MudWolf Groove no XVI Brooklinfest

Vou estrear uma nova banda de blues, o MudWolf Groove, será neste fim de semana, 22 e 23 de outubro, na XVI Brooklinfest. O horário é meio ingrato 11hs da manhã, mas se alguém estiver de bobeira neste sábado ou domingo, pinta lá que vai ser legal! Rua Barão do Triunfo 427, bairro: Brookin. São Paulo-SP.

Outras informações sobre a Brooklinfest: http://www.brooklinfest.blogspot.com

ARETHA FRANKLIN

A Rainha do Soul

Não faz muito tempo, para ser uma grande cantora era preciso, antes de qualquer coisa, ter voz, afinação e sentimento. Se a pessoa soubesse algo sobre teoria musical e tocasse algum instrumento, melhor ainda. Depois, se ela tivesse um rostinho bonito, corpinho bacana, belas pernas e um proeminente par de seios, obviamente ajudaria, mas não era condição “sine qua non” como hoje em dia.

Pois é, atualmente, só o que importa mesmo são os quatro últimos itens, saber cantar, ter voz, talento e sentimento ajudam um pouquinho e se a pessoa não souber porra nenhuma sobre teoria musical e não tocar um instrumento é melhor ainda! Porque não dá “pitaco” na produção. Cantam o que mandarem, gravam com “maquiagem” na voz, Pro Tools, efeitos mil e o escambau. Na hora do show é só jogar um playback e está tudo certo. Vejam por exemplo a Beyonce: é uma mulher maravilhosa, de lindo rosto e curvas matadoras, um corpinho escultural digno da obra de Auguste Rodin, mas segundo João Marcelo Bôscoli, um cara de berço musical, filho de Ronaldo Bôscoli e Elis Regina, e sócio da gravadora Trama, ela não canta nada, nada, nada! E a Britney Spears então! Foi só tombar na noite e engordar um pouquinho que mídia caiu de pau em cima dela. Acham que se ela fosse uma baita cantora alguém estaria ligando para os seus escândalos e quilinhos a mais? Esses são apenas dois exemplos de milhares que encontraremos por aí entre as chamadas divas da música pop contemporânea.

Aretha Franklin - Aretha Arrives [1967]

Lá nos anos sessenta, quando Aretha Franklin surgia como uma grande estrela da música, ninguém se atrevia a usar playback nos shows, ainda não existia MTV, vídeo clip (estava engatinhando), DVD e a TV era mais voltada para novelas, jornais, programas de auditório e filmes, embora já existissem alguns bons programas dedicados à música. Enfim, imagem não era tudo. Até porque, música se ouvia nas rádios, vitrolas, casas noturnas e mesmo os grandes espetáculos musicas não tinham a pirotecnia, efeitos e outras “cositas” mais para distrair o espectador. O negócio era no gogó mesmo e para poder se destacar era preciso cantar muito! Pois a concorrência era braba, no páreo haviam Ann Peebles, Gladys Knight, Esther Phillips, Mavis Staples, Shirley Caesar, Marva Whitney entre outras grandes vozes. No entanto, Aretha impôs “Respect” a ponto de ser coroada como a rainha da soul music, mas para quem a conhece, sabe que só do soul é pouco, seus domínios se estendem ao R&B, blues, gospel e ainda canta com a mesma majestade jazz, pop e rock. Sua entonação, postura, afinação e sentimento são simplesmente espantosos. Principalmente o sentimento, coisa que ela desenvolveu desde pequena, porque seu pai era pastor e, mal aprendeu a falar ela já estava engrossando o coro da igreja. Ouvir Aretha cantar gospel é de arrepiar, uma audição do álbum Amazing Grace (1972) pode transformar o mais convicto dos ateus em um fervoroso beato, tamanha é a paixão que ela impõe na interpretação. Até eu, que não sou muito chegado do estilo, gosto de ouvir o disco de vez em quando. Aleluia irmão!

Aretha Franklin - I Never Loved a Man the Way I Love You [1967]

Meu primeiro contato com a sua música aconteceu em meados dos anos 70, eu devia ter uns 16 anos e já era super ligando em música, estava sempre juntando uns trocos para comprar algum disco novo, o que eu gostava mesmo era Jimi Hendrix, The Who, King Crimson, Ten Years After, Emerson Lake & Palmer, Led Zeppelin, Pink Floyd e essas coisas. No entanto, volta e meia eu me ligava em outros sons. Em casa, além da minha coleção, que já era considerável, minha mãe também tinha uns cento e poucos discos na prateleira e uma vez ou outra, quando estava cansado de ouvir meus discos, ia fuçar a discoteca dela para garimpar algo. No geral, ela ouvia coisas que eu deplorava (e ainda deploro) como Shirley Bassey, Ray Conniff, Johnny Mathis e Paul Mauriat, só que no meio desses, haviam alguns discos que ela não ouvia muito e que provavelmente ganhou de presente. Nesse montante, eu descobri Duke Ellington, Creedence Clearwater Revival, Chubby Checker, Louis Armstrong e Aretha Franklin. Estava eu lá procurando algo para variar a audição quando me deparei com o disco This Girl's In Love With You (1970), na capa havia uma foto da Aretha tocando piano. Pensei: “vamos ver o que é isso. Selo Atlantic, o mesmo do Led e EL&P. O que diz a contra-capa? Humm, tem uma música do The Band (The Weight) e duas dos Bealtles (Let It Be e Eleanor Rigby). Não sei quem é essa mulher, mas demonstra bom gosto. O que dizem os créditos. Opa, que isso!? Duane Allman - Guitar, Steel Guitar, Slide Guitar!! Caramba, eu tenho que ouvir essa bisteca!!!” A partir daquele dia virei fã da rainha do soul. “The Weight” tinha uma interpretação bem próxima da versão original, mas com um tempero gospel-soul que lhe dava um sabor especial. O mesmo aconteceu com “Let It Be”, mas em “Eleanor Rigby” ela mudou um pouco a harmonia e ritmo da música conseguindo uma versão tão boa quanto a original. Depois disso, fui atrás de outros álbuns e o primeiro que comprei foi Soul'69 (1969). Um discaço para ninguém botar defeito, passei a comprar seus discos regularmente e cheguei a conclusão que sua melhor fase foi a dos anos 60 até começo dos 70. Na década seguinte, com o aparecimento da discoteca, Aretha entrou na onda o que me desagradou a ponto d’eu parar de me ligar em seus lançamentos, mas mesmos naqueles discos dance, sempre aparecia uma ou outra faixa que se salvava, como no caso da versão que ela fez, em 1986, de “Jump Jack Flash” acompanhada por Keith Richards e Ron Wood, para trilha sonora do filme homônimo, que no Brasil foi lançado como “Salve-me Quem Puder!”, estrelado por Whoopi Goldberg. Uma versão arrebatadora reforçando o dito popular que reza: “quem um dia foi rainha, nunca perde a majestade!”

