get the other 9 or 10 titles in Kollman's ever expanding discography. Instrumental Guitar (Electric (Heavy)/Fusion), total running time, 59:42
Review -> by Guitar Nine

Cosmosquad - Live at The Baked Potato

Hiromi Uehara on Piano Jazz [2008]

Eu não ia postar esse disco, na verdade passei o link para o Bruno lá do blog Eu Ovo que é bem mais entusiasta da Hiromi do que eu. Pensei que ele iria postar, mas ele não fez isso e uma vez que subi o arquivo para o Shareonall creio que é um desperdício deixá-lo lá sem compartilhá-lo. Sendo assim, o que não era para ser acabou sendo! Então aqui está Hiromi Uehara participando do programa Piano Jazz, da National Public Radio, tradicionalmente apresentado pela pianista inglesa Marian McPartland. A audição foi gravada no Manhattan Beach Studios de Nova York, em 17 de fevereiro de 2004, mas só foi ao ar no dia 2 de fevereiro de 2008. Hiromi dispensa maiores apresentações, mas para quem não conhece Marian McPartland, saiba que ela é inglesa, mas já mora a muitos anos nos Estados Unidos aonde apresenta este programa desde 1978. Além de pianista de jazz ela é compositora, escritora e, assim como Hiromi, foi uma prodígio musical quando criança, pois já tocava aos três anos de idade. Pelo Piano Jazz, já passou grandes nomes da música internacional como Henry Mancini, Bill Evans, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Carmen McRae, Lionel Hampton, Benny Carter, Kenny Burrell, Chick Corea, Artie Shaw, Steely Dan, Eliane Elias, Herbie Hancock, Frank Zappa e muita, mas muita gente boa mesmo!
Fonte -> Wikipedia

Em tempo -> Depois de colocar o disco aqui, recebi notícias do Bruno dizendo que pretendia postá-lo, mas esqueceu de me avisar. Para não perder a viagem, ele me mandou o texto que tinha preparado. Como na natureza nada se perde, tudo se transforma, aqui vai o texto dele transformando este post num trabalho a quatro mãos:

O programa de rádio, Piano Jazz, é apresentado pela pianista Marian McPartland desde 1978, e recebeu Hiromi Uehara em 2004. Nesse programa, a pianista, Marian McPartland, conversou com Hiromi que arrasou tocando seu piano solo e mostrando canções delicadas como 'Blue and green' ou improvisos geniais como o que foi baseado no 'Tom and Jerry show', escrito pela própria Hiromi.

Entre as perguntas que McPartland faz para Hiromi estão como ela harmoniza os improvisos que faz, a resposta é simples, "vou pela intuição", e a maestra agradece e reconhece que é exatamente isso que faz o jazz ser simplesmente jazz. Hiromi ainda confidenciou sobre seu encontro com ninguém menos que Oscar Peterson, e que tocou no seu piano, deixando-o embasbacado, é lógico. Não é qualquer um que tem a oportunidade de tocar para Oscar Peterson e ainda por cima deixa-lo pasmo com a atuação. Pois Hiromi é capaz de tudo isso.

No programa você pode ouvir versões solo de peças que entraram no novo disco de Hiromi's Sonicbloom, como 'Caravan', 'I got rythm' e 'Softly, as in a morning sunrise' em dueto com Marian McPartland, e ainda outra versão da dupla, Hiromi e McPartland, para 'Lullaby of Birdland', de Gershiwn. A própria McPartland admitiu que não poderia tocar como Hiromi e ainda ressaltou a técnica assombrosa da mão esquerda da japonesa. Hiromi apenas respondeu que "adora tocar o piano, e por isso pratica muito". Marian McPartland também dá mostras de seu talento com 'With you in my mind' e no belo improviso em homenagem a Hiromi, 'Portrait of Hiromi'. A conversa das duas evolui para outros duetos, com Hiromi e McPartland tocando 'Straight no chaser' de Thelonious Monk e 'There will never be another you' de Harry Warren.

O disco é uma pérola e quem quiser mais discos da Hiromi é só ver lá no Eu Ovo.

