Mahavishnu John McLaughlin & Devadip Carlos Santana - A Live Supreme [1973]

Um dos primeiros post deste blog foi bootleg de outtakes do álbum Love, Devotion & Surrender, de Mahavishnu John McLaughlin & Devadip Carlos Santana. Atendendo ao pedido de El Gran Chihuahua (aka Sara Celeste, Gordito Peligrosso e outros codinomes do mesmo calibre) estou postando agora o A Live Supreme, disco que traz o registro da apresentação destes dois monstros da guitarra no International Amphitheatre de Chicago, em 1 de setembro, de 1973 e que, para a alegria geral, apresenta um som estéreo de boa qualidade, extraído diretamente da mesa do operador de som e masterizado pelo selo pirata Japanese Mainstream. Esta foi uma das poucas apresentações que aconteceram para dar suporte de vendagem ao Love, Devotion & Surrender, após o seu lançamento. Acompanhando McLaughlin & Santana estão o baterista Billy Cobham, com Doug Rauch no baixo, Larry Young nos teclados e na percussão Armando Peraza. Som com boa qualidade e um line-up desses, acho que não preciso dizer mais nada!!

Mahavishnu John McLaughlin & Devadip Carlos Santana - A Live Supreme

Live at International Amphitheatre, Chicago, USA, Sept 1, 1973.
Here is a live presentation from that brief tour in support of Love, Devotion & Surrender. This is a very good to excellent soundboard recording of a typical show taken from the Japanese Mainstream label. As far as we can ascertain, these tracks have never been officially released.

John McLaughlin & Carlos Santana - A Live Supreme 1
John McLaughlin & Carlos Santana - A Live Supreme 2
John McLaughlin & Carlos Santana - A Live Supreme 3

Mats / Morgan Band - Thanks For Flying With Us [2005]

O tecladista Mats Oberg e o baterista Morgan Agren começaram a tocar juntos há 25 anos atrás. Quando Mats tinha apenas onze anos de idade e Morgan quinze. Originalmente foram fortemente influenciados por Frank Zappa, na verdade tocaram com o Zappa em 1988, embora esta influência possa ser notada ainda hoje, já há muito que encontraram um som próprio. Em meado dos anos 90, eles começaram a lançar CDs pelo selo de Morgan o UAE, conseguindo manter uma banda com formação mais estável, que tem impressionado platéias na Europa e nos Estados Unidos desde 2001 e que conta com Mats and Robert Elovsson nos teclados, Jimmy Agren na guitarra, Tommy Thordsson no baixo e Morgan na bateria. Músicos de soberba habilidade, que fazem o quinteto soar como uma unidade bem lapidada e coesa, com composições mais desenvolvidas que nos primeiros trabalhos, revelando uma sonoridade própria calcada no jazz-rock-progressivo e caracterizada por uma fusão moderna de complexidade, composição, andamento e ritmos.
Thanks For Flying With Us é o sétimo álbum deles, o primeiro a ser lançado fora da Suécia e também o primeiro de estúdio desde 1997. Este é um excelente álbum, de uma baita banda que ainda espera pelo reconhecimento mundial!
-> tradução Bernardo Gregori e Woody

“Eles tocaram demais, demais.” - Frank Zappa
“Excelente conhecimento técnico e habilidade.” - Bill Bruford
“Simplesmente inacreditável, eles me fizeram viajar, foi tão bom. Comprem seus CDs.” - Mike Keneally
“Este som é altamente recomendado!” – Woody

Mats / Morgan Band - Thanks For Flying With Us

Mats Oberg (keyboards) and Morgan Agren (drums) first began playing together 25 years ago (!!) when Mats was 11 and Morgan was 15. Originally very influenced by Frank Zappa, they actually played with Zappa in 1988, but while some of the Zappa influence remains, they have long since found their own voices. In the mid 90's, they began releasing CDs on Morgan's UAE label, eventually forming a stable band, which has been amazing audiences in Europe and the USA since 2001, and which consists of Mats and Robert Elovsson-keyboards, Jimmy Agren-guitar, Tommy Thordsson-bass and Morgan-drums. All players with superb playing ability, the quintet plays as a well-honed, cohesive unit, with more developed compositions than in earlier works, showing the band arriving at its own voice in progressive jazz/rock, with a modern-sounding blend of complexity, composition, chops and beats. Thanks For Flying With Us is their seventh album, their first release outside of Sweden and their first studio work since 1997. This is a great album by an absolutely monster band who await the world's discovery!
-> Text from www.cuneiformrecords.com

"They played unbelievable, just unbelievable."- Frank Zappa.
"Remarkable technical expertise and playing skills"- Bill Bruford
"Absolutely unbelievable, they drove me right out of my mind, it was
so good. Buy their albums." - Mike Keneally.
"This album is extremely recommended! " - Woody

Mats / Morgan Band - Thanks For Flying With Us 1 -> Link Fixed
Mats / Morgan Band - Thanks For Flying With Us 2

Johnny Winter - Blues Over San Diego [1974]

Antes de começar a falar sobre este disco, gostaria de esclarecer alguns fatos sobre o início de carreira deste grande bluesman. John Dawson Winter III, ou simplesmente Johnny Winter, nasceu em 23 de fevereiro, de 1944, em Beaumont, no Texas, para se tornar um dos maiores guitarristas e cantor branco da história do blues. Filho primogênito de John e Edwina Winter, que foi a principal responsável por Johnny e seu irmão Edgar (ambos albinos) se iniciarem cedo na carreira musical, pois ambos eram crianças quando começaram a tocar por aí. Johnny e sua banda, The Jammers, gravaram o primeiro disco, "School Day Blues", por um selo de Houston quando ele tinha apenas 15 anos. Durante esse mesmo período ele já acompanhava com admiração a carreira de B.B. King, Bobby Bland e Muddy Waters, de quem ele se tornaria produtor anos mais tarde. Em 1968 começou a tocar com o baixista Tommy Shannon (futuro integrante do mítico Double Trouble, de Stevie Ray Vaughan) e com o baterista Uncle John Turner (que também tocou com Vaughan, só que antes da fama em um grupo chamado Krackerjack). O jornalista Larry Sepulvado, da revista Rolling Stones, presenciou algumas performances do trio e acabou escrevendo um artigo que ajudou e gerar interesse no grupo e ao final daquele ano eles lançaram o álbum Johnny Winter. No ano seguinte, Johnny já era atração nos principais festivais de rock, inclusive o lendário Woodstock, onde lamentavelmente sua atuação não foi registrada no filme, assim como a de Janis Joplin, Otis Redding, Creedance, Moutain e outros, porque havia apenas uma equipe de filmagem e ela estava descansando na hora dessas apresentações. Foi por essa época que teria acontecido o histórico encontro dele com Jimi Hendrix e Jim Morrison no New York City's Scene Club, registrado no bootleg Woke Up This Morning and Found Myself Dead, um dos maiores embustes da pirataria, que ainda pode ser encontrado por aí em diversos blogs e em sebos. Sobre isso Johnny declara: “Oh, eu nunca me encontrei com Jim Morrison! Tem um disco aí com Jimi, Jim e supostamente eu, mas não pode ser porque nunca estive com Morrison na minha vida! Tenho certeza, eu nunca, nunca toquei com Jim Morrison, e isto é um fato! Não faço idéia de como esse boato surgiu”. Por isso, se você tem esse bootleg, que por sinal é mal gravado pra cacete, pode riscar o nome de Johnny Winter da capa.
Agora vamos ao que interessa: em 1973, depois de se livrar das drogas, ele retorna a cena musical tendo como parceiro de banda o guitarrista e compositor Rick Derringer que escreveu a música “Still Alive and Well” em homenagem a Winter por superar sua dependência, esta canção também seria o título do disco lançado naquele ano, que ainda trás uma incrível interpretação de “Silver Traim” dos Rolling Stones. Em 1974 ele fez apresentações nos EUA e pela Europa e ainda arrumou tempo para lançar dois discos: John Dawson Winter III (em dezembro) e Saints And Sinners (em março). E foi exatamente no dia 30 março, na Califórnia, que aconteceu a gravação deste bootleg Johnny Winter - Blues Over San Diego, gravado diretamente da mesa de som para a radio transmissão do King Biscuit Flower Hour. Não bastasse a excelente qualidade sonora dessa gravação, o homem tava mesmo endiabrado naquele dia. E já primeira faixa “Good Love” Johnny mostra para o que veio, um power blues daqueles nervosos, com solos de arrepiar; na seqüência, “Bad Luck Situation” também não deixa por menos e “Stone County” segue a mesma tônica. Então, entra uma sessão “rolligstonica” que se inicia com “Silver Traim”, seguida de “Jumping Jack Flash” e do famoso clássico de Chuck Berry “Johnny B. Good”. Para dar um respiro, vem uma fantástica versão de “Hey Joe” com mais de quatorze minutos de duração e outra de longa metragem: “Mississipi Blues” que começa contida, mas vai ganhando intensidade à medida que transcorre. A pauleira volta com tudo para finalizar com “Bony Moronie” e aqueles solos poderosos a la Winter. Não é a toa que esta é considerada uma das melhores gravações de rádio do Johnny Winter. Eta “bootlegzinho” matador esse!!
Fonte -> Wikipedia