Aretha Franklin - Lady Soul [1968]

Aretha Louise Franklin (25 de março de 1942) é uma cantora norte-americana de gospel,R&B e soul que virou ícone da música negra. Nascida em Memphis,criada em Detroit, Michigan, tornou-se a primeira mulher a fazer parte do Hall da Fama do Rock and Roll em 3 de janeiro de 1987. Muitos chamam Aretha de "Rainha do Soul" ou "Dama do Soul". Ela é reconhecida por suas habilidades na música soul e R&B, mas também é uma adepta de outros estilos musicai, sendo reconhecida como uma das melhores vocalistas da história da música por publicações como a Revista Rolling Stone e do canal de televisão VH1. Ela é a segunda cantora a possuir mais prêmios Grammy na história, atrás apenas de Allison Krauss. Aretha possui dezessete prêmios competitivos e três honorários. O estado de Michigan declarou a voz de Aretha como sendo uma maravilha natural. Apesar de todo o sucesso, Aretha possui apenas dois singles que foram para o primeiro lugar na lista dos mais vendidos dos Estados Unidos, segundo a Revista Billboard: "Respect" nos anos 1960 (sua canção mais conhecida) e "I Knew You Were Waiting (For Me)", um dueto com George Michael. No entanto, vários de seus singles já apareceram entre os 20 mais vendidos na lista daquela publicação, como "Think", "I Say a Little Prayer", "Until You Come Back to Me", "Who's Zoomin' Who?", "Freeway of Love", entre outros.

Aretha Franklin - Soul'69 [1969]

Curiosidades:

* Aretha Franklin perdeu suas 2 irmãs (Carolyn e Erma) de câncer em 1985 e 2003. Seu irmão morreu em acidente de avião respondendo porque o medo de avião.
* Aretha Franklin foi processada por quebra de contrato em 1984, quando ela não pôde estrelar no musical da Broadway Sing, Mahalia, Sing, (baseado na vida da cantora gospel Mahalia Jackson) porque ela estava com medo de voar de avião.
* Ela foi introduzida no Hall da Fama das Mulheres de Michigan em 2001.
* Aretha frequentemente convida a cantora Chaka Khan, uma de suas favoritas, para cantar em suas festas de aniversário.
* Em 2006, o total de prêmios Grammy de Aretha Franklin subiu para dezessete com um prêmio de Melhor Performance Tradicional de R&B por "A House is Not a Home", um tributo a Luther Vandross incluído no CD So Amazing.

Voz Tipo de Voz: Mezzo-Soprano Dramático Nota mais baixa: F2 Nota mais Aguda em Belting: D6 Nota mais aguda em cabeça:E6 Extensão Vocal: F2-E6 (3 oitavas e seis notas).
Fonte: Wikipédia.

Aretha Franklin - Spirit in the Dark [1970]

ARETHA FRANKLIN

The Queen Of Soul

Aretha Franklin is one of the giants of soul music, and indeed of American pop as a whole. More than any other performer, she epitomized soul at its most gospel-charged. Her astonishing run of late-'60s hits with Atlantic Records--"Respect," "I Never Loved a Man," "Chain of Fools," "Baby I Love You," "I Say a Little Prayer," "Think," "The House That Jack Built," and several others--earned her the title "Lady Soul," which she has worn uncontested ever since. Yet as much of an international institution as she's become, much of her work--outside of her recordings for Atlantic in the late '60s and early '70s--is erratic and only fitfully inspired, making discretion a necessity when collecting her records. Franklin's roots in gospel ran extremely deep. With her sisters Carolyn and Erma (both of whom would also have recording careers), she sang at the Detroit church of her father, Reverend C.L. Franklin, while growing up in the 1950s. In fact, she made her first recordings as a gospel artist at the age of 14. It has also been reported that Motown was interested in signing Aretha back in the days when it was a tiny start-up.

Aretha Franklin - This Girl's In Love With You [1970]

Ultimately, however, Franklin ended up with Columbia, to which she was signed by the renowned talent scout John Hammond. Franklin would record for Columbia constantly throughout the first half of the '60s, notching occasional R&B hits (and one Top Forty single, "Rock-a-bye Your Baby with a Dixie Melody"), but never truly breaking out as a star. The Columbia period continues to generate considerable controversy among critics, many of whom feel that Aretha's true aspirations were being blunted by pop-oriented material and production. In fact there's a reasonable amount of fine items to be found on the Columbia sides, including the occasional song ("Lee Cross," "Soulville") where she belts out soul with real gusto. It's undeniably true, though, that her work at Columbia was considerably tamer than what was to follow, and suffered in general from a lack of direction and an apparent emphasis on trying to develop her as an all-around entertainer, rather than as an R&B/soul singer.

Aretha Franklin - Live At Fillmore West [1971]

When Franklin left Columbia for Atlantic, producer Jerry Wexler was determined to bring out her most soulful, fiery traits. As part of that plan, he had her record her first single, "I Never Loved a Man (The Way I Love You)," at Muscle Shoals in Alabama with esteemed Southern R&B musicians. In fact, that was to be her only session actually at Muscle Shoals, but much of the remainder of her '60s work would be recorded with the Muscle Shoals Sound Rhythm Section, although the sessions would actually take place in New York City. The combination was one of those magic instances of musical alchemy in pop: the backup musicians provided a much grittier, soulful, and R&B-based accompaniment for Aretha's voice, which soared with a passion and intensity suggesting a spirit that had been allowed to fly loose for the first time. In the late '60s, Franklin became one of the biggest international recording stars in all of pop. Many also saw Franklin as a symbol of Black America itself, reflecting the increased confidence and pride of African-Americans in the decade of the civil rights movements and other triumphs for he Black community. The chart statistics are impressive in and of themselves: ten Top Ten hits in a roughly 18-month span between early 1967 and late 1968, for instance, and a steady stream of solid mid-to-large-size hits for the next five years after that. Her Atlantic albums were also huge sellers, and far more consistent artistically than those of most soul stars of the era. Franklin was able to maintain creative momentum, in part, because of her eclectic choice of material, which encompassed first-class originals and gospel, blues, pop, and rock covers, from the Beatles and Simon & Garfunkel to Sam Cooke and the Drifters. She was also a fine, forceful, and somewhat underrated keyboardist.

Aretha Franklin - Amazing Grace [1972]

Franklin's commercial and artistic success was unabated in the early '70s, during which she landed more huge hits with "Spanish Harlem," "Bridge Over Troubled Water," and "Day Dreaming." She also produced two of her most respected, and earthiest, album releases with Live at Fillmore West and Amazing Grace. The latter, a 1972 double LP, was a reinvestigation of her gospel roots, recorded with James Cleveland & the Southern California Community Choir. Remarkably, it made the Top Ten, counting as one of the greatest gospel-pop crossover smashes of all time. Franklin had a few more hits over the next few years--"Angel" and the Stevie Wonder cover "Until You Come Back to Me"--being the most notable--but generally her artistic inspiration seemed to be tapering off, and her focus drifting toward more pop-oriented material. Her Atlantic contract ended at the end of the 1970s, and since then she's managed to get intermittent hits -- "Who's Zooming Who" and "Jump to It" are among the most famous -- without remaining anything like the superstar she was at her peak. Many of her successes were duets, or crafted with the assistance of newer, glossier-minded contemporaries such as Luther Vandross. There was also another return to gospel in 1987 with One Lord, One Faith, One Baptism.