Hiromi Uehara on Piano Jazz

This is a soundboard broadcast bootleg recorded from Marian McPartland’s Piano Jazz featuring Hiromi Uehara. The Piano Jazz is a traditional American jazz radio show from the National Public Radio that happens in New York. Marian McPartland, born (March 20, 1918) Margaret Marian Turner in Slough-UK, she is a jazz pianist, composer, writer and was a musical prodigy from the time she could sit at the piano, about the age of three. Marian studied classical music, and the violin, in addition to the piano. Hiromi Uehara was born in Shizuoka, Japan, in 1979. She began studying classical piano at age 5 at the Yamaha School of Music. Her teacher was a jazz fan, and she shared her love of the music with Hiromi, encouraging improvisation even on the classical pieces of Mozart, Hayden, and exercises from the Hannon Book. Hiromi achieved a high level of playing at an early age, and was performing publicly before reaching her teenage years. At 14, she got the opportunity to take her talents abroad, traveling to Czechoslovakia for a performance with the Czech Philharmonic. In addition to her continued classical studies and performances, Hiromi became increasingly interested in jazz. She even had the opportunity to sit in with Chick Corea during one of his concerts in Tokyo. After high school, Hiromi worked performing jingles for television commercials. The work piqued her interest in orchestration and arranging, and she felt the need for more study. The Berklee College of Music in Boston provided the perfect setting for her budding interest in arranging, as well as her lifelong love of jazz.
Fonte -> Wikipedia


Hiromi Uehara & Marian McPartland
Manhattan Beach Studios
NY, NY USA - FM SBD
Broadcast date: 2008-02-09
Performance date: 2004-02-17





Hiromi Uehara on Piano Jazz

A SAGA CONTINUA

Então! Este é o primeiro post depois do aniversário de um ano do blog, que aconteceu em 27 de maio. Para a ocasião eu havia planejado uma série de coisas, post especiais, comemorativos e tal... Mas a medida que a data foi se aproximando comecei a matutar sobre tudo o que eu imaginava do blog antes e o que rolou até agora, chegando à conclusão que me sentia um tanto quanto frustrado e decepcionado, ao ponto de cancelar toda a festividade e até colocar em cheque se deveria ou não continuar. Alguns posts levaram dias para serem concluídos, porque eu ficava levantando dados biográficos, discografia, traduzindo textos, até fazendo capas e no final o feedback era praticamente nenhum. Pô, isso é mesmo broxante! Fica uma sensação de que ninguém liga, não estão nem aí e você está jogando pérolas aos porcos... Talvez, se eu enchesse a página de discos sem me dar ao trabalho de dizer nada, este espaço fosse mais popular, no entanto, me recuso terminantemente a fazer tal coisa, porque a minha intenção é fomentar e não distribuir música. Mas quer saber? Foda-se! Já saquei que o lance é assim mesmo, não se pode esperar nada mais do que a própria satisfação ao fazer algo que amamos, independente dos outros gostarem ou não. Afinal, eu curto muito tudo isso aqui, música para mim é tudo e mais um pouco! Gosto de tocar, falar, ouvir, debater, assistir, sentir... É claro que a intenção do blog é compartilhar e trocar idéias e, embora eu não conseguisse isso na escala imaginada, a coisa rolou entre poucos e bons, não citarei nomes para não cometer nenhuma injustiça por esquecimento, mas vocês sabem quem são vocês. Há também aqueles que curtem o blog sem nunca ter deixado um comentário sequer, mas são amantes da boa música e apreciam a informação aqui disponível. Em consideração a esse seleto, mas distinto grupo, e também a mim mesmo, resolvi continuar. Vou em frente consciente, agora mais do que nunca, de que este blog não é para todo mundo mesmo, é apenas para vocês: os poucos e bons!

Hiromi's Sonicbloom - Live at The Piazzale Alla Valle 2007

Há muito que eu queria postar algo da jovem tecladista japonesa Hiromi Uehara, sua técnica e feeling no piano são impressionantes, além do seu carisma e jovialidade. Ela tem um domínio de arrepiar sobre os teclados, sejam eles elétricos ou acústicos. Mas o Bruno, do blog Eu Ovo chegou primeiro e já mandou ver logo todos os quatro discos lançados por ela até o momento, faltou apenas o Hiromi Uehara & Chick Corea - Duet (2006), mas esse é bem raro e só saiu em edição limitada no Japão. Restou-me apenas a opção de esperar para encontrar uma boa gravação que me desse a oportunidade de um post, o que acabou acontecendo ontem. Encontrei uma apresentação maravilhosa que se deu durante a realização do festival de jazz de Piazzale Alla Valle, em Mendrisio, Suíça, no dia 30 de junho de 2007, destacando o repertório do seu recente lançamento Hiromi's Sonicbloom – Time Control (2007). Mais do que depressa já tratei de levantar o arquivo aqui para o Boogie Woody, pegando emprestado o texto do Bruno referente à biografia dessa pequena grande pianista. Espero que vocês desfrutem com o mesmo gosto que eu esse show e se acaso gostarem e ainda não tiveram a oportunidade de ouvir os discos dela, aproveitem para passar lá no Eu Ovo e conferir os álbuns. Se eventualmente alguém tiver a oportunidade de adquirir alguns dos CDs dela, pode comprar sem medo de errar, pois vai valer cada centavo. Seu próximo lançamento Beyond Standard está previsto para chegar às lojas no dia 10 de junho. Aproveite que é música da melhor qualidade!