Johnny Winter - San Diego, California 1974

John Dawson "Johnny" Winter III (born on 23 February 1944 in Beaumont, Texas, USA) is an American blues guitarist, singer, and producer. He is the first son of John and Edwina Winter who were very much responsible for Johnny's and his younger brother's, Edgar Winter's, early musical awareness. Both Johnny and Edgar have albinism. He began performing at a young age with Edgar. His recording career began at the age of 15, when their band Johnny and the Jammers released "School Day Blues" on a Houston record label. During this same period, he was able to see performances by classic blues artists such as Muddy Waters, B. B. King and Bobby Bland. In 1968, Johnny began playing in a trio with bassist Tommy Shannon and drummer Uncle John Turner. An article in Rolling Stone magazine written by Larry Sepulvado helped generate interest in the group. The album Johnny Winter was released near the end of that year. In 1969 they performed at numerous rock festivals including Woodstock. Contrary to urban legend, however, Johnny did not perform with Jimi Hendrix and Jim Morrison on the infamous Hendrix bootleg recording "Woke Up This Morning and Found Myself Dead" done at New York City's Scene Club. He has said, "Oh, I never even met Jim Morrison! There's a whole album of Jimi and Jim and I'm supposedly on the album but I don't think I am `cause I never met Jim Morrison in my life! I'm sure I never, never played with Jim Morrison at all! I don't know how that [rumour] got started."
In 1973, after struggling with a drug problem, he returned to the music scene in classic form with Still Alive and Well, a song written by Rick Derringer saluting Winter for overcoming his addiction. This Bootleg was recorded in 1974 – March – 03, in a day of great inspiration (Johnny was terrific). The sound was captured from soundboard, to King Biscuit Flower Hour transcription LP or reel. The most known Johnny Winter radio show from this era, uncertain date and venue. Absolutely killer!
From -> Wikipedia







Johnny Winter - San Diego, California 1
Johnny Winter - San Diego, California 2

Robert Plant & Alison Krauss - Raising Sand [2007]

Aproveitando o furor “zeppeliniano” que se instaurou desde o anúncio do retorno da banda ao palco, agendado para novembro, em Londres, resolvi postar este Raising Sand, que oficialmente só será lançado em 23 de outubro, mas já circula em vários blogs por aí. Bem, Robert Plant dispensa apresentações, mas muita gente deve estar se perguntando: quem catsu é Alison Krauss? Se você foi um deles, é que, assim como eu, não está nem aí para a música country, aquela bem ao estilo de Nashville que os ianques chamam de bluegrass. Krauss é uma das novas estrelas desse estilo musical e segundo os críticos ela é uma espécie de alternativa para quem curte um sonzinho com sotaque caipira, mas não chega a ser ortodoxo. Esta mistura entre dois ícones em seus respectivos estilos, resultou numa sonoridade bastante equilibrada e agradável, não pendendo nem para o bluegrass e tão pouco para o rock, ficou bem ali no “meinho” e certamente agradará aos fãs de ambos os estilos. Gravado em Nashville e Los Angeles o trabalho conta com a produção do músico e renomado produtor T Bone Burnett, que já trabalhou com Counting Crows, Los Lobos, Elvis Costello, Wallflowers, Roy Orbison e mais uma cacetada de gente do mesmo quilate. No repertório a dupla interpreta canções pouco conhecidas e inéditas de Tom Waits, Townes Van Zandt, Everly Brothers, Gene Clark, entre outros. E ainda uma versão de “Please Read the Letter”, de autoria de Plant e Jimmy Page, lançada no álbum Walking Into Clarksdale (1998). Esta não é a primeira vez que eles cantam juntos, há alguns anos atrás eles dividiram o palco do Rock and Roll Hall of Fame em um tributo ao pioneiro do blues Leadbelly. Em Raising Sand, a dupla é acompanhada pelos guitarristas Marc Ribot e Norman Blake, o multiinstrumentista Mike Seeger, o baterista Jay Bellerose e o baixista Dennis Crouch.
“São dois cantores capazes de lidar com uma vasta gama de material – contadores de histórias. É como se você olhasse para elas”, Afirma T Bone Burnett.
Fonte -> Portal de notícias da Globo

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Robert Plant & Alison Krauss - Raising Sand

The musical collaboration of the decade, Raising Sand is the sound of two iconic figures stepping out of their respective comfort zones and letting their instincts lead them across a brave new sonic landscape. Despite hailing from distinctly different backgrounds, Alison Krauss and Robert Plant share a maverick spirit and willingness to extend the boundaries of their respective genres. This spirit, expertly honed by producer T Bone Burnett, has resulted in an album pitched three steps beyond some cosmic collision of early urban blues, spacious West Texas country, and the untapped potential of the folk-rock revolution. Supported by the unparalleled musicianship of Marc Ribot, Dennis Crouch, Mike Seeger, Jay Bellerose, Norman Blake, Greg Leisz, Patrick Warren, and Riley Baugus, Plant and Krauss -- as both solo and harmony vocalists -- tackle an intriguing selection of songs from such tunesmiths as Tom Waits, Gene Clark, Sam Phillips, Townes Van Zandt, The Everly Broth! ers, and Mel Tillis. Raising Sand finds Robert Plant and Alison Krauss exploring popular music's elemental roots while still sounding effortlessly, breath-takingly contemporary.
From -> Editorial review by Amazon.com

Robert Plant & Alison Krauss - Raising Sand

Half Man - The Complete Field Guide For Cynics [1998]

Este disco eu encontrei no blog 60-70 Rock e embora seja um grupo dos anos 90 o som é no melhor estilo stoned-guitar setentista. O Half Man é uma banda sueca formada originalmente em 1986, mas se dissipou dois anos depois retornando em 1990 com o guitarrista e vocalista original, Janne Bengtsson, o baixista Patric Carlsson acompanhados pelo guitarrista Peter Lilja e Roger Bengtsson na bateria. Este excelente The Complete Field Guide For Cynics, nasceu de uma demo registrada em 1994, sendo lançado somente em 98, quando o próprio grupo resolver bancar uma pequena tiragem de 500 cópias. A iniciativa deu resultado e logo em seguida o disco foi lançado em larga escala pelo selo Border Records. Apesar de gozar de certo prestígio local, o grupo não ganhou muito destaque em termos internacionais e seu segundo registro seria um split junto a uma banda chamada Mothercake em 2000 e depois, uma participação em um tributo ao Aerosmith, chamado: Right in the Nuts. O segundo e último álbum do Half Manm, Red Herring, só saiu mesmo em 2002 e foi lançado pelo selo italiano Beard of Stars.

Half Man - The Complete Field Guide For Cynics

Half Man formed in 1986 but split after two years. The band reformed in 1990 with original guitarist/vocalist Janne Bengtsson and bassist Patric Carlsson accompanied by guitarist Peter Lilja and drummer Roger Bengtsson.[1] A demo was recorded in 1994 but an album was not recorded until 1998, when the band self-released The Complete Field Guide for Cynics in a limited run of 500.[2] Border Records picked up the album and re-released it in larger quantities. The band released a split 7" with Mothercake in 2000 and appeared on Small Stone Records tribute to Aerosmith, Right in the Nuts. The band released their second and final album in 2002 entitled Red Herring on the Italian label Beard of Stars.