Aretha Franklin - Rare & Unreleased Recordings [2007]

Critically, as is the case with many '60s rock legends, there have been mixed responses to her later work. Some view it as little more than a magnificent voice wasted on mediocre material and production. Others seem to grasp for any excuse they can to praise her whenever there seems to be some kind of resurgence of her soul leanings. Most would agree that her post-mid-'70s recordings are fairly inconsequential when judged against her prime Atlantic era. The blame is often laid at the hands of unsuitable material, but it should also be remembered that -- like Elvis Presley and Ray Charles -- Franklin never thought of herself as confined to one genre. She always loved to sing straight pop songs, even if her early Atlantic records gave one the impression that her true home was earthy soul music. If for some reason she returned to straight soul shouting in the future, it's doubtful that the phase would last for more than an album or two. In the meantime, despite her lukewarm recent sales record, she's an institution, assured of the ability to draw live audiences and immense respect for the rest of her lifetime, regardless of whether there are any more triumphs on record in store.

Richie Unterberger from Aretha’s official web site.

Aretha Franklin - Sunday Morning Classics [2009]

CHAMPION JACK DUPREE

Champion Jack Dupree foi a personificação do blues de New Orleans e também um pianista de boogie woogie, verdadeiro “professor” em matéria de tocar em bares e cabarés, uma figura simpática que gostava de contar causos e piadas entre uma música e outra. Nasceu como William Thomas Dupree, em 4 de julho de 1910, na Louisiana. Seu pai era do Congo Belga e sua mãe, de origem afro americana e índio Cherokee. Ele ficou órfão aos dois anos de idade e foi enviado para o New Orleans Home for Colored Waifs, um orfanato para crianças de cor por onde também passou Loius Armstrong, sendo adotado por Olivia Gardner aos 14 anos de idade. Começou a tocar piano de forma autodidata e mais tarde aprendeu com Tuts Washington e com o lendário Drive’Em Down (Willie Hall), a quem ele chamava de pai e que lhe ensinou o “Junker’s Blues”, um clássico que se tornou notório na interpretação de Jack Dupree. Ainda jovem, começou sua vida de andarilho, viveu em Chicago onde trabalhou com Geórgia Tom, em Indianápolis e Indiana onde se juntou a Scrapper Blackwell e Leroy Carr. Além de tocar piano, ele fazia uns bicos de cozinheiro e quando esteve em Detroit, conheceu Joe Louis que o encorajou a iniciar uma carreira de boxer. Chegou a lutar 107 vezes conquistando a Golden Gloves (Luvas de Ouro) e outros campeonatos. Foi aí que ele ganhou o apelido de Champion Jack (Jack Campeão), que usou para o resto da vida.

Em 1940 ele deixou o box de lado e voltou para o piano. Estava com 30 anos e retornou a Chicago fazendo parte de um círculo de artistas que por ali gravavam, como Big Bill Broonzy e Tampa Red, este o apresentou ao famoso produtor de blues Lester Melrose, que produziu alguns de seus primeiros trabalhos para o selo Okeh. Mas em 1942 ele foi convocado para o exército indo servir no Pacífico, trabalhando como cozinheiro da marinha. Acabou sendo capturado pelos japoneses e viveu dois anos como prisioneiro de guerra.

Após a guerra, ele foi para Nova York afim de retomar sua carreira musical. Acabou dando sorte por lá e gravou para não menos que vinte e um diferentes selos incluindo Savoy, King e Atlantic. Pois, assim como o guitarrista John Lee Hooker, Dupree não ligava muito para obrigações contratuais e gravou sob diferentes pseudônimos entre os quais: Brother Blues, Big Tom Collins, Blind Boy Johnson, Meathead Johnson, Willie Jordan, e Lightnin' Jr. Mas foi com o seu próprio nome que ele emplacou um hit em 1955 em dueto com Teddy McRae chamado “Walking The Blues”, que ficou 11 semanas nas paradas de R&B. Na verdade, foi a única vez que ele fez parte de uma parada dessas em toda sua carreira. Em 1958 gravou aquela que para muitos é considerada a sua obra prima, o álbum Blues From the Gutter. Em suas músicas, Dupree falava do mundo ao seu redor, abordando temas como prostituição, cadeia, bebidas e drogas, muito embora ele não fosse lá um grande beberrão e sequer fazia uso de drogas. Mesmo vivendo em Nova York, Depree percebeu que não importava para onde fosse, não conseguia escapar do preconceito racial. Cansado de toda essa história, em 1959 resolveu se mudar para Europa onde viveu os últimos 32 anos de sua carreira, morando em países diferentes como Suíça, França, Inglaterra, Dinamarca e Alemanha. Nessa fase, lançou uma série de álbuns maravilhosos por diferentes gravadoras entre os quais o incrível From New Orleans To Chicago (1966), gravado na Inglaterra com a participação de John Mayall e Eric Clapton, que na verdade não estão em todas as faixas, mas só a participação em “Third Degree” e “Shim-Sham-Shimmy”, já vale o disco. A dupla aparece novamente ao lado de Dupree no álbum Raw Blues (1967), uma coletânea de participações de Mayall com astros do blues, tocando “Calcutta Blues” e “24 Hours”, dois blues de arrepiar. Outro disco bem bacana dessa fase britânica, é Scooby Dooby Doo (1969) produzido por Mike Vernon e com a participação de Mick Taylor dos Rollings Stones. De fato, muitos astros do British blues tiveram a honra de gravar um disco com ele como Alexis Korner em Champion Jack's Natural & Soulful Blues (1961), Paul Kossoff em Whe You Feel The Feeling You Was Feeling (1968) e Aynsley Dunbar que com sua banda The Aynsley Dunbar Retaliation, acompanhou Dupree no álbum The Heart Of The Blues Is Sound (1969). O cara era mesmo um ídolo para os músicos ingleses e ao que parece, também para o púbico, pois em Halifax, cidade inglesa onde morou entre 1970 e 80, foi encomendada uma placa de bronze em sua memória.

Em 1990 Champion Jack Dupree retorna aos Estados Unidos para participar, em sua terra natal, do famoso New Orleans Jazz Heritage Festival. Foi sua primeira visita à cidade desde 1954 e ele simplesmente se tornou a sensação do evento, aproveitando a oportunidade para se reunir com alguns do melhores músicos locais e gravar o aclamado álbum Back Home In New Orleans, produzido por Ron Levy, organista que tocava com B.B. King. Em 1991 ele voltou à América para tocar no mesmo festival e também no Chicago Blues Festival. Mais uma vez adentrou no estúdio para gravar as faixas que seriam lançadas nos discos Forever & Ever e One Last Time. Realmente foi a última vez. Vítima de câncer, faleceu em 21 de janeiro de 1992 na cidade de Hanover, na Alemanha, onde residia. Deixou três esposas, sete filhos e um grande catálogo de gravações, o legado de obras primas de um dos maiores Bluesman de todos os tempos.
Fontes: Wikepedia, Cascade Blues, Wirz.de, Musician Guide e All Music Guide.