Biografia por Bruno Freitas:

Hiromi Uehara começou a tocar piano clássico com seis anos de idade, e aos 15 anos ela já havia tocado com a Orquestra Filarmônica da República Tcheca. Com oito anos, Hiromi conheceu o jazz e se apaixonou pelo estilo musical. Quando tinha 17 anos, Chick Corea conheceu o som dessa jovem japonesa em Tókio, e chegou a convidá-la para tocar com ele no mesmo dia. Hiromi foi estudar música nos Estados Unidos com Ahmad Jamal, o pianista favorito de Miles Davis. Antes mesmo de se formar, ela já tinha assinado contrato com o selo independente norte-americano, Telarc.

O primeiro disco em 2003, Another Mind, contava com um trio afinadíssimo, Hiromi no piano, Mitch Cohn no baixo e Dave DiCenso na bateria. Já no segundo trabalho em 2004, Brain, Tony Grey assumiu o baixo e Martin Valihora a bateria. Com essa mesma formação, Hiromi lançou o terceiro disco em 2005, Spiral. Em 2006 o trio adicionou o guitarrista David Fiuczynski e transformou-se em Hiromi’s Sonicbloom. Com esta nova formação, o quarteto lançou o disco Time Control em 2007.

Se quiserem conferir a atuação dessa japonesinha de 28 aninhos, que já é um monstro no piano, podem conferir Kung-Fu World Champion ou If, ambas do disco Brain de 2004. Mas vejam os vídeos até o final para dar tempo da Hiromi solar no piano. Ela usa um piano Yamaha C3 e teclado Nord Lead 2.
Texto retirado do blog Eu Ovo.




Hiromi's Sonicbloom - Live at The Piazzale Alla Valle 2007

Hiromi Uehara (上原ひろみ, born 26 March 1979) is a jazz composer and pianist born in Hamamatsu, Japan. She is known for her virtuosic technique, energetic live performances and blend of musical genres such as jazz, progressive rock, classical and fusion in her compositions. Hiromi started learning classical piano at age 6. She was introduced to jazz by her piano teacher Noriko Hakita when she was 8. At age 14, she played with the Czech Philharmonic Orchestra. When she was 17, she met Chick Corea by chance in Tokyo, and was invited to play with him at his concert the very next day. After being a jingle writer for a few years for Japanese companies such as Nissan, she enrolled to study at Berklee College of Music in Boston, Massachusetts. There, she was mentored by Ahmad Jamal and had already signed with jazz label Telarc before her graduation. Since her debut in 2003, Hiromi has toured the world and appeared in numerous jazz festivals.

Hiromi's trio initially consisted of bassist Mitch Cohn and drummer Dave DiCenso. In 2004, she recorded her second album Brain with fellow Berklee alums bassist Tony Grey and drummer Martin Valihora and has been recording and touring with them ever since. Hiromi's Sonicbloom: On October 19, 2006, the trio added guitarist David Fiuczynski in a performance at the Jazz Factory in Louisville KY. He is also featured in the albums Time Control and "Beyond Standard", and is currently touring with the group. Hiromi plays the Yamaha C3 grand piano and the Nord Lead 2 keyboard.
From -> Wikipedia

Hiromi's Sonicbloom - Live at The Piazzale Alla Valle 2007 p1
Hiromi's Sonicbloom - Live at The Piazzale Alla Valle 2007 p2

The Doors - First Demos [1965]