-> text from Wikipedia

Half Man - The Complete Field Guide For Cynics

Led Zeppelin Live at Southampton University [1973]

Este disco do Led está rolando em alguns blogs por aí, parece que a descoberta desta gravação é recente, mas a que estou postando aqui trás algumas vantagens:
· A primeira delas é que as faixas foram remasterizadas por um cidadão de codinome Theface07. E não é que o cara fez um belo trabalho! Eu havia baixado este disco anteriormente de outra fonte onde a voz de Robert Plant aparecia no fundo e todo som estava meio abafado. Com o toque de Midas do nosso amigo 07 ficou quase perfeito. Quase porque na faixa de abertura, “Rock and Roll”, não se houve direito a voz na primeira frase da letra, mas creio que isso é defeito na gravação original e que foi ajustado pelo operador de som durante o show.
· A segunda é que, por ser uma descoberta recente, o disco não tem capa e muitos usaram um pôster do show (aliás, esse cartaz foi censurado na época) como "rótulo de improviso". Theface07 até tentou fazer algo parecido com uma capa, mas nisso ele não é muito bom. Então resolvi produzir uma capa a altura desse belo disco e depois de algumas tentativas, fiquei bem feliz com o resultado final, inspirado no cartaz censurado que me lembrou a arte do Led Zeppelin II.

-> Texto retirado do site Big O.
Durante os últimos quatro meses os fãs de Led Zeppelin se emocionaram com a “descoberta” de uma nova gravação ao vivo da banda. O Google News reportou: “esta gravação profissional, mixada em vários canais de um show realizado pela banda em 1973, em Southampton, no Reino Unido, está criando a maior excitação. Já foi lançada por dois selos piratas japoneses: a Empress Valley (Live At Southampton University: Working Tapes) e a Nasty Music (The Great Lost Live Album). E pelo menos três fãs já pegaram a quota original do site Presence para oferecer suas próprias remasterizações deste novo show”. Esta aqui foi proporcionada por Theface07 que dividiu as faixas ilesas na internet. Nas notas que acompanham as faixas, mister 07 diz: “este registro incrível supostamente foi tirado de uma master tape com registro em várias pistas. Se esta informação for, de fato, verdadeira, esta é uma mixagem estéreo de primeira geração. Acredito que isso seja realmente verdade dada à qualidade impecável da gravação. Este é o show completo, o que é raro com qualidade de soundboard. Tive a oportunidade de remasterizar a gravação, pois achei necessários alguns pequenos ajustes. Em primeiro lugar há um ruído na fonte, proveniente de freqüências médio-baixas. Ajustei-a. Em segundo lugar, os níveis oscilam de faixa para faixa na matriz. Eu consertei esta variação. Utilizei, também uma leve compressão com o intuito de chegar em um som mais balanceado e crespo. O que consegui produzir, como resultado destas edições, é na minha opinião, uma nitidez superior. Espero que vocês concordem! Não usei nenhum limitador ou redutor de ruídos. Aproveitem este novo clássico do Zeppelin!”
-> Gravado no antigo refeitório da Southampton University em 22 de janeiro de 1973.
-> Agradecimentos especiais ao Bernardo Gregori pela tradução.

Led Zeppelin Live at Southampton University

Live at The Old Refectory, Southampton University, January 22, 1973.
For the past month or so, Led Zeppelin fans have been rejoicing with the "discovery" of a new live recording of the group. Google News reported: "Creating more excitement is the Led Zeppelin show from 1973 recorded professionally and mixed via multi-tracks from a show in Southampton, UK. It has already been released by two Japanese bootleg labels, Empress Valley [Live At Southampton University: Working Tapes] and Nasty Music [The Great Lost Live Album]. And at least three fans have taken the original share from the Presence site to offer their own fan "remaster" of this new show."
Thanks to theface07 who shared the lossless soundboard tracks on the internet. In the notes accompanying the tracks, theface07 said: "This incredible recording was supposedly taken direct from the multi-track master tape. Therefore, this would be the 1st generation stereo mixdown if correct. I believe this to be true given the sound quality of the recording. This is also the complete show which is rare in soundboard quality. I took the opportunity to remaster the recording because I thought it could benefit from a few small adjustments. Firstly, there is a muddiness to the source which comes from low-mid frequencies. This has been adjusted. Secondly, the levels flucuate from track to track on the source. I have remedied this issue. I have also used some light compression to get a more balanced, crisp sound. What is produced, as a result of these edits, is, in my opinion, a superior sounding recording. I hope you agree! No limiting or noise reduction of any kind has been used. Enjoy this new classic Zeppelin performance!"
-> Text from Big O web site.

Led Zeppelin Live at Southampton University 1
Led Zeppelin Live at Southampton University 2
Led Zeppelin Live at Southampton University 3

Led Zeppelin - BBC Rock Hour [1969]

Não há muito o que dizer sobre essa super banda de rock, que já não tenha sido dito. Então, sem muita conversa fiada, vamos direto ao assunto. Este disco registra o início de carreira do Led Zeppelin, quando o empresário Peter Grant ainda permitia que os shows fossem gravados para radio transmissão. Depois, quando o Led já estava no auge isso se tornou impensável, e Peter chegava ao cúmulo de visitar a lojas de disco para confiscar qualquer gravação pirata que encontrasse pela frente. Por isso é que a grande maioria dos bootlegs da banda foi gravada da platéia resultando num áudio muito ruim. Este não é o caso de Rock Hour, um dos muitos programas de rádio da BBC que apresentava bandas em performances ao vivo. Esta aconteceu no dia 27 de junho, no Playhouse Theatre de Londres, em um momento de grande inspiração, registrada em áudio de boa qualidade.

Led Zeppelin - BBC Rock Hour

There is nothing much to say about this super rock band, that hasn´t being told before. So let’s go to the point. This album is a document from the Led Zeppelin early times, when the manager Peter Grant gave license to record from radio transmission. After this, when Led was on the top, this was impossible and Peter went to visit the record stores to take possession of any bootleg he could found. So the great part of the bootlegs from the band was recorded from the audience, resulting in bad audio quality. There is no occurrence of this in this Rock Hours, one of BBC radio programs that showed the band in live performance. This happened in June, 27, at the Playhouse Theatre of London, in a great moment of inspiration, with good audio quality.

Led Zeppelin - BBC Rock Hour 1
Led Zeppelin - BBC Rock Hour 2

Quatermass - Selftitled [1970]

Formado em 1969, na Inglaterra, o Quatermass era composto por Mick Underwood na bateria, Peter Robinson nos teclados e Johnny Gustafson no baixo e vocais, músicos de grande experiência que se não alcançaram o sucesso esperado juntos, sempre estiveram rodeados de nomes famosos e deixarem um grande legado para o rock and roll. A origem dos músicos remonta a bandas como Episode Six, do vocalista Ian Gillan (Deep Purple). Inclusive, foi o próprio Underwood quem recomendou Gillan para o guitarrista Ritchie Blackmore, já que tanto Nick Simper (baixo) como Rod Evans (vocal) haviam sido dispensados a pouco do Purple (que com a entrada de Gillan e Roger Glover teria sua mais clássica formação de todos os tempos). Além do Episode, Mick Underwood também tocou com Blackmore no The Outlaws, cujo beat rock chegou a fazer um relativo sucesso.
A idéia do Quatermass era fazer hard progressivo, usando influências de outros grandes power trios da época como Nice, Cream e Jimi Hendrix Experience, etc. Gravado pela Harvest, o disco abre com a faixa Entropy , uma instrumental breve que apenas serve de degustação para o que vem em seguida: Black Sheep of the Family, um clássico absoluto, que foi regravado com grande sucesso pelo Rainbow, em 1975, no álbum de estréia do Ritchie Blackmore's Rainbow. O incrível é que a versão original do Quartermass, mesmo sem guitarra, consegue preencher todos os espaços com ótimas linhas de baixo e teclados. O disco segue com Post War Saturday Echo uma longa balada blueseira típica da época, onde Gustafson esbanja categoria com vocal seguro e baixo de arrebentar. Outro grande clássico é Good Lord Knows com acompanhamento de violas, violonos e cellos. Já Up on the Ground é outra coisa, seguindo na linha hard, lembra algumas faixas do seminal In Rock, do Deep Purple. Gemini discorre sobre a inconstância de humor que existe num típico geminiano; Make Up in Your Mind mantém o excelente nível com um refrão ganchudo e que faria qualquer banda atual de hard rock tocar a revelia nas MTV da vida. A próxima é Laughin' Trackle, faixa instrumental numa linha mais jazzística, destacando um arranjo de cordas e um teclado bem interessante. Para fechar, retorna à coda de abertura, Entropy, desta vez com apenas 0m40s. Ainda como faixas bônus, temos a ótima One Blind Mice e Puting , esta última, um lado B do primeiro single do Quatermass.
Após o lançamento de seu álbum de estréia, o Quartermass recebeu diversas críticas positivas que, inclusive, levaram o trio a fazer uma turnê pelos Estados Unidos. Apesar da expectativa, a falta de investimento em publicidade e de uma boa assessoria, fez com que a banda não conseguisse o êxito esperado, levando o grupo ao final em abril de 1971. Após o encerramento, Gustafuson juntou-se com John Cann e Paul Hammond, ex-Atomic Rooster, e criou o Hard Stuff. Ele também foi membro do Roxy Music, tocando em álbuns essenciais como Strandled (1973), Country Life (1974) e Siren (1975), participando da vitoriosa turnê da banda em 1976, que rendeu o álbum Viva! Além de tocar com Kevin Ayers, do Soft Machine, Ian Hunter do Mott the Hoople, e Steve Hackett do Gênesis. Mais tarde acabou se firmando na Ian Gillan Band. Já Peter Robinson alcançou relativo conhecimento tocando com Phil Collins na banda de jazz rock Brand X. Sem dúvida, apesar da falta de reconhecimento, o Quatermass foi uma das grandes bandas dos anos 70 que vale a pena ouvir do começo ao fim e cuja obra ficou eternizada como algo de extremo bom gosto e qualidade.
-> Texto retirado do site Scream & Yell, de autoria de Wagner Xavier para a seção Rock Raro.