CHAMPION JACK DUPREE

William Thomas Dupree, best known as Champion Jack Dupree, was an American blues pianist. His birth date is disputed, given as July 4, July 10, and July 23, in the years 1908, 1909, or 1910. He died January 21, 1992. He was the embodiment of the New Orleans blues and boogie woogie pianist, a true barrelhouse "professor". His father was from the Belgian Congo and his mother was African American and Cherokee. He was orphaned at the age of 2 and sent to the New Orleans Home for Colored Waifs (also the alma mater of Louis Armstrong). He taught himself piano there and later apprenticed with Tuts Washington and the legendary Drive'em Down, whom he called his "father" and from whom he learned "Junker's Blues". He was also "spy boy" for the Yellow Pochahantas tribe of Mardi Gras Indians and soon began playing in barrelhouses, drinking establishments organized around barrels of booze. As a young man he began his life of travelling, living in Chicago, where he worked with Georgia Tom, and Indianapolis, Indiana, where he hooked up with Scrapper Blackwell and Leroy Carr. While he was always playing piano, he also worked as a cook, and in Detroit he met Joe Louis, who encouraged him to become a boxer. He ultimately fought in 107 bouts and winning Golden Gloves and other championships, and picking up the nickname Champion Jack, which he used the rest of his life.

He returned to Chicago at age 30 and joined a circle of recording artists, including Big Bill Broonzy and Tampa Red who introduced him to legendary blues record producer Lester Melrose, who claimed composer credit and publishing on many of Dupree's songs. Dupree's playing is almost all straight blues and boogie woogie, with no ballads or pop songs, not even blues ballads. He was not a sophisticated musician or singer, but he had a wry and clever way with words: "Mama, move your false teeth, papa wanna scratch your gums." He sometimes sang as if he had a cleft palate and even recorded under the name Harelip Jack Dupree. This was an artistic conceit, as Dupree had excellent clear articulation, particularly for a blues singer. He sang about life as he found it, singing about jail, drinking, drug addiction, although he himself was a light drinker and did not use other drugs. His "Junker's Blues" is still sung in New Orleans, and was also transmogrified by Fats Domino into his first hit "The Fat Man". Dupree's songs included not only gloomy topics, such as "TB Blues" and "Angola Blues" (about the infamous Louisiana prison farm), but also cheerful subjects like the "Dupree Shake Dance": "Come on, mama, on your hands and knees, do that shake dance as you please".

On his best known LP, 1958's Blues from the Gutter for Atlantic, he was accompanied on guitar by Larry Dale, whose playing on that LP inspired Brian Jones (of Rolling Stones fame: "Yeah! I have to play this… what a sound"). Dupree was also noted as a raconteur and transformed many of his stories into songs. "Big Leg Emma's" takes its place in the roots of rap music as the rhymed tale of a police raid on a barrelhouse. In later years he recorded with John Mayall, Mick Taylor, and Eric Clapton. Although Jerry Lee Lewis did not record Dupree's "Shake Baby Shake" as suggested by some sources, the lyrics in his version of "Whole Lotta Shakin' Goin' On" -- "You can shake it one time for me!" -- echo Dupree's song. Indeed, Dupree's 1957 rerelease of "Shake Baby Shake" may have been a response to the success of Jerry Lee Lewis's record in that year. Dupree's career was interrupted by military service in World War II. He was a cook in the United States Navy and spent two years as a Japanese prisoner of war.

His biggest commercial success was "Walkin' the Blues", which he recorded as a duet with Mr. Bear. This led to several national tours, and eventually to a European tour. Dupree moved to Europe permanently 1959, the first of many blues stars to make the move to a less racially prejudiced environment. During the 70's and 80's he lived in Halifax, where a bronze plaque has been commissioned in his memory. He continued to record in Europe( with Kenn Lending Band ,Louisiana Red a. o.) and also made many live appearances there, also still working as a cook specializing in New Orleans cuisine. He returned to the United States from time to time and appeared at the New Orleans Jazz & Heritage Festival. He died in Hannover, Germany of cancer.
From: Wikepedia

Blues From The Gutter

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From New Orleans To Chicago

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Raw Blues

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Scooby Dooby Doo

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And His Blues Band

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Back Home In New Orleans

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JOHNNY WINTER

Neste virtual mundo da internet a gente acaba fazendo amigos que nunca vimos e provavelmente nunca veremos. Entre eles está o Mike que me convidou para fazer parte de um blog fechado (desses só para convidados) aonde encontrei a série Johnny Winter Live Bootleg [2007-08], postado por um cara que atende pelo nick de Jobe, mais um desses amigos virtuais. Caramba!! Ouvir o velho Johnny cantando todos aqueles clássicos, me deixou saudoso e me fez lembrar que ele já está nas últimas, porém ainda consegue fazer algumas apresentações, mas somente sentado e que não vão muito além de 30 minutos. Puxa vida, como eu gostaria de poder assistir a uma delas! Estive bem perto disso quando foram anunciados alguns shows dele no Brasil em 2004, mas acabaram cancelados devido à precária condição de saúde do guitarrista. Seria a primeira vez desse lendário bluesman em solo tupiniquim, infelizmente não aconteceu e tudo indica que não acontecerá. Enfim, esse revival me deu vontade de fazer um post em homenagem ao meu grande ídolo, e nada mais legal do que uma homenagem em vida. No ano passado eu postei aqui o Blues Over San Diego de 1974, até então o único disco do Johnny neste blog, então para fazer valer o tributo, além do fantástico Live Bootleg Series, revirei o baú e saquei algumas preciosidades que deixarão os velhos fãs em polvorosa e aqueles que ainda não tiveram o prazer de conhecê-lo, entenderão finalmente porque John Dawson Winter III, o “Tornado do Texas” é, e sempre será, um dos maiores guitarristas de blues em todos os tempos.

Johnny Winter nasceu em 23 de fevereiro, de 1944, em Beaumont, no Texas, para se tornar um dos maiores guitarristas e cantor branco da história do blues. Filho primogênito de John e Edwina Winter, que foi a principal responsável por Johnny e seu irmão Edgar (ambos albinos) se iniciarem ainda crianças no mundo da música. A carreira musical de Johnny começou a ascender em 1968 quando formou um trio com o baixista Tommy Shannon (futuro integrante do mítico Double Trouble, de Stevie Ray Vaughan) e com o baterista Uncle John Turner (que também tocou com Vaughan, só que antes da fama em um grupo chamado Krackerjack). No ano seguinte, Johnny já era atração nos principais festivais de blues e rock, inclusive o lendário Woodstock. Com a fama, veio o dinheiro, com o dinheiro vieram as drogas e com as drogas, alguns problemas. Em 1973, depois de se livrar do vício, ele retorna a cena musical tendo como parceiro de banda o guitarrista e compositor Rick Derringer que escreveu a música “Still Alive and Well” em homenagem a Winter por superar sua dependência, esta canção também seria o título do disco lançado naquele ano, que ainda trás uma incrível interpretação de “Silver Traim” dos Rolling Stones. Em 1977 ele produziu o álbum Hard Again de Muddy Waters, disco obrigatório aos amantes do blues. A parceria resultaria em várias indicações ao Grammy, e Johhny gravou o álbum Nothing But Blues com os integrantes da banda de Muddy. Seu nome entrou para o "Hall da Fama do Blues" em 1988.