A história deste disco é praticamente o princípio do The Doors, uma das maiores e mais importantes bandas da geração flower power. Não seria nenhuma bobagem dizer que este trabalho foi a pedra fundamental do Doors. Tudo aconteceu mais ou menos assim: Ray tinha uma banda com seus irmãos Rick e Jim Manzarek chamada Rick and the Ravens, eles haviam conseguido junto a Aura Records um acordo para o lançamento de dois singles. O local escolhido para as gravações foi o Trans World Pacific Studios, localizado na Third Street de Los Angelis, Califórnia-EUA. Depois do fiasco do primeiro lançamento, ao invés de investir na prensagem do outro single, vislumbrando mais um fracasso a gravadora decidiu dar ao grupo as horas livres de estúdio e deixou por isso mesmo. Parece que a banda não tinha mesmo futuro, tanto que eles resolveram queimar essas horas investindo em um novo projeto. Ray estudava cinema na UCLA (University of California, Los Angeles) e lá ele tinha um colega chamado Jim Morrison que nunca havia cantado, mas escrevia uns poemas malucos e eles formaram um grupo batizado por Morrison como The Doors (as portas), nome inspirado no verso do poeta inglês William Blake: "Quando as portas da percepção forem abertas, o homem verá as coisas como elas realmente são: infinitas." O baterista John Densmore, que segundo a lenda, Ray conheceu em uma palestra do guru indiano Maharishi Maheshi Yogi (“carinhosamente” apelidado por John Lennon de Sexy Sadie), já fazia parte do grupo, mas o guitarrista Robby Krieger só entraria depois.

De modo que, na quinta-feira do dia 2 de setembro de 1965, lá foram os três acompanhados pelos irmãos de Ray, Rick na guitarra, Jim na gaita e uma garota da qual ninguém lembra o nome, no baixo, para fazerem esta épica gravação no Trans World Pacific Studios. Assistidos por Dick Bock, proprietário do estúdio, os Doors gravaram seis músicas em três horas, todas elas composições de Morrison (a sétima faixa “Hyacinth House” não é dele, mas essa música, incluída depois, não foi gravada lá). Imediatamente após a sessão de gravação, o grupo já começou a divulgar a demo pela região e Jim se admirava ao ouvir a sua voz gravada pela primeira vez. Para os fãs menos fervorosos do The Doors, a maior curiosidade aqui são “Hello, I Love You” e “Summer's Almost Gone” que estão entre as composições mais antigas do grupo. A impressão que nos dá ao ouvir este bootleg é a de que estamos diante de uma banda de garagem, o que The Doors realmente foi um dia.

Para completar esse post, eu resolvi incluir mais um bootleg histórico, Keeping The Fire Alive, gravado em janeiro de 1993 por ocasião da apresentação do The Doors no Rock & Roll Hall of Fame. Naquela oportunidade, o cantor do Pearl Jam, Eddie Vedder fez as vezes de Jim Morrison (falecido em Paris, no dia 3 de Julho de 1971). Esse bootleg foi gravado em duas partes. A primeira traz os ensaios (faixas de 1 a 10) realizados no dia 11 no Power Plant Studios e a segunda, o show do dia 12 no Rock & Roll Hall of Fame que aconteceu no Century Plaza Hotel, de Los Angeles, apresentando as clássicas “Light My Fire”, “Roadhouse Blues” e Break On Through.
Fonte -> Bootlegzone

The Doors - First Demos

Trans World Pacific Studios was located on Third Street and it was here for the first time that The Doors had ever recorded in a studio. Aura Records had seen that the previous single that Rick & The Ravens had released was not doing so well, so rather than going to the expense of pressing another single and watching it most likely fail, the record company had decided to give The Doors free studio time. The Doors spent three hours in the studio and recorded six demos. The owner for Trans World Pacific Studios was Dick Bock who also produced the demo tapes for The Doors.

The demo tapes were recorded before Robby Krieger joined the band. At that time, the group included Jim Morrison on vocals, Ray Manzarek on vocals/piano, John Densmore on drums, Rick Manzarek on guitar, Jim Manzarek on harmonica and an unknown girl that was hired from a local group to play bass. The only copies of these demo recordings were originally owned by World Pacific Studios, John Densmore and Billy James who at the time was a representative for Columbia Records.
From -> Bootlegzone

This stuff it's here just as a curiousity, and also to give us the opportunity to dedicate a little space to The Doors avoiding the usual things you can find anywhere in Blogland. The September 2nd,1965 The Doors - as a trio without Robby Krieger - recorded a demo at the World Pacific Jazz Studios of Los Angeles. This is probably their first recorded document ever, or at least the oldest available one we have found (except for track 7, that is of later and different origin). For non hard-die Doors fans it is curious to notice that two songs like Hello, I Love You and Summer's Almost Gone (a sort of blues, here) were among the earliest group's compositions. The more curious impression is to be in front of a garage-band, as The Doors really were at the time

To complete this post, I’m including another historical bootleg, Keeping The Fire Alive, made in January 1993 for occasion of The Doors show in the Rock & Roll Hall of Fame. At that time, the Pearl Jam singer Eddie Vedder was Jim Morrison´s (died in Paris, 1971) substitute. This bootleg was recorded in two parts: the first one is the rehearsals in the Power Plant Studios on January 11th and the second one, is the Rock & Roll Hall of Fame show at the Century Plaza Hotel, Los Angeles on January 12, featuring the songs “Light My Fire”, “Roadhouse Blues” and “Break On Through”.