Quatermass – Selftitled

Quatermass is an album by British progressive rock band, Quatermass, first released in May 1970. It has been described as "a keyboard dominated chunk of heavy progressive rock... a popular part of the eccentric Harvest label."[1] Based around organ, bass and drums, Quatermass is a quintessential British prog rock album, destined to remain a cult classic and also one of the first albums in the vein of progressive metal.[2] Overall, the album is well-rounded, technically competent and complex, yet retaining a distinctive swing time rhythm as would be expected from a trio that were at their core a strong rhythm section. Throughout, the album flows easily from mid-tempo rock to avant-garde instrumental to bluesy soundscapes. The álbum open with "Entropy" is a very quiet keyboard-based melody, vaguely cyclic in nature. On vinyl editions of the album it is so quiet it almost gets lost in the groove noise, even on near-mint copies, but on digitally remastered CD copies the track is much clearer and reveals a deep organ-pedal bass underpinning the melody. "Black Sheep Of The Family" is the album's first full length piece, beginning with a series of crashing chords, interspersed with powerful drum breaks. The backing tracks are a layered mix of organ and piano, arranged to make a guitar unnecessary. "Post War Saturday Echo" is a slow electric blues number with delayed and double-tracked vocals in stereo, which combine with the multi-layered keyboard tracks to lend an "otherwordly" quality to the piece. The balladic "Good Lord Knows" is performed as a prayer by John Gustafson, backed by harpsichord and strings. The string arrangements were by Peter Robinson. The next track switches the tempo, "Up On The Ground" being a powerful hard rock song with virtuoso bass riffing and rock organ solos. With "Gemini" Peter Robinson again arranges piano and organ to form a texture which leaves no requirement for a guitarist. "Make Up Your Mind" is an example of stop-time instrumental, and also features explorative keyboard riffs in odd time signatures punctuated by drum and bass licks. "Laughing Tackle" is an extended, often exploratory piece, which commences with a pulsating, bounding bass guitar pattern and cymbal work, double tracking by Robinson on electric piano and organ, and a slow-building organ solo culminating in a descending chord break signalling the start of a Mick Underwood drum solo highlighted by extensive rolling. The original vinyl release then closed with the repeat of the intro, "Entropy (Reprise)." Of the bonus tracks which feature on subsequent reissues, "One Blind Mice" is the best known, having been released also as a single, and demonstrates a heavy rock influence and descending chord progression. The organ solo releases into a phasing wash which carries through to the final verse and chorus. "Punting" has solid bass and drum lines textured with exploratory musings by Peter Robinson using the ring-modulator.
-> Text from Wikipedia.

Quatermass - Selftitled

Sonny Landreth - Grant Street [2005]

Pouco ouço falar ou leio nos blogs sobre Sonny Landreth, o que de certa forma me causa estranheza porque o cara é simplesmente um dos maiores guitarristas que já tive o prazer de ouvir, e olha que essa lista é grande e tem nomes peso-pesados como Jimi Hendrix, Robben Ford, Rory Gallagher, Jimmy Page, Frank Zappa, Johnny Winter, Steve Vai, Scott Henderson, Stevie Rai Voughan, Robin Trower, Eric Capton, John Scofield... Bom, talvez ele peque um pouco na escolha do repertório, mas em termos técnicos e na musicalidade não deve nada, nadinha mesmo para nenhum deles. Se você não põe uma fé, então ouça e veja se não estou falando a verdade. Nascido em Canton, no Mississippi-USA, ao sudoeste da Louisiana, Sonny tem o blues no sangue e domina a slide guitar como poucos, com uma técnica de encher os olhos, ou melhor, os ouvidos. Usando o slide no dedo mindinho, como a maioria dos guitarristas, ele desenvolveu uma técnica que lhe permite dedilhar e tocar acordes, bem como fragmentos de acordes, "atrás" do slide - para esclarecer: enquanto toca com o slide ele faz notas simples, fazendo os acordes e fragmentos de acordes, soarem na extensão entre a pestana e o traste pressionado pelo slide. Ele conseguiu aperfeiçoar esta técnica como nenhum outro. Muitos guitarristas renomados deixaram seus shows em etérea descrença. Landreth tem trabalhado com muita freqüência, agregando muitos seguidores entre fãs e guitarristas. Eric Clapton, guitarrista respeitado, disse “Landreth é provavelmente o músico menos valorizado do mundo e provavelmente um dos mais avançados.” E olha que são palavras de alguém que um dia foi chamado de Deus!
Grant Street foi gravado ao vivo no Grant Street Dancehall de Lafayette, Louisiana em 23 e 24 de Abril de 2004, onde Landreth foi acompanhado pelo baixista David Ranson e Kenneth Blevins na bateria. Em geral os discos dele não são tão pesados, mesclando o acústico com o elétrico em levadas blues/cajun/zydeco, sonoridades típicas da sua terra natal. Mas aqui o bicho pega, é bem elétrico e pesado, com o slide deslizando macio sobre as cordas, tirando da guitarra grunhidos de arrepiar!
Fonte: Wikipedia . Agradecimentos especiais a Bernardo Gregori pela tradução.

Sonny Landreth - Grant Street

Review by Don McLeese (Amazon.com)
Just as Muhammad Ali once boasted that he could "float like a butterfly, sting like a bee," Louisiana's Sonny Landreth can make his slide guitar roar like a rocket ship and dance like a ballerina. As this live set recorded on his home turf attests, few guitarists combine such power with such precision. Landreth’s veteran rhythm section of bassist David Ranson and drummer Kenneth Blevins provides whipcrack support on a set of supercharged instrumentals ("Native Stepson," "Z. Rider," "Pedal to Metal") and original blues ("Broken-Hearted Road," "Wind in Denver"), building to a climax with the guitarist’s signature tune, "Congo Square." Though Landreth established himself as an ace sideman from his apprenticeship with zydeco kingpin Clifton Chenier through his extended stint with John Hiatt, he really cuts loose with his own trio, generating a dynamic propulsion that threatens to levitate this Lafayette dancehall.
Rolling Stone (No. 968, p.72) -> " Grant Street is crawfish Cream, peppered with zydeco snap..."
Down Beat (p.76) -> "[H]is amazing slide-palm-and-fingers technique gives a sense of thoughtful preparation and construction."
Dirty Linen (p.47) -> "Landreth's voice is a nice strong addition to his guitar pyrotechnics, and he can handle a steely-eyed blues like 'Wind in Denver,' as well as the occasional quiet number."