Johnny Winter Live Bootleg Series vol. 1

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Johnny Winter has been flattening audiences since he blew out of Texas like a white tornado in 1968. At the tail end of the blues revival when British blues rockers were co-opting America's only indigenous art form, Johnny staked his claim to the title of reigning blues guitar hero with blinding chops as hot as a jalapeno and authentic blues feel as deep, wide and muddy as the Rio Grande. Johnny's studio releases are an unparalleled record of the evolution of a blues master who has never stopped growing and perfecting his unique artistic vision of the music as a living, breathing entity meant to be expressed with spontaneity and unbounded enthusiasm in concert. To the everlasting gratitude of his fans, he has recorded a tremendous number of his shows, amassing an archive of forty plus years of musical treasures. They are now being carefully and painstakingly mastered and will be released over the next several years as the Live Bootleg Series on Friday Music.

Volume One covers a collection of Johnny's vintage performances featuring bassist Jon Paris and drummer Bobby T, his power trio at the time playing with fiery abandon and thundering drive. From his signature hair-raising scream of A LITTLE ROCK AND ROLL! that introduces Johnny B. Goode to his stomping bonus track cover of Bobby Womack's R&B classic It's All Over Now, this musical journey is one of blues and rock, heart and soul. If there is any doubt that he is the premier interpreter of the Rolling Stones, one need only to listen to his cataclysmic version of Jumpin' Jack Flash, to dispel any rumors. It's no wonder Keith and Mick gladly handed him their Silver Train to cover. Any Texan worth his salt and tequila includes Freddie King's Hide Away in his repertoire, but Johnny knows it from the inside out and makes the well- worn classic his own. Ever conscious of his true roots in country blues, he delivers a Southern fried Rollin' and Tumblin' for the ages, stamping it as bonafide with his slashing slide guitar. Further demonstrating his versatility, his original, brooding Stranger makes a case for this overlooked aspect of his talent. As Johnny is quick to point out when anyone calls his recent resurgence as a comeback, But I never went anywhere! These priceless, previously unreleased live recordings only further serve to fill in the gaps in a legacy that continues to be added to with every passing contemporary show and recording.
Review by Dave Rubin - Guitar Player Magazine

01. Johnny B Goode
02. Messin With The Kid
03. Help Me
04. Hideaway
05. Come On In My Kitchen
06. Rollin' and Tumblin'
07. Stranger
08. Jumpin Jack Flash
09. Boney Maroine
10. It's All Over Now

Johnny Winter Live Bootleg Series Vol. 2

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I always knew I d make it, Johnny Winter, cigarette dangling from his lips, told me after a gig one night in 2007 as his tour bus rolled on through the darkness of rural Virginia. I never doubted it. I always knew that playing music was what I was meant to do, and I never even thought about doing anything else. Live Bootleg Series Volume II the second installment in Friday Music s artist-approved releases displays the same unshakable confidence that made Johnny Winter one of the 20th century s most important and influential guitarists. It also illuminates the native Texan s lifelong love affair with the blues, not to mention his absolute mastery of the guitar. Johnny s own searing Black Cat Bone, a tune he first recorded for 1969 s The Progressive Blues Experiment, kicks things off, and it s followed by a true blues story: a tale of persecution, the Mose Allison-penned Parchman Farm, which Johnny transforms into a heavy, groove-laden rocker.

Up next is Rock Me Baby, a hit for B.B. King. To this day, Johnny fondly recalls the night in 1962 in his native Beaumont when B.B., playing a local blues club called The Raven, hesitantly allowed a young Johnny Winter after first checking to see if he had a union card to sit in with his band. (Johnny did, in fact, take the stage that night, and he earned a standing ovation for his efforts.) This riff-heavy reading of B.B. s classic is vintage Johnny, sporting his deep-throated growl and soaring, overdriven blues-rock guitar lines. An undeniable highlight of this collection is the jaw-dropping, 15-minute reading of Willie Brown s Mississippi Blues. Alongside a wailing harmonica, Johnny expertly builds the tune from the bottom up, each turnaround giving way to yet another verse that seems to up the ante even more. By the time the tune concludes its sixth minute and the entire band kicks in, the guitar lines have become simply torrid and there s still a lot more ahead. It sets the table beautifully for what comes next, Johnny s incendiary take on Robert Johnson s Crossroads, which rocks firmly in the spirit of Cream. Closing this collection is a simply unforgettable Red House, in which Winter dedicates the tune to Al Hendrix in memory of his late son Jimi.
Review by Sean McDevitt

01. Black Cat Bone
02. Parchman Farm
03. Rock Me Baby
04. Mississippi Blues
05. Crossroads
06. Red House (Bonus Live Recording)

Johnny Winter Live Bootleg Series vol. 3

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Like any life-changing, chromosome-rearranging event, all guitar fans remember their first time seeing Johnny Winter perform live. For me, the year was 1973, at Madison Square Garden in New York City. Johnny was then embarking on his Still Alive and Well comeback tour. Appearing onstage all in white, his platinum-white hair flowing down to his elbows and playing a blinding white Gibson Firebird V, Johnny beamed with the unbridled energy of a force from some distant galaxy. His performance a combination of earth-shattering guitar playing, searing vocals and wildly energetic stage presence--was nothing short of brilliant. He rocked the Garden so hard that night, the entire building shook in rhythm with the music. During the barn-burning boogie track Rock & Roll, I literally believed that the Garden was going to blast apart at the seams. In the ensuing years, I have seen Johnny perform countless times in arenas, amphitheaters, 1200-seaters, sardine-canned packed clubs (such as NYC s legendary Lone Star Café), rehearsal studios, and even Johnny s own living room. Seeing and hearing Johnny Winter play live is an experience like no other, because, simply stated, no other guitar player has ever entwined raw power, pure emotion, conviction, and virtuosity more effectively than he has.

Live Bootleg Series: Vol. 3 opens with Mojo Boogie. Johnny leads off the tune with some unaccompanied virtuoso slide work, his guitar tuned to open D (one of his favorite tunings for slide), before the band kicks in for a blazing extended intro solo, with bassist Paris offering some double duty by coping Johnny s slide melodies note-for-note on harmonica. The second cut, Stranger Blues, is a killer Elmore James boogaloo that Johnny rips apart with more slide work in open D. This is the type of hard-rockin blues Johnny first introduced to the world back in 1969 with his seminal release, The Progressive Blues Experiment. On the third track, I Smell Trouble Johnny displays the kind of mind-blowing speed and virtuosity that he usually reserves for long workouts over slow blues, while Boot Hill is a hard-driving mid-tempo shuffle on which Johnny effortlessly combines slide guitar with some of the fastest single-note work he s ever recorded.