The Doors - First Demos

Bonus Post

The Doors - Keeping The Fire Alive [1994]

Santana Caravanserai Studio Demos & Outtakes 1972

Aviso aos navegantes: Esse não um disco para fãs esporádicos do guitarrista mexicano, apesar de serem gravações em estúdio o clima é praticamente de jam session, as faixas sequer tem nomes e a impressão que se tem é que ainda estavam estudando os temas e os arranjos antes de finalizarem as músicas, a gente pode até ouvir umas conversas de fundo durante a execução de alguns temas. Então, embora o áudio seja de boa qualidade, se alguém espera encontrar aqui takes limpos e bem acabados, pode esquecer. Agora aos admiradores mais fanáticos, que adoram viajar ao som da guitarra latina de Carlos Santana, em especial daquela fase do início dos anos 70 aonde psicodelia, rock e jazz se fundiam em viagens transcendentais, para esses, este bootleg é um prato cheio de preciosidades sonoras com mais de duas horas de duração. Um disco raro e difícil de encontrar por aí. Es para usted cabrón!

Santana Caravanserai Studio Demos & Outtakes 1972

This is not a clean record. Oh no, the audio quality is ok! But the takes are something like a jam session, as if they were looking for a tune and a way to follow. There is no name for the tracks. It’s not for beginners, but the fans will find two precious hours of fantastic experimentation by Mr. Carlos Santana and his group. This is a rare record, difficult to find


Santana - Caravanserai

Soon signed to Columbia Records, the band released a largely instrumental, self-titled album, Santana in 1969. The group at this point consisting of Carlos Santana (guitar), Gregg Rolie (keyboards and vocals), David Brown (bass guitar), Michael Shrieve (drums), José "Chepito" Areas (percussion) and Michael Carabello (percussion). On the tour to support the album, the band played at Woodstock Music and Art Festival. They were one of the surprises of the festival; their set was legendary, and later the exposure of their eight-minute instrumental "Soul Sacrifice" in the Woodstock film and soundtrack albums vastly increased Santana's popularity. Santana became a huge hit, reaching number four on the U.S. album chart, and the catchy single "Evil Ways" reached number nine on the Billboard Hot 100. In 1970 the group reached its early commercial peak with their second album, Abraxas, which reached number one on the album charts and went on to sell over four million copies. The innovative Santana musical blend made a number-four hit out of English blues-rockers Fleetwood Mac's "Black Magic Woman", and a number-thirteen hit out of salsa champion Tito Puente's "Oye Como Va". Abraxas has since been placed on several "best albums of all time" lists. The classic Santana lineup of their first two albums was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1998.

However, Woodstock and the success of the first two albums began to put pressure on the group, and highlighted the different musical directions that Rolie and Santana were starting to go in. Rolie was more influenced by the progressive rock movement; he wanted to highlight keyboards in the music, play long instrumentals, thematically link music across all of the songs on an album, and use characteristics of classical music. Carlos on the other hand wanted shorter songs and to bring forward the influence of the music of Mexico and his family heritage, with a heavier emphasis on percussion. The band had started to disintegrate. A teenage San Francisco Bay Area guitar prodigy, Neal Schon, was asked to join the band in 1971; he was also asked by Eric Clapton to join Derek and the Dominoes. Choosing Santana, he was brought into the studio to help clean up the "success mess", brought on by the band's new-found fame, and to help complete the third album, Santana 3. Schon, with a classical music background, was also more inclined to lean toward progressive rock (and at the same time he was helping Santana, he formed the band Azteca with Larry Graham, which eventually after further changes became Graham Central Station). In any case, Santana 3 was another success, reaching number one on the album chart, selling two million copies, and spawning the hit singles "Everybody's Everything" and "No One to Depend On".

After Santana came back from a South American tour, which was cut short in Peru when all their gear was confiscated, they started working on a new, fourth, album, Caravanserai. During the studio sessions in December 1971, Rolie decided that it was time to go. He left and went home to Seattle, opening a restaurant with his father, and later became a founding member of Journey (which Schon would join as well). When Caravanserai did emerge in 1972, it was with individual credits on each track, and marked the end of Santana as a band with a fixed membership. It also marked a strong change in musical direction towards jazz fusion. As such it earned considerable critical praise.
From -> Wikepedia

Santana Caravanserai Studio Demos & Outtakes 1972 p1
Santana Caravanserai Studio Demos & Outtakes 1972 p2