Sonny Landreth - Grant Street

Green Bullfrog - Natural Magic [1972]

Um dia desses do ano cristão de 1971, o produtor inglês Derek Lawrence (The Pretty Things, Outlaws, Deep Purple, Wishbone Ash...) devia estar com tempo livre e resolveu reunir uns amigos a fim de gravar um disco só para se divertir. Chamou meia dúzia de feras e como quase todos tinham contrato com suas respectivas gravadoras, criou um pseudônimo para cada um e batizou o grupo, ou melhor, o projeto com o nome de Green Bullfrog (sapão verde). A maioria ali já se conhecia há um bom tempo, assim o som fluiu naturalmente e o albúm recebeu o apropriado nome de Natural Magic. O Green Bullfrog é quase um Deep Purple melhorado (calma, eu disse quase!). Isso porque entre os sapos estão o guitarrista Boots e o baterista Speedy cujos verdadeiros nomes são Ritchie Blackmore e Ian Paice. De quebra, na outra guitarra sob a alcunha de Pinta, temos a pessoa de Albert Lee, que pode não ser muito conhecido para alguns, mas quem já estudou guitarra um dia certamente ouviu falar neste cara que além de desenvolver técnicas de estudo, tocou com meio mundo e ainda é muito requisitado para trabalhos em estúdio. Se não temos um Jon Lord nos teclados, temos Sorry. Não, não estou me desculpando! Esse é o apelido inventado para Matthew Fisher (Procol Harum), que além de mandar muito bem no orgão Hammond, canta, compõe e foi o responsável por uma música que não saiu da cabeça de muita gente por anos a fio: "A Whiter Shade of Pale", que todo mundo conhece, mas ninguém lembra o nome chamando erroneamente de “We Skipped a Light Fandango”. Hahhh! Lembrou dessa né! Completando o brejo do sapo verde temos Bevy (Tony Ashton), Viçar (Rod Alexander), Sleepy (Chas Hodges), Jordan (Earl Jordan) e Boss (Big Jim Sullivan). O disco foi lançado em 72 pela Decca e não fez muito sucesso na época, talvez por causa dos nomes totalmente desconhecidos, relançado em CD, já com o nome verdadeiro dos artistas, também não chamou muito a atenção. Agora, para mim isso é rock’n’roll de gente grande, ouça com a devida atenção, em especial a faixa 4, Bullfrog, onde há um duelo de guitarras de arrepiar entre Blackmore e Lee, e veja se não tenho razão!
Fonte -> Wikipedia

Green Bullfrog - Natural Magic

Carved firmly in the mold of the superstar jam sessions that fascinated the rock cognoscenti during the late '60s/early '70s, Green Bullfrog was the brainchild of producer Derek Lawrence. Built around longtime occasional collaborator Ritchie Blackmore, the session band also featured the pseudonymous talents of Tony Ashton ("Bevy"), Big Jim Sullivan ("Boss"), Earl Jordan ("Jordan"), Albert Lee ("Pinta"), Charles "Chas" Hodges ("Sleepy"), Matthew Fisher ("Sorry"), Rod Alexander ("Vicar"), and Blackmore's Deep Purple bandmate Ian Paice ("Speedy"). Contrary to rumor and the inferences of the Ecy Street label reissue, however, neither Roger Glover nor Jon Lord were involved. With such a stellar lineup, the actual musicianship is impeccable — or, at least, as impeccable as you'd expect from a one-day studio party. A couple of Lawrence-penned numbers alone can be considered "original" numbers; the remainder of the album comprises blues-rock-inflected covers of sundry rock & roll staples, punctuated by a rough-and-ready version of the Creation's "Makin' Time." With Blackmore, Sullivan, and Lee involved, it is naturally a guitar-heavy event, and there's certainly some searing playing to be found amid the good-time grooves and loose-limbed energies; the seven-minute title track is a particular tour de force. One has to admit, however, that unless ragtag armies of boogie buddies really are your cup of tea, there's little about Green Bullfrog to truly engage the attention. Just like every other superstar jam session, then. -> Review by Dave Thompson (All Music Guide)

Green Bullfrog - Natural Magic

Chicken Shack - Forty Blue Fingers [1968]

Légitimo representante do British Blues o Chicken Shack foi formado em 1967 por Christine Perfect (vocal e tecledos), Stan Webb (guitarra e vocal), Andy Sylvester (baixo), and Alan Morley (bateria). A tradução do nome seria algo como Morada das Galinhas e a idéia surgiu porque, no começo da banda, eles ensaiavam num galinheiro em Kidderminster aproximadamente 32 km a suldoeste de Birmingham. O primeiro concerto aconteceu ainda em 67 quando participaram do National Blues and Jazz Festival em Windsor, lhes valendo um contrato com a gravadora Blue Horizon, que resultou neste Forty Blue Fingers, um dos melhores trabalhos do grupo, premiando Christine como Best Female Vocalist 1968 (melhor vocal feminino) pela conceituada revista Melody Maker. No ano seguinte, ela se casa com o baixista do Fleetwood Mac, John McVie, passando a se chamar Christine McVie e migra para a banda de John. Paul Raymond assume seu lugar no Chicken Shack, mas em 1971 ele juntamente com Andy Sylvester, e o baterista Dave Bidwell (havia ocupado o posto de Alan Morley) deixam a banda para se juntarem ao Savoy Brown. O Chicken Shack sobreviveu até o início dos anos 80, mudando sua formação várias vezes, permanecendo Stan Webb como único membro original.
Fonte -> Wikipedia

Chicken Shack - Forty Blue Fingers

Chicken Shack was a British blues band, primarily of the late 1960s, consisting of Christine Perfect (vocals and keyboards), Stan Webb (guitar and vocals), Andy Sylvester (bass guitar), and Alan Morley (drums). The band was formed in 1967 and reputedly named themselves after the chicken coop in Kidderminster where they rehearsed. Their first concert was at the 1967 National Blues and Jazz Festival at Windsor and they were signed by the Blue Horizon record label in the same year. Chicken Shack enjoyed modest commercial success, with Christine Perfect being voted Best Female Vocalist in the Melody Maker polls, two years running. Christine Perfect left the band in 1969 when she married John McVie of Fleetwood Mac. Pianist Paul Raymond, bassist Andy Sylvester, and drummer Dave Bidwell all left in 1971 to join Savoy Brown. Although the band went through several subsequent incarnations, it never equalled its earlier successes. However, Webb remains as its only constant band member.
From -> Wikipedia, the free encyclopedia.

Chicken Shack - Forty Blue Fingers 1
Chicken Shack - Forty Blue Fingers 2

Gordon Haskell - Harrys Bar [2002]

Este post foi um pedido do amigo Sergio, ilustre freqüentador aqui da casa que ao ver um trabalho do King Crimson aqui postado lembrou de Gordon Haskell e sua bela performance no disco Lizard. Na verdade, passagem de Haskell no Crimson foi muito breve e ele ficou marcado como o único cantor do grupo, que nunca se apresentou ao vivo, deixando a banda durante o período de ensaios para a turnê, porque possuía uma orientação mais voltada para o folk, que entrava em conflito com o som do Crimson. Robert Fripp o conheceu em meados dos anos 60 quando tocavam juntos no League of Gentlemen que percorria a Inglaterra tocando soul e R&B, ou seja, nada a ver com o álbum League of Gentlemen que Fripp lançou em 81, onde inclusive, quem tocava o baixo era Sara Lee (Gang of Four). Após deixar o Crimson, Haskell lançou um disco chamado It Is And It Isn't, contando com a participação de John Wetton, outro ex-Crimson. Depois, ele trabalhou com Alvin Lee, Van Morrison e Tim Hardin. Andou meio sumido na década de 80, mas voltou à ativa nos anos 90 e, de lá para cá, já gravou uns dez discos. Harry’s Bar é apontado como um dos seus melhores trabalhos, mas quem espera ouvir algo parecido com King Crimsom, já vou avisando não é por aí, o estilo dele é mesmo folk music com uma pegada jazzística, lembrando um pouco Norah Jones, aliás, com quem andou tocando recentemente.
Fonte -> All Music Guide

Gordon Haskell - Harrys Bar


Gordon Haskell is usually thought of as a footnote in the history of King Crimson—the only lead singer in the group's long list of personnel who never played a single live date with the band, though he was with them long enough to cut most of an album (Lizard) and get one performance ("Cadence And Cascade") onto its predecessor. Otherwise, he's been an enigma even to many Crimson fans. Haskell's history with Robert Fripp goes back to the days they spent together in the mid-1960's as members of the League of Gentlemen, a band that backed various American r&b stars on tour and cut a couple of singles. Haskell cut a solo album, It Is And It Isn't, during 1973, and worked with such artists as Tim Hardin, Alvin Lee, and Van Morrison. His solo work tends to be in a folk-like singer-songwriter vein, reminiscent of Gordon Lightfoot with something of a progressive rock edge and more humor, some of it very sardonic. Based in southern England at the end of the 1990's, he concertizes regularly in the Hampshire and Dorset areas, and he has continued his recording career into the 1990's with his albums Butterfly in China and Hambledon Hill. In 1993, he also teamed up with Mike Wedgewood (ex-Curved Air and Caravan) to tour Scandanavia. In the late 1990's, Voiceprint Records' Blueprint label reissued Haskell's solo albums of the 1960's and 1970's on compact disc. The massively popular "How Beautiful You Are" hit British airwaves in the winter of 2001, announcing Haskell's comeback to music. Harry's Bar followed the next year, fully bringing him back into the public spotlight after years of inactivity. -> By Bruce Eder (All Music Guide)