Next up is a very rare live take of Robert Johnson s Stones in My Pass Way, played in front of a small but appreciative audience. Johnny performs the song unaccompanied with a slide on a National steel guitar tuned to open G. I learned about open tunings from listening to Robert Johnson's King of the Delta Blues, Johnny told me back in 1989. I picked up the concept of using open tunings just by using my own ears, and when I discovered how the open tunings worked with the slide, it was quite a revelation. I m Gonna Murder My Baby, was written by one of Johnny s big guitar influences, Pat Hare. Says Johnny, I m Gonna Murder My Baby is the heaviest blues song ever written! This collection rounds out with a smoldering version of Johnny s most well known track, his slide guitar tour-de-force arrangement of Bob Dylan s Highway 61 Revisited. Johnny Winter is regarded as one of the greatest, most original and most influential slide guitarists ever, and this track offers ample testament to that fact. Today, Johnny Winter is still touring steadily all over the globe, playing and singing as only he can and bringing audiences to their feet wherever he goes. Until the next time you get to see him perform live, Live Bootleg Vol. 3 will keep you covered.
Review by Andy Aledort


1.Mojo Boogie
2.Stranger Blues
3.I Smell Trouble
4.Boot Hill
5.Stones In My Pass Way
6.I'm Gonna Murder My Baby
7.Highway 61 Revisited

Johnny Winter - No Time To Live [2001]

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Live At The Texas Opry House [1997]

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Live In Houston [1993]

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White Lightning [1996]

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UMA BREVE HISTÓRIA SOBRE O BLUES

O blues nasceu no sul dos Estados Unidos quando os escravos transformaram a sua dor em música e verso. É puramente americano e apesar de receber alguma influência da cultura européia e africana, não existem vínculos diretos, sendo fruto da mistura de ambas as culturas. Algo especial e completamente diferente de qualquer tradição que possa ser encontrada nesses continentes, embora o pesquisador americano Alan Lomax (1915 – 2002) tenha encontrado alguns exemplos de canções bem parecidas no Noroeste de África, particularmente entre o Wolof e Watusi. A palavra “blue” foi associada à idéia de melancolia ou depressão desde a era da rainha Elizabeth. O termo "blues", como está agora definido, foi creditado ao escritor americano, Washington Irving, em 1807.

A história da tradição musical do blues é narrada oralmente e quase que unicamente por negros, desde os 1860s. A música africana e européia se fundiram para criar o que eventualmente se tornou o primeiro blues, quando os escravos começaram cantar canções cujas palavras contavam o extremo sofrimento e privação em que viviam. Era o "field holler" (grito do campo), uma forma de resposta para aquele ambiente opressivo. O "field holler" deu origem ao espiritual e ao blues. Alan Lomax define assim este momento: "celebridade entre todas as obras de arte humanas para o desespero profundo... Eles deram voz ao sentimento de alienação, sem regras e normas, que prevalecia nos acampamentos de construção do Sul". Isto se deu no *Delta de Mississipi, onde freqüentemente os negros eram recrutados à força para trabalharem no campo sob maus tratos até serem descartados por invalidez ou morte.

Lomax declara que o blues, tradicionalmente, era considerado uma disciplina masculina. Apesar de alguns dos primeiros blues ouvidos por brancos serem cantados por "ladies blues singers" (cantoras) como o Mamie Smith e Bessie Smith, não se encontravam muitas mulheres negras cantando blues nos juke-joints (também conhecidas como barrelhouses, que eram casas noturnas onde se vendiam bebidas clandestinas e tinham um palco tosco para apresentação dos músicos locais.). As prisões Sulistas também contribuíram consideravelmente para a tradição do blues com canções que falavam do trabalho, da fila da morte, assassinato, prostitutas, o diretor, o sol quente, e centenas de outras privações. Entre os presidiários que trabalhavam nas estradas e os grupos de trabalhadores rurais encontraram-se muitos bluesmen, com suas canções, onde muitos outros negros simplesmente ficaram familiarizados com as mesmas canções.

Seguindo a guerra civil como uma pedra rolante, o blues surgia como um destilado da música africana trazida por escravos. Field hollers, baladas, música de igreja e melodias de dança rítmicas chamadas de jump-ups evoluíram em uma música repentista de um cantor e seu violão. Ele cantava uma linha, e o violão respondia em seguida. Convém lembrar que o violão não desfrutou popularidade difundida com músicos de blues até a virada para o século XX. Até então, o banjo era o instrumento do blues primário. Antes dos 1890s o blues fora cantado em muitas das áreas rurais do Sul. E por volta de 1910, a palavra “blues” como é aplicado à tradição musical, estava em uso e já era bastante comum.

Alguns “blueslogistas” reivindicam (duvidosamente), que o primeiro blues publicado foi “Dallas Blues”, em 1912, escrito por Hart Wand, um violinista branco da cidade de Oklahoma. Mas o formato do blues foi primeiramente popularizado por volta de 1911 - 14 pelo compositor negro W. C. Handy (William Christopher Handy 1873-1958). Porém, a forma poética e musical do blues se cristalizou inicialmente ao redor 1910 e ganhou popularidade pela publicação de “Memphis Blues” (1912) e “St. Louis Blues” (1914), ambas de autoria de Handy. Blues instrumentais tinham sido registrados já em 1913. Mamie Smith gravou a primeira canção de blues vocal, “Crazy Blues” em 1920.

Durante a Primeira Guerra Mundial (1914 – 1918) esse tipo de música foi segregado dentro das tropas americanas através de soldados sulistas que tinham sido expostos a ela. E já nos anos vinte, o blues se tornou uma moda nacional. Foi quando surgiram as primeiras gravações que imortalizaram artistas como Robert Jonhson, Charley Patton e Blind Lemmon Jéferson, Mas por uma ironia do destino, dentro de um meio predominantemente masculino, quem fez sucesso mesmo foram as "ladies blues singers". Os discos gravados por divas como Bessie Smith e, pouco depois, Billie Holiday venderam aos milhões. Ainda neste período, o blues ganhou uma popularidade maior também entre os músicos de jazz.

Na passagem das décadas de 30 e 40 ele se esparramou em direção ao norte com a migração de negros sulistas e acabou sendo introduzido no repertório das big bands. Foi por aí que começou também a eletrificação do blues com a introdução da guitarra elétrica. Em algumas cidades do norte como em Chicago e Detroit, ao final dos anos 40 e início dos 50, guitarristas como Muddy Waters, Willie Dixon (este era baixista), John Lee Hooker, Howlin' Wolf, Elmore James e outros tantos cantavam o que ficou conhecido como Mississippi Delta Blues, acompanhados por baixo, bateria, piano e, ocasionalmente gaita, começando a emplacar hits nacionais com canções de blues. Ao mesmo tempo T-Bone Walker, em Houston, e B.B. King, em Memphis, eram os pioneiros de um estilo de tocar guitarra que combinava as técnicas do jazz com as tonalidades do blues em seus repertórios.