Gordon Haskell - Harrys Bar

King Crimson - Celebration of the Lizard [1994]

Este disco do King Crimson eu encontrei no blog Shapeless Fish Tribune, que sempre posta muitos bootlegs do KC, mas não é muito criterioso quanto à qualidade das gravações. No entanto, se você é fã da banda vale a pena uma vista, pois tem muita coisa bem gravada no meio. Celebration of the Lizard é uma delas, a gravação está ótima e a seleção tão perfeita que poderia ser até um CD da série King Crimson Collectors Club. Trata-se de um show realizado durante a turnê americana de 1972 no Orpheum Theater, em Boston, no dia 27 de fevereiro. Este giro pelos EUA foi uma espécie de despedida daquela formação integrada por: Robert Fripp (guitarra e teclados), Ian Wallace (bateria), Mel Collins (saxofone e flauta) e Boz Burrell (baixo e voz). Eles se reuniram logo após o lançamento do terceiro álbum do grupo, Lizard, em 1970. Aconteceu mais ou menos assim: nem bem o disco foi para as lojas, o baterista Andy McCullouch e o baixista Gordon Haskell deixaram a banda e Fripp ficou também sem vocalista, já que era Haskell quem cantava. Ele então promoveu algumas audições para encontrar substitutos à altura, escolhendo Ian Wallace para a bateria e Boz Burrell para os vocais. Aí aconteceu um fato curioso: após ter ouvido dezenas de baixistas, ele decidiu que era mais fácil ensinar Burrell a tocar baixo!! Resolvido o problema, foram para o estúdio e gravaram o disco Island, que saiu em dezembro de 71, e no princípio Peter Sinfield, que fazia as letras, ainda estava com eles, mas logo após o lançamento de Island, Robert Fripp despediu Sinfield da banda, alegando que estava achando as letras complexas demais, na verdade os dois não vinham se entendendo a algum tempo neste sentido e a fraca vendagem dos dois últimos álbuns deve ter contribuído bastante nesta decisão.
A saída de Sinfield causou certo mal estar entre eles, mesmo porque aquilo já não era exatamente o que se podia chamar de família feliz e ficou resolvido que a formação iria se dissipar, mas antes eles fariam uma série de shows nos EUA. Próximo ao final dessa turnê, entre fevereiro e abril de 72, Ian Wallace comprou um gravador Ampex estéreo e o grupo resolveu plugá-lo na mesa de som durante os últimos shows. No final, Fripp pegou essas fitas e acabou editando um disco ao vivo batizado com o nome de Earthbound, lançado na Inglaterra em junho daquele ano. O distribuidor americano do Crimson, a Atlantic, achou que a qualidade das gravações não era boa o bastante e não lançou o disco nos EUA, mas voltou atrás e acabou lançando em 1975. Após deixarem o KC, Collins, Wallace e Burrell formaram uma banda chamada Snape, junto com o “blueseiro” britânico Alexis Korner, que durou aproximadamente um ano, quando Burrell saiu para formar o Bad Company, onde juntou uma boa grana, se aposentou e foi morar na Espanha onde faleceu em 21 de setembro de 2006. Ian Wallace tocou com uma infinidade de músicos do primeiro escalão como Bob Dylan and Crosby, Stills and Nash, Steve Marriott, Alvin Lee, Ron Wood, Jon Anderson, Stevie Nicks, The Traveling Wilburys, Joe Walsh e Larry Coryell. Morreu este ano no dia 22 de fevereiro em Los Angeles. Mel Collins, com o fim do Snape, tocou com Humble Pie e depois com um monte de feras como Phil Manzanera, Bryan Ferry, Eric Clapton , Camel, The Rolling Stones, Anthony Phillips, Caravan, Dire Straits, Roger Waters…Continua vivo e soprando por aí, a última notícia sobre ele é que formou uma banda só com ex-membros do King Crimson chamada 21st Century Schizoid Band que foi o último grupo onde Wallace tocou.
Talvez a qualidade dos tapes de Earthbound não fosse boa para um disco oficial, mas para um bootleg é mais que perfeita e foi justamente daí que saíram as músicas do Celebration of the Lizard, logo elas são outtakes do Earthbound, na verdade eu achei essa seleção até melhor que a oficial. Celebration of the Lizard também foi lançado com os nomes de Formentera Memories e de Colours Out of Time. Apesar de ser um bom disco, publicado com três nomes diferentes, lamentavelmente não consegui encontrar a capa original de nenhum, a que foi postada no Shapeless, é até bacana, mas está com péssima resolução e também não é a original. Para não dizer que não encontrei, achei três minúsculas (estão anexadas no arquivo), menores que uma caixa de fósforo, então me dei ao trabalho de confeccionar eu mesmo uma capa descente para este disco. Fiquei muito satisfeito com o resultado e espero que agrade a vocês também.
Fontes -> Wikipédia - Progressive Ears

King Crimson - Celebration of the Lizard

By Progressive Ears
The tracks of this King Crimson bootleg are outtakes from the Earthbound album (1972). In the opening months of 1972, Peter Sinfield was fired by Robert Fripp, the remaining members of King Crimson, IanWallace, Mel Collins, Boz Burrell, and Fripp, were not exactly congealing into what one would describe as a happy family. Yet, as reports of inner dissent came out in the press, the band was booked for one more American tour. As Fripp was later to write, the "Earthbound" tour "was conducted in the knowledge that the group would disband afterwards." While in America on KC II's final tour (February-April 1972), drummer Ian Wallace bought a portable Ampex stereo cassette deck which the group plugged into the mixing board during live performances. Many performances were taped this way, and Fripp subsequently took the cassettes home and edited them down to a live album, Earthbound, released in England on June 9, 1972. Celebration of the Lizard is an unusual cultural document, the sole unofficially released record of KC live, music somehow emerging from the wreckage of a dream.
Live at the Orpheum Theater, Boston, USA 1972 03 27. Others names for this Bootleg: Formentera Memories and Colours Out of Time.





King Crimson - Celebration of the Lizard 1
King Crimson - Celebration of the Lizard 2

Killing Floor - Killing Floor [1970]

O Killing Floor (nome inspirado em uma canção do bluesman americano Willie Dixon) foi uma banda, formada no Sul de Londres no final de 1968 pelo guitarrista Mick Clarke, o vocalista Bill Thorndycraft, o baixista Stuart McDonald e o baterista Baz Smith, um pouco mais tarde, quando eles iniciaram os trabalhos de gravação de uma fita demo, que se transformaria em seu primeiro disco, o tecladista Lou Martin se juntou a eles. É justamente este disco de estréia, batizado com o nome da banda, que estou postando. Um trabalho que, curiosamente, acabou ganhando três edições, onde a capa foi a única diferença entre elas. A primeira em 1969 por um pequeno selo local (See for Miles) e com o nome de Rock The Blues, não ganhou muita repercussão. A segunda, através da gravadora Akarma, já com mesmo nome do grupo, chegou aos ouvidos do DJ John Edward que estava ligado no boom do British Blues e viu no Killing Floor uma boa oportunidade de se envolver na cena, atuando como produtor do grupo. Edward arrumou um contrato com uma nova gravadora (Spark Records) que em 70 relançou o disco na Inglaterra e no mercado americano (Sire Records). Como ninguém seria tão estúpido para editar um disco ruim por três vezes, é obvio que este é um trabalho de qualidade. Detalhe curioso aqui é a faixa de abertura, “Woman You Need Love” de autoria de Willie Dixon, que nas mãos do Led Zeppelin se transformou "Whole Lotta Love". O Zeppelin era mesmo um “grande fã” de Dixon, gravou várias de suas músicas, muitas vezes fazendo novos arranjos como em "The Lemon Song," cujo começo é uma música deste mesmo bluesman. O nome dessa canção? Adivinha... “Killing Floor”!! Embora Dixon não apareça nos créditos.

Para contar o resto desta história estou transcrevendo aqui um texto encontrado no blog Hard Rock 70's, não só pela minha preguiça em escrever, mas também porque eu não iria dizer nada muito diferente do que está aqui. -> “Após um começo difícil, descolam uma oportunidade como banda de abertura de artistas como Ten Years After, Jethro Tull e Chicken Shack... Totalmente calcada na sonoridade do blues elétrico de Chicago, a banda destila feeling e peso em selvagens interpretações, repletas de solos de guitarra, piano e gaita. Nesse período, faz duas turnês com Freddie King na Inglaterra e consolida certa fama no cenário. Em 1971, lança o segundo disco, Out Of Uranus, com uma pegada mais hard e um pouco menos vinculada ao blues, a formação da banda mudou com freqüência nos shows que se seguiram. Entre os músicos que passaram pelo Killing Floor nesse período estão o baixista Mick Hawksworth (Fuzzy Duck), Rod D'Ath (futuro baterista da banda de Rory Galagher) e Ray Owen (ex-vocal do Juicy Lucy). Em 1972, a banda encerrou suas atividades, mas os músicos do Killing Floor, continuaram na ativa: Lou Martin foi tocar com Rory Galagher; Baz Smith foi para o Toe Fat e Mick Clarke mudou para os EUA onde montou a sua própria banda. Recomendado para fãs do Taste, Free, Savoy Brown e Livin' Blues!”

Killing Floor - Killing Floor

By Mark Brennan from http://www.alexgitlin.com/kf.html (Week of May 24, 1998) -> Killing Floor formed in South London in late 1968 when guitarist Mick Clarke, vocalist Bill Thorndycraft, bassist Stuart McDonald and drummer Baz Smith recruited keyboardist Lou Martin and began a bout of intensive rehearsals. After just one gig and after having hawked their demo tape round various agents, Killing Floor were picked up on by ex-Radio Caroline DJ John Edward. Martin recalls, "Edward thought we sounded like Hendrix and as the British Blues boom being in full flow saw us as a chance to get involved in the scene."
Edward booked the band for Dunstable's California Ballroom and so gave Killing Floor support slots to the likes of Ten Years After, Jethro Tull, Chicken Shack, The Herd, The Casuals and Junior Walker And The All Stars amongst others. He also secured the band a deal with Spark Records who released the group's self-titled LP, produced by Edward, in mid-1969 (SRLP 102). Around this time, the band were offered the chance to back Freddie King on two UK tours which helped further their growing reputation. The band also appeared on all the contemporary British radio rock shows and toured solidly around the U.K.
A deal was later struck with Penny Farthing Records who released the single, 'Call For The Politicians'/'Acid Bean' (PEN 745) and the band's second LP 'Out Of Uranus' (PELS 511), again produced by John Edward but with Troggs producer Larry Page acting as executive producer. However, despite numerous European tours the band's line-up began to change regularly and at one point included ex-Juicy Lucy vocalist Ray Owen and future Rory Gallagher drummer Rod D'Ath, as well as bassist Mick Hawksworth, ex-Fuzzy Duck. By mid-1972, Killing Floor had effectively finished when the various members became Toe Fat Mk. III and began backing Cliff Bennett.
Bill Thorndycraft retired from music and became a social worker in South London, whilst Baz Smith continued to play in jazz trios; Stuart McDonald formed a band called Peace with ex-Free vocalist Paul Rodgers before returning to his native Wales and playing in local bands. As mentioned, Lou Martin joined Rory Gallagher's band, toured with Chuck Berry and later played with Blues'n'Trouble. Guitarist Mick Clarke, after a brief stint in the USA, formed legendary pub rockers S.A.L.T. with 'Little' Stevie Smith before in 1983 forming the Mick Clarke Band, and has released ten LPs the latest of which 'New Mountain' has just been put out by Burnside Records.

Killing Floor - Killing Floor

The Beatles - Rough Notes [1981]

Este não é exatamente um bootleg dos Beatles ao mesmo tempo em que não deixa de ser. Calma, eu explico! O que temos aqui é uma compilação de gravações raras do Beatles misturadas com outras do Paul McCartey, algumas do George Harrison e uma gravação muito suspeita que para mim não é do quarteto de Liverpool e nem de nenhum dos seus integrantes em carreira solo. Mas, ainda assim é um disco bacana que eu fiz a besteira de vender em um sebo ano passado, junto de um lote de outros tantos LPs, só para livrar espaço nos armários e que hoje me arrependo amargamente por essa estupidez. Felizmente, antes de passar nos cobres eu gravei o disco e é esta gravação que estou postando agora. Por mais fã dos Beatles que eu seja, devo reconhecer que o ponto alto de Rough Notes é a faixa 11 onde temos uma gravação inédita e FAN-TÁS-TI-CA de George Harrison junto com Derek & The Dominoes interpretando “Roll It Over”, um outtake, do disco de 1970, melhor do que a versão escolhida. Acreditem, só esta faixa já vale pelo disco todo, o resto é bonus track! Ainda de Harrison temos “Ding Dong, Ding Dong”, “Dark Horse” e “Rock Island Line”, esta última uma gravação do programa "Saturday Night Live", junto com Paul Simon. Agora dos Beatles propriamente dito, a minha favorita é “Please Mister Postman” retirada do programa de rádio da BBC, Pop Go The Beatles, em 10 Julho 1963. Mas também curto “I'll Be On My Way”, outra gravada na BBC, no programa 'Side By Side' em junho de 63. O disco abre com Paul McCartney & Wings interpretando “Band On The Run”, que Paul apresenta como "Hand On The Buns”, versão utilizada no filme "One Hand Clapping", de 1974. Minha única reserva neste disco é “Oh, I Need You”, embora pareça ser a voz de Lennon, desconfio que esta música seja um embuste colocado para parecer uma faixa inédita. Tem mais coisa por aí, com qualidade de gravação variando de faixa para faixa, mas até neste ponto “Roll It Over” é a melhor coisa deste disco. Não tive a idéia de scanear a capa de Rough Notes antes de vendê-lo e como não a encontrei em site nenhum (até mesmo a disponível no Bootleg Zone não é a original), refiz a capa o mais próximo possível da verdadeira. Junto com o arquivo tem uma pequena imagem da capa original que consegui encontrar no e-bay, não é grande coisa, mas pelo menos dá para sacar como era. Nota: este bootleg não foi lançado em CD.

The Beatles - Rough Notes

Review by: Pasadena (Bootleg Zone) -> An over-rated album. first of all, it has a lot of inaccurate information, such as listing this boy as an alternate remixed version when it is in fact a bbc recording. and if i want you she's so heavy and i need you are the beatles then i'm George Martin. these are obvious fakes. the i want you is obviously not paul on vocals but someone doing a lousy imitation. and the i need you (NOT THE GEORGE TUNE) claims on the album to be sung by john sounds absolutley nothing like lennon. One after 909 and 2 of us are hardly stunning quality. pretty good but not "stunning". the paul and george solo stuff is pretty good quality and fairly interesting, but when i look for beatle boots, I'm looking for beatles as a group recordings, not solo stuff.I think the most interesting track is the obviously different recording of honey dont but again the quality is pretty good but not excellent. this is a little better than average album at best.