No início da década de 60 o bluesmen urbano foi “descoberto” por jovens músicos brancos americanos e europeus. Muitas dessas bandas baseadas em blues como Paul Butterfield Blues Band, The Rolling Stones, The Yardbirds, John Mayall's Bluesbreakers, Cream, Canned Heat, and Fleetwood Mac levaram esse som para uma audiência de jovens brancos, coisa que os artistas negros de blues não puderam fazer na América, a não ser através de covers dos ritmos negros furtados pelos brancos. Desde aquela época até hoje, o rock tem assistido a vários revivals. Alguns dos grandes guitarristas de rock como Eric Clapton, Jimmy Page, Jimi Hendrix, e Eddie Van Halen usaram o blues como base no aperfeiçoamento de seus estilos.
Tradução do texto original de Robert M. Baker encontrado no site The Blue Highway

Agora eu gostaria de acrescentar aqui algo que Robert Baker tentou dizer, mas não conseguiu com muita propriedade: é que essa apropriação branca da música negra acabou sendo de certa forma benéfica aos negros que depois acabaram ganhando o crédito devido. Não sou nenhum Dr. ou Prof., mas acompanhei bem os anos sessenta, sou bom observador e na minha impressão, o preconceito americano foi uma forte barreira para que a música negra chegasse aos brancos, em especial ao público jovem. No entanto, na Europa, embora também houvesse o preconceito racial, isso não foi empecilho para que Chuck Berry, Robert Johnson, Leadbelly, Sonny Boy Williamson e tantos outros fossem reconhecidos como grandes talentos e influenciassem músicos como Eric Burdon, Rory Gallagher, Brian Jones, Ian Anderson, Alvin Lee, Ritchie Blamoore e outros nomes aqui citados. A bem da verdade, o blues precisou cruzar o Atlântico para revolucionar a música, tornando-se popular entre o público branco e só então, retornou consagrado aos Estados Unidos, para desta vez, ter reconhecido seus verdadeiros heróis!

*Muitos sabem que o Blues teve como berço o Delta do Mississipi, no entanto, a grande maioria pensa que foi nas vizinhanças de Nova Orleans. Errado: este foi o berço do jazz. O Delta que os bluesmen se referem, como uma espécie de país místico, é o delta lamacento do rio Yazoo, que junta sua águas às do rio Mississipi nas proximidades de Vicksburg, região de inundações aonde camadas de lama vão se depositando a cada primavera. Esta região possuía terras ricas para o plantio de algodão, e por isso, ali vivia uma densa população afro-americana, que servia como mão-de-obra escrava das lavouras. (Fred Cardoso e Lucas Scarascia - “A História do Blues”)

A BRIEF HISTORY OF THE BLUESby Robert M. Baker

Joseph Machlis says that the blues is a native American musical and verse form, with no direct European and African antecedents of which we know. (p. 578) In other words, it is a blending of both traditions. Something special and entirely different from either of its parent traditions. (Although Alan Lomax cites some examples of very similar songs having been found in Northwest Africa, particularly among the Wolof and Watusi. p. 233)

The word 'blue' has been associated with the idea of melancholia or depression since the Elizabethan era. The American writer, Washington Irving is credited with coining the term 'the blues,' as it is now defined, in 1807. (Tanner 40) The earlier (almost entirely Negro) history of the blues musical tradition is traced through oral tradition as far back as the 1860s. (Kennedy 79)

When African and European music first began to merge to create what eventually became the blues, the slaves sang songs filled with words telling of their extreme suffering and privation. (Tanner 36) One of the many responses to their oppressive environment resulted in the field holler. The field holler gave rise to the spiritual, and the blues, "notable among all human works of art for their profound despair . . . They gave voice to the mood of alienation and anomie that prevailed in the construction camps of the South," for it was in the Mississippi Delta that blacks were often forcibly conscripted to work on the levee and land-clearing crews, where they were often abused and then tossed aside or worked to death. (Lomax 233)

Alan Lomax states that the blues tradition was considered to be a masculine discipline (although some of the first blues songs heard by whites were sung by 'lady' blues singers like Mamie Smith and Bessie Smith) and not many black women were to be found singing the blues in the juke-joints. The Southern prisons also contributed considerably to the blues tradition through work songs and the songs of death row and murder, prostitutes, the warden, the hot sun, and a hundred other privations. (Lomax) The prison road crews and work gangs where were many bluesmen found their songs, and where many other blacks simply became familiar with the same songs.

Following the Civil War (according to Rolling Stone), the blues arose as "a distillate of the African music brought over by slaves. Field hollers, ballads, church music and rhythmic dance tunes called jump-ups evolved into a music for a singer who would engage in call-and-response with his guitar. He would sing a line, and the guitar would answer it." (RSR&RE 53) (author's note: I've seen somewhere, that the guitar did not enjoy widespread popularity with blues musicians until about the turn of the century. Until then, the banjo was the primary blues instrument.) By the 1890s the blues were sung in many of the rural areas of the South. (Kamien 518) And by 1910, the word 'blues' as applied to the musical tradition was in fairly common use. (Tanner 40)

Some 'bluesologists' claim (rather dubiously), that the first blues song that was ever written down was 'Dallas Blues,' published in 1912 by Hart Wand, a white violinist from Oklahoma City. (Tanner 40) The blues form was first popularized about 1911-14 by the black composer W.C. Handy (1873-1958). However, the poetic and musical form of the blues first crystallized around 1910 and gained popularity through the publication of Handy's "Memphis Blues" (1912) and "St. Louis Blues" (1914). (Kamien 518) Instrumental blues had been recorded as early as 1913. Mamie Smith recorded the first vocal blues song, 'Crazy Blues' in 1920. (Priestly 9) Priestly claims that while the widespread popularity of the blues had a vital influence on subsequent jazz, it was the "initial popularity of jazz which had made possible the recording of blues in the first place, and thus made possible the absorption of blues into both jazz as well as the mainstream of pop music." (Priestly 10)

American troops brought the blues home with them following the First World War. They did not, of course, learn them from Europeans, but from Southern whites who had been exposed to the blues. At this time, the U.S. Army was still segregated. During the twenties, the blues became a national craze. Records by leading blues singers like Bessie Smith and later, in the thirties, Billie Holiday, sold in the millions. The twenties also saw the blues become a musical form more widely used by jazz instrumentalists as well as blues singers. (Kamien 518)

During the decades of the thirties and forties, the blues spread northward with the migration of many blacks from the South and entered into the repertoire of big-band jazz. The blues also became electrified with the introduction of the amplified guitar. In some Northern cities like Chicago and Detroit, during the later forties and early fifties, Muddy Waters, Willie Dixon, John Lee Hooker, Howlin' Wolf, and Elmore James among others, played what was basically Mississippi Delta blues, backed by bass, drums, piano and occasionally harmonica, and began scoring national hits with blues songs. At about the same time, T-Bone Walker in Houston and B.B. King in Memphis were pioneering a style of guitar playing that combined jazz technique with the blues tonality and repertoire. (RSR&RE 53)

In the early nineteen-sixties, the urban bluesmen were "discovered" by young white American and European musicians. Many of these blues-based bands like the Paul Butterfield Blues Band, the Rolling Stones, the Yardbirds, John Mayall's Bluesbreakers, Cream, Canned Heat, and Fleetwood Mac, brought the blues to young white audiences, something the black blues artists had been unable to do in America except through the purloined white cross-over covers of black rhythm and blues songs. Since the sixties, rock has undergone several blues revivals. Some rock guitarists, such as Eric Clapton, Jimmy Page, Jimi Hendrix, and Eddie Van Halen have used the blues as a foundation for offshoot styles. While the originators like John Lee Hooker, Albert Collins and B.B. King--and their heirs Buddy Guy, Otis Rush, and later Eric Clapton and the late Roy Buchanan, among many others, continued to make fantastic music in the blues tradition. (RSR&RE 53) The latest generation of blues players like Robert Cray and the late Stevie Ray Vaughan, among others, as well as gracing the blues tradition with their incredible technicality, have drawn a new generation listeners to the blues.