The Beatles - Rough Notes

Little Walter - Boss Blues Harmonica [1986]

Atendendo ao pedido do Maddy Lee, blogueiro aposentado (temporariamente, assim esperamos) e ilustre freqüentador deste blog, estou postando um disco do Little Walter, um dos maiores gaitistas de blues que o mundo já conheceu e provavelmente o maior no estilo Chicago-blues em todos os tempo. Dono de uma técnica apurada, seu domínio do instrumento era tal que muitos diziam que ele estava para a gaita de blues o Charlie Parker fora no saxofone jazzístico. Além disso, ele cantava muito bem e ainda tocava guitarra. Se nascido por aqui fosse, ele seria o popular “Waltinho da Gaita”, mas na verdade ele nasceu na zona rural de Marksville, na Louisiana, EUA, no dia 1° de Maio de 1930, sendo batizado com o nome de Marion Walter Jacobs. Aprendeu a tocar ainda criança e com apenas 12 anos de idade abandonou a escola e deixou a Louisiana para tentar a sorte em outras paragens. Vagou pelas ruas de New Orleans, Memphis, Helena, e St. Louis, fazendo pequenos trabalhos aqui e ali, nesse percurso conheceu e foi influenciado por músicos do naipe de Big Bill Broonzy, Snooky Pryor e Sonny Boy Williamson com quem afiou suas habilidades musicais. Detalhe importante: estamos falando de John Lee Curtis Williamson (1914 - 1948) que foi o primeiro a adotar este nome e não de Aleck Miller (1899 - 1965) que usou este mesmo pseudônimo, também tocava gaita e fez aquela clássica gravação junto com The Yardbirds. Cara isso causou e ainda causa muita confusão entre os dois!! Mas voltando ao Little Walter, ele chegou a Chigago no ano de 1945 e ali fez o seu primeiro registro que, segundo reza a lenda, foi uma demo (nunca chegou a ser lançada) junto com um blusman local chamado Floyd Jones, com quem Walter tocou guitarra e não gaita. Mas a sua primeira gravação de fato, ocorreu em 47 por um pequeno selo chamado Ora-Nelle. Um ano depois ele se juntou ao grupo de Muddy Waters passando a trabalhar com ele na Chess Records, um dos grandes selos do blues onde Walter conheceu e gravou com muita gente boa como Jimmy Rodgers, Robert Lockwood, e Willie Dixon, este último autor de um dos seus maiores sucessos a música "My Babe". Mas Walter era um cara complicado, vivia se metendo em brigas, gostava de apostar e, além disso, era alcoólatra. Chegou a fazer dois giros pela Europa, em 1964 e 1967, muito mais pela necessidade de sanar suas dívidas do que pela vontade de se apresentar no velho continente. Morreu cedo, aos 38 anos de idade, vítima de trombose cerebral, em 15 de fevereiro de 1968, conseqüência de uma briga de rua. Deixou poucos discos gravados e muitas coletâneas foram lançadas após a sua morte, como esta Boss Blues Harmonica lançada pela Chess com gravações realizadas no período de 1952 a 55 apresentando grandes interpretações como “You Better Watch Yourself” onde a sua gaita extremamente distorcida marca presença nos solos e intervenções entre as frases vocais; “Last Night”, onde há um solo simples e emocionante que torna perfeito esse blues lento. Temos ainda duas peças instrumentais “Off The Wall” e a maravilhosa “Juke” eleita como uma das 500 melhores músicas do gênero pelo Rock & Roll Hall of Fame. Também não poderia faltar a clássica “My Babe”. Enfim, são 24 faixas que mostram um pouco do trabalho deste pequeno grande músico!
Fontes -> Wikipedia e Blues Masters

Little Walter - Boss Blues Harmonica

Little Walter (born Marion Walter Jacobs) (May 1, 1930 - February 15, 1968) was a blues singer, harmonica player, and guitarist. Born in Marksville, Louisiana, Jacobs is generally included among blues music greats: Ry Cooder's opinion is that Jacobs was the single greatest blues musician ever. His revolutionary harmonica technique has earned comparisons to Charlie Parker and Jimi Hendrix in its impact: There were great musicians before and after, but Jacobs' startling virtuosity and innovations reached heights of expression never previously imagined, and fundamentally altered many listeners' expectations of what was possible in blues music. (From Wikipedia)

ALBUM REVIEW (by Eugene Chadbourne, All Music Guide ) -> The high rating is for the music. Served in a portion as generous as one could typically fit over four slabs of vinyl, these vintage recordings of Chicago blues cannot be denied. "Juke," "Flying Saucer," "Boom Boom, Out Go the Lights."..these are all out and out classics of urban blues, delivered with zest and zeal by an artist who matched flawless and flamboyant harmonica technique and a devastating amplified sound with a vocal style that was mischievous to the point of irritating Rumpelstiltskin. His musical company here is the cream of the crop, killer players all. The interplay between guitars and harmonica is fantastic by itself, while the antics of the rhythm section are a subject for extensive study as well. As a bandleader, Little Walter was an inventive character, meaning that each track has something fresh about its arrangement, often just a little touch or sometimes an entire groove that with that magic combination of familiarity and surprise. There isn't a bum track on this collection, which is why it didn't matter that the tracks on the third and fourth sides of the collection were shuffled like a deck of cards for the '80s version of this two-fer repackage, about which the following competition can be launched: Which of the two-record set covers used for the Boss Blues Harmonica sets is uglier? Is it the '70s version, in which a heavy soaking of toilet-bowl blue coloring fails to hide the fact that almost the entire back cover is taken up with a drawing of a drum set? Or was it the '80s set, featuring a crude drawing of someone who doesn't look at all like Little Walter, standing in front of a bar in what looks like the middle of a vacant field. The earlier set didn't bother to provide a clear listing of session men and discographical information.

Little Walter - Boss Blues Harmonica

The Who - The Tommy Demos [1968]

Tommy foi sem dúvida a ópera rock de maior sucesso da história da música. A primeira edição foi lançada em 1969, em um luxuoso álbum duplo, apresentando um encarte com as letras das músicas e ilustrações e uma espécie de capa tripla que se desdobrava. O disco foi um grande sucesso ganhado em 1972 uma segunda versão, mais luxuosa ainda que a primeira, interpretada pela Orquestra Sinfônica de Londres, com o papel de cada personagem sendo cantado por integrantes do The Who e outros astros do rock da época, como Steve Winwood, Rod Stewart e Ringo Starr.

Três anos depois, a ópera vai para o cinema sob a direção de Ken Rusell ganhando uma trilha sonora cujo elenco incluía Eric Clapton, Tina Turner, Oliver Reed, Jack Nicholson , entre outros. Outra versão surgiu em 1993 como um musical da Broadway , uma parceria de Pete Townshend com o diretor Des MacAnuff, que apresentou várias músicas inéditas e um elenco estelar, sendo premiado com o Tony Award naquele mesmo ano.

A história deste grande clássico do The Who começou em 1967, ano do lançamento de The Who Sell Out, um álbum conceitual projetado para se parecer com uma transmissão da então fora-da-lei Radio London. Neste período, Pete vivenciou importantes mudanças, deixou de usar drogas e passou a seguir os ensinamentos do místico indiano Meher Baba. A filosofia deste guru passou a influenciar fortemente o trabalho do músico. Tommy foi o primeiro disco criado sob esta influência, partindo da idéia que estamos ligados demais às coisas terrenas e por isso somos incapazes de entender o mundo espiritual. Dentro desta premissa, Pete desenvolveu a história de um garoto que após um trauma na infância ficou cego, surdo e mudo, mas mesmo excluído de tais percepções, conseguiu alcançar a “sabedoria” jogando pinball (fliperama). De repente ele se curou miraculosamente de suas deficiências e se tornou um messias. Baseado nessa idéia, Townshend pegou o violão e trabalhou no tema entre o verão de 1968 até a primavera seguinte. Tocando, praticamente, todos os instrumentos, ele produziu o primeiro registro dessa fantástica ópera rock: The Tommy Demos, apresentando algumas versões diferentes para alguns temas do disco lançado em 69. Um disco imperdível para todo fã do The Who que se preze!
Fontes -> Wikipedia - The Who by Blogger - All Music Guide

"A maioria das demos de Tommy foi gravada de forma bastante simples. Na época eu só tinha os primeiros modelos dos gravadores Revox G36 estéreo - mas quando uma boa canção surgia isso não importava. Na verdade nunca importou. Eu não passei esse tempo todo gravando só pra poder vender canções; faço isso por diversão e por mim mesmo." -> Pete Townshend

“Deus existe ou não existe? Se Ele existe, a Sua busca é amplamente justificada. E se Ele não existe, nada se perde buscando-o. Porém o homem não costuma encarar a verdadeira busca de Deus como uma exploração voluntária e jubilosa. Ele precisa ser impelido para essa busca pela desilusão com as coisas mundanas que o fascinam e das quais não consegue afastar o pensamento.” -> Meher Baba

The Who - The Tommy Demos 1968

Review by: Alexandre ORIOU (Bootleg Zone)
Excellent CD from "Yellow Dog Records" of PT's Tommy demos with PT playing all instruments and some versions different than the final legit release of Tommy.This CD originally came in a gatefold "digi-pack", not the commonly used CD jewel cases. Compare with the titles listed above.Words can't describe how truly great this CD is! This is a must for all Who fans! Simply Fantastic.

The Who - The Tommy Demos 1968