Works Cited:
Kamien, Michael. _Music: An Appreciation_. 3d Ed. N.Y.: McGraw Hill, 1984.; Kennedy, Michael. _The Concise Oxford Dictionary of Music_. N.Y.: 1980.; Lomax, Alan. _The Land Where the Blues Began_. N.Y.: Pantheon Books, 1993.; Pareles, Jon and Patricia Romanowski, eds. _The Rolling Stone Encyclopedia of Rock and Roll_.N.Y.: Rolling Stone Press, 1983.; Priestly, Brian. _Jazz On Record: A History_. N.Y.: Billboard Books, 1991.; Salzman, Eric and Michael Sahl. _Making Changes_. N.Y.: G. Schirmer, 1977.; Shapiro, Harry. _Eric Clapton: Lost in the Blues_. N.Y.: Da Capo Press, 1992.; Tanner, Paul and Maurice Gerow. _A Study of Jazz_. Dubuque, IA: William C. Brown Publishers, 1984.

Alan Lomax - Prison Songs [1997]
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Interessante trabalho do historiador Alan Lomax sobre as canções dos prisioneiros negros nas fazendas de trabalhos forçados, aonde nasceram os primeiros blues.

Martin Scorsese Presents The Blues [2003]
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Eis aqui um abrangente trabalho de documentação do blues através dos tempos, realizado pelo cineasta Martin Scorsese, essa maravilhosa seleção foi trilha de um documentário que eu ainda não tive o prazer de assistir, mas gostaria muito.

The Encyclopedia of Early Blues Classics [2001]

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Coletânea que reúne os principais intérpretes do blues nos seus primeiros anos através de uma ótima seleção de músicas.

R. Crumb's Heroes Of Blues, Jazz & Count [1980]

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Já essa seleção é um trabalho feito pelo famoso cartunista Robert Crumb e foi uma espécie de brinde para quem comprou um calendário com arte de blues que ele lançou este ano. A proposta é similar ao disco a cima, mas trazendo nomes não tão manjados entre os mestres do estilo.

Eric Clapton - Legends Flawless [1997]

Depois de postar Jack Bruce e Ginger Baker, tocando jazz entre virtuosos, nada mais justo que completar essa “cremosa” trilogia com Eric Clapton mandando ver um jazz entre feras do gênero. Isso mesmo “Mr. Slowheands” tocando jazz! Se você achava que tal coisa não era possível, então saiba que já aconteceu e o disco está aqui para comprovar o fato. Quem teve a oportunidade de assistir ao DVD Legends Live at Montreux 1997, lançado apenas recentemente, teve uma idéia do que é isso. Na verdade é mais como Clapton tocando jazz, r&b, funk e blues. Foi uma das raras investidas que ele fez no estilo, portanto não espere nada muito aguçado.

A formação foi composta por jazzistas de primeira grandeza, apesar do resultado um tanto quanto modesto: Marcus Miller no baixo, David Sanborn no sax, Joe Sample nos teclados e Steve Gadd na bateria. Na faixa de abertura do disco um, uma levada funk, temos a impressão de que é David Sandorn quem da à deixa para Clapton se soltar e sair solando. Somente em “Ruthie” e “Put It Where You Want It” que se ouve o Clapton de sempre se sobressaindo. É difícil dizer ao certo se quando Clapton formou esse grupo, no verão de 1997, ele tencionava apenas participar dos festivais de jazz ou se ele procurava por novos rumos. O selo bootleg, Mid Valley Records, fez o lançamento de Legends Flawless a partir das gravações dos ensaios que o grupo fez no S.I.R. Rehearsal Studios de Hollywood, Califórnia, por ocasião das apresentações no Montreux Jazz Festival (4 de julho); North Sea Jazz Festival (Holanda, 11 de julho) e no Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz (Espanha, 17 de julho), condensando as horas de ensaios gravados em dois CDs.

Eu peguei esse arquivo no site Guitar 101 e o cara que postou isso lá, baixou o material de um tal de BluesFan. Em suas notas sobre o disco, BluesFan comentou: “Eu não estou bem certo sobre o que essas faixas são realmente. O disco dois soa mesmo como um ensaio, muito bem tocado é verdade. Mas o no disco um, tenho a impressão de que as músicas foram trabalhadas com a intenção de se gravar um álbum. A fofoca que correu entre os “claptonmaníacos”, foi que Roger Forrester (manager do EC na época) foi mortalmente contra a Clapton dividir a sua fama com quem quer que fosse, e assassinou o álbum”.

Realmente acho que as suspeitas do nosso amigo BluesFan, têm lógica, pois as músicas do segundo disco realmente dão à impressão de um grupo de amigos levando um som, enquanto as do primeiro estão bem lapidadas e resolvidas. A repetição de alguns temas prova que eles procuravam diferentes soluções para as faixas. Talvez toda essa impressão se deva pela excelência dos músicos aqui reunidos, mas é possível que os boatos sobre Roger Forrester tenham algum fundamento, afinal eles foram para um estúdio e gravaram uma série de takes.

Se o empresário dele aprova ou não, eu não estou nem aí. Porque a idéia de se ouvir Eric Clapton tocando jazz é boa demais para se deixar passar, fazendo deste primoroso Legends Flawless uma peça imprescindível na coleção de qualquer “claptonmaníaco” que se preze!

Eric Clapton - Legends Flawless


Clapton The Jazzman? Actually, it's more like Eric Clapton plays jazz, R&B, funk and blues. Those who picked up the Legends - Live At Montreux 1997 DVD, which was only released last year, would have an idea of Clapton playing jazz. It's one of those rare jazz forays that Clapton made but don't expect cutting edge jazz here.The lineup is quite stellar, though on the mainstream side - Marcus Miller on bass, David Sanborn on saxophone, Joe Sample on keyboards and piano and Steve Gadd on drums. For example, the opening track on Disc One (of the Rehearsals) is more funky than expected though it is David Sanborn who seems to be giving Clapton a run for his money. It's only on Ruthie and Put It Where You Want It that one hears the "usual" Clapton striking out.

Whether Clapton formed the group (in the summer of 1997) specifically to play the jazz festivals or this was a new direction he was trying out is anyone's guess. Mid Valley Records has released Legends Flawless, an eight-CD set that comprises two rehearsal discs and appearances by the group at the Montreux Jazz Festival (July 4, 1997); North Sea Jazz Festival (Netherlands, July 11, 1997) and the Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz (Spain, July 17, 1997).

Thanks to BluesFan for sharing the tracks on the internet. In his notes on these two Rehearsal discs, BluesFan says: "I am somewhat skeptical as to what these tracks really are. Disc Two does sound like rehearsals but pretty darned polished ones. Disc One, on the other hand, could be pretty final takes for an album. The scuttlebutt amongst my Claptonophile cronies is that Roger Forrester (EC's manager at the time) was mortally opposed to anything where Eric had to share the billing with anyone else, and killed the album."

Not exactly drive time jazz, it's still easy listening and fairly entertaining. The idea of Clapton playing jazz is too good to pass by and the pristine sound here makes this set a definite must for Clapton fans.
-> Text of unknown author

Eric Clapton - Legends Flawless 1
Eric Clapton - Legends Flawless 2